VISION DE JACOB Y EL ANGEL DE GAUGUIN
b) Pintura post-impresionista
c) Gauguin
d) Pintura de Visión de Jacob y el Angel de Gauguin
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Quedó patente como fenómeno independiente
del Impresionismo en:
-la
VII Exposición de Independientes-1884, donde se ve una nueva tendencia en
las obras de Signac y Redond[1],
-la
VIII Exposición de Independientes-1886, donde se ven nuevas
experimentaciones en las obras de Matisse y Van Gogh,
-el
De Delacroix al Neo-Impresionismo-1899
de Signac, cuando se sintetiza alguna de las bases teóricas del
neo-impresionismo[2].
Y es que se trataba de una nueva opción impresionista, con la misma temática
de siempre pero exponiendo por separado del Impresionismo oficial[3].
Lo que la crítica empezó a ver con buena
recepción pública[4],
ya que este nuevo Impresionismo[5]
mostraba mayor prudencia que el viejo Impresionismo, sin eliminar líneas ni
metiéndose en abstracciones sin sentido.
Tuvo
como factores
remotos que motivaron su aparición:
-la
Guerra franco-prusiana-1870, con final desastroso francés en 1875[6],
-la
Comuna de París-1871, que destruyó esculturas y piezas de arte parisinas[7],
-la
crisis espiritual e industrial, de resentimientos sociales y económicos[8].
Aunque su factor próximo tuvo que ver con
la propia crisis impresionista, desgasta por:
-los
comentarios críticos de Zola, muy crítico hacia 1880[9]
sobre lo que él antes había defendido[10],
-los
escritos de Feneon, en los que informa que otros pintores ya están
superando la crisis impresionista,
-las
enemistades entre los impresionistas, que dejan de exponer juntos en 1886,
-la
huida de impresionistas de París, y su abandono del término
“impresionismo”,
-el
haber pasado la figura humana a 2º término, para captar mejor la fugacidad
de la luz.
Fue entonces cuando surgió el Post-Impresionismo, de 1886[11]
a 1900[12],
bajo obras que se vendían en las galerías
y tiendas como impresionistas[13],
pero que en realidad se habían alejado del fenómeno y estilo de forma total.
Se desarrolló en colaboración con el belga
Grupo de los XX[14],
así como las revistas L’Art Moderne y L’Revue Blanche. Así, figuras
solitarias como Van Gogh, Cezanne, Gauguin… pudieron convivir durante 20 años
Hasta
que Roger Fry acuñó su término en su Monet
y los post-impresionistas-1910, aparte de repasar las ideas post-impresionistas de:
-buscar
un método racional, científico y desapasionado,
-provocar
emociones y sentimientos,
-recuperar
la temática religiosa, histórica, literaria,
-optar
por las opciones orientales, primitivas, medievales,
-superar
las fronteras francesas, así como el diálogo con la naturaleza,
-armonizar
la línea y color[15],
-liberalizar
el color, dejando su función descriptiva en pro de una función expresiva,
-superar
las inquietudes del impresionista ojo innato y registrador,
-superar
la impresionista luz natural y contemporánea,
-obviar
los renacentistas claro-oscuro, volumen, profundidad…
Trató de presentar una ordenación
meditada del cuadro, manteniendo una preocupación por el volumen,
orden, claridad.
Así, y a diferencia del Impresionismo:
-hace
reconocibles las temáticas y motivos,
-elabora
las obras en el estudio, y no al aire libre,
-somete
la intuición a disciplina,
-convierte
la impresión en rigor académico, matemático y normativo[16],
-precisa
y concisa la pincelada,
-distribuye
milimétricamente la suma de puntos a pintar,
-elimina
los marcos dorados por marcos blancos[17].
Fue forjada en su Principios de
Armonía y Contraste de Colores-1859, experimentada por Seurat para la
pintura[18],
y en torno a la división de
colores en:
-primarios:
el rojo, verde, azul, no obtenibles mediante la mezcla de ningún otro,
-secundarios:
el naranja, amarillo, violeta, surgidos de la mezcla de 2 primarios[19],
-complementario:
blanco, mezcla de la luz sobre el resto de colores[20],
así como entre:
-cálidos:
amarillo, naranja, rojo,
-fríos:
verde, azul, violeta.
