ROTHKO
b) Pintura expresionista abstracta
c) Mark Rothko
d) Obras de Rothko
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Nació
en 1942 en Estados Unidos, cuando llegan noticias del expresionismo alemán y
del surrealismo[1].
Se desarrolla en plena Guerra
Fría, y convirtió a New York en la nueva París del momento, como
ciudad cosmopolita y referencia mundial del arte.
Fue
desarrollado por un grupo de artistas[2],
posiblemente protegidos por la CIA[3],
que comparten unos mismos preceptos, una conciencia de grupo, y ausencia de una
misma formalidad técnica[4].
Su
término
proviene del crítico Coates, que en su columna del The New Yorker afirmó que “algunos lo califican como una escuela
de manchas y borrones, mientras yo lo considero como expresionismo abstracto”.
Recibió
influencia
del:
-cubismo,
sobre todo de Picasso,
-surrealismo,
sobre todo de Miró,
-psicoanálisis,
sobre todo de Carl Jung[5].
-existencialismo,
sobre todo de Sartre[6],
-muralismo,
sobre todo el mexicano,
-Proyecto
de Arte federal, que animó a los jóvenes pintores a decorar los edificios
neoyorkinos.
Ejerció
influencia
sobre muchos movimientos, tales como:
-el
arte abstracto post-pictórico,
-el
arte de las performances,
-el
arte minimalista.
Su difusión corrió a cargo de los escritos:
-de
Rosenberg y Greenberg, que escribieron libros y concedieron entrevistas,
-del
The New York Times, que fue publicando
desde 1942 las cartas Rothko y Gottlieb acerca de los objetivos del movimiento[7].
Así
como por las exposiciones:
-del
MoMA[8],
inaugurado en 1942 por Barr[9],
-de
la Galería Art of this century de New
York-1942, a cargo de Peggy Guggenheim,
-de
la Galería Artistas en el exilio de
New York-1943, a cargo de Pierre Matisse.
Hay
3 tipos de
Arte expresionista abstracto:
-expresionismo
de la Pintura Acción, donde
destacan Pollock y Kooning. Aquí lo importante es el gesto y la acción del
artista, para que luego un psicoanalista lo
interprete;
-expresionismo
del Campo de Color, donde destaca
Rothko. Aquí lo importante son los paisajes que sinteticen la naturaleza;
-expresionismo
de los Independientes, donde
destaca Gorky y Kline.
Giró
en torno a una
idea compartida: expresar las verdades eternas, captando lo
sublime, aprehendiendo la metafísica, deseando la heroicidad[10].
Rechaza
las técnicas
clásicas y su acabado perfecto[11],
experimenta las viejas innovaciones de las primeras vanguardias, e incorpora las
nuevas técnicas y pinturas comerciales. En ese sentido, explota los aspectos
del proceso: gesto, color, textura y forma, por ese mismo orden y con total
ferocidad y agresividad.
Busca
ante todo la libertad
e individualización,
de forma rebelde, franca, inconformista, inmediata e improvisada. Pues así el
inconsciente estará libre de la contaminación social, y se podrá pintar de
forma inconsciente.
No
obstante, también trata de descifrar los mitos y símbolos colectivos de los
que participa el subconsciente
colectivo.
Intenta
que el espectador sienta lo que sienten los artistas. De ahí que sus cuadros
sean cuadros-terapia[12],
registros de una lucha existencial, de una autodefinición personal, de la
conciencia de pequeñez humana.
Utiliza
grandes
formatos, como mejor medio para magnificar la pequeñez humana. Así
las pinturas podían verse desde lejos, podían impresionar y lanzar desafíos al
espectador[13].
c) Mark
Rothko
Pintor
ruso americanizado, Mark Rothko (1903-1970) fue hijo de familia judía emigrada
de Rusia[14]
a Estados Unidos, lugar donde aprendió[15],
ejerció su carrera de arte, y se suicidó[16].
Ejerció
su vida
laboral por todo Estados Unidos, diseñando alfombras y moquetas con
su propio estilo, así como pintando óleos en trípticos y paneles de grandes
dimensiones. También decoró la Capilla Menil
de Houston[17],
dentro de la universidad texana, bajo el mecenazgo de la familia Menil, y con la
máxima expresión de su energía arbitraria y espiritualidad contemplativa[18].