Parte de la demostración de que el ojo:
-percibe
el color de forma diferente, según los colores que lo rodean,
-exige
o crea el color complementario, de cada color que está viendo.
Y
viene a concluir que la teoría del contraste
simultáneo, según la cual los colores influyen entre sí, y crean
entre ellos reacciones complementarias:
-armoniosas,
si se juntan colores contiguos del círculo cromático,
-contrastadas,
si se juntan colores secundarios entre sí[21].
Fue forjada en su Gramática de las
Artes del diseño-1865, experimentada por Seurat para la pintura[22],
y en torno a la idea
de que:
-el
color está compuesto por una serie de puntos divididos,
-cada
punto ha de estar dotado de toda la gama posible de tonos.
Además, la experiencia enseña que:
-hay
relaciones físicas entre los colores,
-las
leyes físicas que influyen en cada color son enseñables,
-los
matices puros se concentran en torno al centro, en una mezcla de colores,
-la
mejor mezcla es la producida en el ojo, que no ensucia el resultado final[23].
Fue forjada en su Introducción a
la estética científica-1885, en un intento de relacionar estética y leyes
de la naturaleza mediante fórmulas
pseudo-científicas[24],
todas ellas provenientes de la psicología del espectador.
Así, cada dirección de una línea proyecta
un estado sentimental, como se ve en:
-la
alegría, producida por colores cálidos, o por líneas derecha-izquierda y
abajo-arriba,
-el
dolor, producido por colores fríos, o por líneas izquierda-derecha y
arriba-abajo.
Paul Gauguin (París 1848-Islas Marquesas 1903) fue uno de los
inspiradores de la Escuela de Pont-Aven, así como del uso provocativo del color
por parte del fauvismo[25].
Hijo de periodista republicano, fue desterrado a Perú y pronto quedó huérfano
por ese motivo. Vuelto con su madre a Orleans en 1855, allí se embarca desde
joven en la Armada francesa. A su regreso en
1870 trabajó como empleado en una oficina de agentes de Bolsa, y se casa con
Sophie[26].
Hasta
que en 1883 su jefe Gustave Arosa decide adentrarlo en el mundo del arte, influido por la
forma de pintar de los impresionistas. En 1885 se decide por sí mismo, abandona
la idea de seguir la corriente impresionista, y empieza a descubrir en el arte
de Cezanne una mayor abstracción y sencillez.
En
1886 comienza su etapa como artista, al dejar su trabajo en la Bolsa parisina[27]
y tener que sacar a sus hijos adelante de cualquier manera. Decide trasladarse a
vivir a la barata Bretaña, al mando del artista Pissarro y bajo la ayuda
financiera del merchante Teo Van Gogh[28].
Es
aquí cuando se une a la Escuela de Pont-Aven[29],
nueva corriente estética no del todo post-impresionista, y en la que hace un
acercamiento a lo visionario, fantasioso y evasivo[30],
así como hacia lo rústico y salvaje. Así, el color debe ser puro[31],
estar lo más aglutinado posible y utilizar lo máximo posible:
-el
rojo, para los campos,
-el
verde esmeralda, para las hojas,
-el
amarillo cromo 1, para las alas angélicas,
-el
amarillo cromo 2, para el rostro angélico[32].
No
obstante, su alergia por todo lo occidental le hace no aguantar ni siquiera la
Bretaña, y en 1891 decide embarcarse rumbo a la Polinesia francesa, en el Pacífico.
Se establece en Tahití en busca del mito del paraíso, para poder “cantar,
vivir y morir” lejos de la podrida corrupción industrial de Occidente. Allí
interpretó las mujeres oceánicas y el exotismo polinesio, así como se enamoró
de una tahitiana.
Hasta que en 1895 empieza a coger depresión y a drogarse con arsénico,
bajo la promesa de suicidarse “si no puede volverse a Europa en el siguiente
barco que zarpe”, pues había recibido la noticia de la muerte de su hija. Sus
últimas obras no tratan ya de pintar primitivos, sino de pintar como un
primitivo.
Fue
pintada por Gauguin en 1888, permaneciendo hoy en la Galería Nacional de
Edimburgo. En ella se aprecia:
-temática
cristiana[33],
-personajes
contemporáneos[34]
y cristianos[35],
-composición
libre[36],
sencilla[37]
y diagonal[38],
-planitud[39]
y escasa profundidad[40],
-color
fuerte e intenso[41],
-inspiración
japonesa[42],
-ruptura deliberada del impresionismo[43].
ed.
Mercaba
Diócesis
de Cartagena-Murcia
Indice
general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm
__________________________________
[1]
Sin un estilo definido, ni exclusivo de una tendencia artística (pues no
había jurado ni premios, sino sólo la idea de exponer por libre).
[2]
Con temas todavía impresionistas, pero nueva armonía de colores y líneas
(que daban mayor orden a la composición).
[3]
Con cuyos viejos impresionistas hubo broncas monumentales.
[4]
En el aspecto de los paisajes. Pues sus figuras continuaban siendo demasiado
rígidas.
[5]
Tildado por FELIX FENEON como neo-impresionismo, por venir sus artistas del
Impresionismo, y significar que técnicamente era algo nuevo, que armonizaba
líneas y colores de una forma que el viejo Impresionismo había rechazado
(aunque sus temáticas siguiesen siendo las mismas).
[6]
Con más de 150.000 franceses muertos y 550.000 prisioneros, a manos
de GUILLERMO I DE PRUSIA.
[7]
En nombre del gobierno anárquico, que se adueñó de París durante algunos
meses, e impuso un régimen caótico en la ciudad.
[8]
Que movió a los artistas a una nueva e inquieta experimentación.
[9]
Mediante su Obra-1880, novela
sobre la vida de MONET Y CEZANNE, en que critica los defectos técnicos de
los impresionistas, y la prototipificación de “un loco y fracasado que
pinta para hacerse reconocer”.
[10]
Pues al principio era muy entusiasta del estilo, y amigo personal de los
impresionistas.
[11]
Momento de la 8ª y última exposición impresionista.
[12]
Momento en que surgen las nuevas vanguardias.
[13]
Gracias a los merchantes DURAND RUELL, GEORGES PETIT y AMBROISE VOLLARD,
contrabandistas de arte que pagaban precios fijos por todos los cuadros, y
luego vendían cada uno de ellos a un precio distinto.
[14]
Surgido del rechazo que hizo la Academia de París a 20 artistas, que
decidieron desde entonces:
-crear
su propio grupo artístico,
-abrir
un foro de discusión artística,
-invitar
a otros artistas a exponer en sus exposiciones,
-fundar
y colaborar con revistas comprometidas con sus ideas.
[15]
Idea en la que coinciden los grupos de puntillistas, divisionistas,
neo-impresionistas…
[16]
Aunque resulte más artificial.
[17]
Para romper la idea renacentista de ventana abierta, y hacer del marco parte
integrante de la pintura.
[18]
Intensificando los colores, para dar mayor brillantez y luminosidad. Pues
“un color, al lado de su complementario, se ve más luminoso”, concluía
GEORGE PIERRE SEURAT (como se ve en el rojo, que al lado de un verde,
resulta más intenso).
[19]
En la retina del ojo, y no en la realidad. Es lo que ocurre cuando la retina
se estimula por un complementario (como se ve en el ejemplo de un punto
rojo. Pues si uno lo mira fijamente, y luego vuelve su mirada hacia un folio
blanco, éste se ve verde).
[20]
Pues la luz de los colores, a una gran velocidad, produce el color blanco
(como ya se había visto en los Discos de Newton-1700, un disco con los 7
colores que al girar rápido era visto blanco al completo).
No obstante, la retina del ojo no es capaz de hacer lo mismo, porque
no se mueve a la misma velocidad. De ahí que la pintura de los
post-impresionistas sea un intento por acercarse al fenómeno del blanco y
la luz a través del resto de colores y colaboración del espectador, pero
no lo consiga del todo.