Su obra pictórica alcanzó la abstracción pura, no pintando nunca ni una sola línea definida[19]. Así, buscó el mundo puro y auténtico a través del color, con el que juega[20], da forma a sus obras, crea dimensiones con su masa pictórica y retoma el recurso al esfumato. Sus cuadros representaban posiblemente paisajes, y trataban de transmitir sensaciones[21]. Evolucionaron poco a poco hacia las pequeñas dimensiones y colores menos vivos, al tiempo que la penuria personal del artista era cada vez mayor[22].
ed.
Mercaba
Diócesis
de Cartagena-Murcia
Indice
general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm
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[1]
Iniciado por ANDRE BRETON, en su intento por descubrir los mundos del
inconsciente y del subconsciente a través de la escritura, la escultura, la
pintura...
[2]
Tales como ROTHKO, KOOONING, POLLOCK, GOTTLIEB, GORKY, REINHARDT, KLINE,
HOFFMAN, BARNETT NEWMAN...
[3]
Pues muchos de ellos emigraron de Europa a Estados Unidos por cuestiones políticas,
y no sólo por las económicas o personales. Fue el caso de DALI, ERNST,
BRETON, MASSON, TANGUY, MONDRIAN, LEGER, CHAGALL, DUCHAMP, GROPIUS...
[4]
Como ellos mismo decían, “estamos de acuerdo únicamente en que somos
diferentes”.
[5]
Y su teoría del subconsciente colectivo.
[6]
Que defendía el vacío, la nada, el hombre actual sin esperanza.
[7]
Tales como que su arte era:
-una
aventura hacia un mundo desconocido, a ser explorado por quienes estén
dispuestos a asumir los riesgos,
-imaginativo,
de libre de fantasía y violentamente opuesto al sentido común,
-una
simple expresión del complejo mundo del pensamiento,
-impactante
en lo inequívoco,
-artísticamente
favorable a la planitud, para revelar la verdad y destruir toda ilusión.
[8]
Museo de Arte Moderno de New York.
[9]
Y en el que se fueron exponiendo sus colecciones pictóricas, fotogramas y
diseños industriales.
[10]
Como decía el propio ROTHKO, “para nada me interesan las relaciones cromáticas
o formales, ni nada parecido. Pues sólo me interesa expresar las emociones
humanas básicas, la tragedia, el éxtasis, la fatalidad”.
[11]
Pues prefiere mostrar el proceso al acabado.
[12]
Como definió el propio POLLOCK, al defender que “la pintura es un
estado de ser, es un descubrimiento de uno mismo”.
[13]
Pues “siempre que pintas un cuadro grande estás dentro de él. No
es algo que tú controlas”, explicaban los expresionistas abstractos.
[14]
En cuya niñez había adquirido una cicatriz en la cara, fruto de un
navajazo que le había hecho un cosaco.
[15]
Como lector empedernido que era, siendo su autor favorito Esquilo, su filósofo
favorito Nietzsche y su músico favorito Beethoven.
[16]
Al sentirse manipulado por su marchante, que además le robaba (lo que le
provocó una depresión que acabó llevándole al suicidio).
[17]
Iglesia de planta octogonal, y remitente a la arquitectura paleocristiana.
Lugar que decoró ROTHKO como lugar y espacio para el encuentro y meditación
de los jóvenes, pero no con todas las características del arte católico.
[18]
Pues él mismo decía que su arte buscaba lo sublime, invitando de
forma poética a la contemplación espiritual.
[19]
De hecho, misteriosamente él mismo decía que sus cuadros debían colocarse
muy próximos al suelo.
[20]
Siendo el blanco muy excepcional en la obra de ROTHKO. Y siendo el rojo su
color estrella, como referente a ese recuerdo infantil que le llevaba a los
muchos muertos que vio sangrando en Rusia. Aparte de ayudarle el rojo a:
-expresar
su profundidad espiritual,
-pasar
el tono caliente de la sangre al tono frío que es el violeta.
[21]
Paisajes que evocaban estados anímicos, y que posiblemente estaban
inspirados en la fosa común donde en Rusia se lanzaban los cadáveres de
los judíos, que a él tanto le impactó (de hecho, él mismo decía que
nunca podría borrar esa imagen de su mente).
[22]
Como él mismo reconocía, al exclamar que “el arte es una anécdota
del espíritu, y quienes lloran ante mis pinturas están teniendo la misma
experiencia espiritual que yo tuve cuando las pinté”.