[21]
Pues la mezcla de colores no se realiza en el lienzo, sino en la
retina del ojo.
[22]
Haciendo iguales todas las pinceladas, y reduciéndolas al punto como
unidad constante a multiplicar. Y esto de forma sistemática, para aplicar
con exactitud las dimensiones cromáticas y tonales (como se veía en el
caso de cada punto amarillo cromo, por el que correspondían 2 puntos de
azul ultramar).
No obstante, se trataba de una unidad constante de puntos al
principio, pues luego se iba variando dinámicamente la pincelada.
[23]
Poniendo la punta del pincel en el lienzo, pero reconstruyendo la imagen por
el ojo, desde la distancia.
[24]
Para corregir así la estética especulativa y metafísica del Romanticismo.
[25]
Desarrollado entre 1898 y 1908.
[26]
De la que tendrá 5 hijos.
[27]
Dado el desplome que venía sufriendo desde años atrás, y que ahora le
deja en el paro.
[28]
Que le permite exponer sus obras en su galería de arte, a cambio de acompañar
en esos años a su hermano VINCENT VAN GOGH, enfermo de locura en la sureña
Provenza.
[29]
Colonia de artistas que empezó a reunirse en la Bretaña, alejada de la
cara París, y donde empezaron a inspirarse en la vida sencilla de sus
gentes (así como en su religión, vestidos pintorescos, costumbres
ancestrales...).
[30]
En efecto, se trataba de una corriente cuasi-simbólica que:
-huía
de la realidad,
-rechazaba
la naturaleza tal y como se ve,
-huía
de la civilización e industrialización moderna,
-miraba
al pasado, y sus tradiciones primitivas y ancestrales,
-miraba
al presente, pero éste alejado de Occidente.
Y
qué mejor manera que evadirse y meterse en el mundo de la imaginación
que…sirviéndose de la iconografía cristiana, xilografías japonesas,
escultura egipcia, arqueología primitiva maya... tal y como se pudo
contemplar en la Exposición universal de París-1889.
[31]
Tal y como sale del tubo. Pues lo que importa no es representar la
naturaleza, sino hacer que el color salga del tubo tal cual, y se plasme y
exprese por sí mismo, de forma arbitraria.
[32]
Y es que el amarillo se había convertido en el color preferido para la
Escuela de Pont-Aven.
[33]
La de los feligreses de Misa, que muestran sus sentimientos tras escuchar el
sermón. Así como la simplicidad rústica y supersticiosa (no del todo del
agrado de GAUGUIN).
[34]
El sacerdote y las campesinas (unas absortas, otras rezando, otras con los
ojos cerrados…) con sus cofias blancas para el pelo.
[35]
Jacob, y el ángel que se la aparece.
[36]
Con perspectivas yuxtapuestas
[37]
Con factura lisa de colores marcados.
[38]
Mediante la rama del manzano, que atraviesa la composición en diagonal y
divide el escenario en dos:
-el
real, de las campesinas al salir de Misa,
-el
irreal, de Jacob teniendo la aparición de las escaleras, a forma de
fetiche.
[39]
Como se ve en el tapiz rojo brillante usado de escenario, en el que se
insertan como pegados los personajes.
[40]
Mostrada tan sólo por los diferentes tamaños de figuras y por la
superposición de cuerpos.
[41]
Tanto más cuanto mayor es la superficie que cubre (de ahí el pintar un
prado de color rojo). Pues el color debe ser puro (tal y como sale del
tubo), y estar lo más aglutinado posible.
[42]
De las xilografías del maestro KATSUSHIKA HOKUSAI, grabador japonés del
periodo artístico ukiyo-e, donde
se pintaban estampas con figuras flotantes).
[43]
Como se ve en los personajes, los cuales están independizados:
-no
por medio de los efectos lumínicos, como hacían los impresionistas,
-sí
por medio de sus colores y contornos, como hacen los
post-impresionistas.
O como se ve en el rechazo de:
-buscar
la sensación del aire,
-prescindir
de las sombras y claros-oscuros.