Renacentistas italianos

Ya en el Trecento, algunas personas habían sentado precedentes de nuevas modas que desde la literatura y talleres gremiales habían empezado a surgir. En el mundo del arte, y sin precedente previo alguno, también vino a consumarse el surgimiento de nuevas modas[1], de la mano de:

Con la llegada del Quattrocento y la generación de Brunelleschi[4], Donatello[5] y Masaccio[6], Italia experimentó cómo un nuevo arte había empezado a emerger, con los ingredientes de:

A este cambio en la práctica artística acompañó una modificación paralela de las teorías en que aquella se apoyaba. Se trató, a forma de comienzos, de un naturalismo basado en los nuevos medios de la perspectiva y anatomía.

Pero donde quedaron plasmadas estas ideas de una manera más acabada fue, sin lugar a dudas, en los escritos de Leon Battista Alberti, representante de una doctrina, la “renacentista”, que abrazará todas las ramas de la actividad humana.

Las ideas de Alberti[7] sobre las artes están íntimamente relacionadas con su concepción de la ciudad-estado italiana. Para él, el interés público era la forma suprema del bien: las leyes de la ciudad, la paz de la ciudad… con firmeza, con el uso de la tortura. Las opiniones sociales y éticas de Alberti han quedado reflejadas dentro del humanismo racional.

En consecuencia, lo que había de interesar al “renacentista” era el ciudadano, tanto el particular como el príncipe. Y lo que debía interesar al individuo era el servicio a sus compatriotas, en la medida de lo posible y con la búsqueda sistemática de la virtud[8]. La voluntad era la que puede suministrar esa fuerza motriz.

Alberti profesó la filosofía pagana, compatibilizada con los dogmas cristianos sin dificultad alguna. Él se sentía a gusto dentro de esta “nueva” religión humanizada. Trató a los antiguos por encima de cualquier otra persona humana, pero afirmaba no sentir la obligación de seguir sus preceptos, si la inteligencia aconseja otro camino.

Las ideas de Alberti sobre las artes quedaron recogidas en su trilogía Della Pintura-1436, De Reaedificatoria-1450, De Statua-1464. Su definición del pintor era la de un hombre comprometido en la tarea científica, con las matemáticas y la geometría, la historia y los demás géneros, para mostrar la auténtica imagen de ese momento.

Cuando Alberti formuló por primera vez sus concepciones artísticas, concordaba con los mejores pensadores de Florencia. Pero cuando en los últimos años de su vida volvió a tomar contacto con la sociedad florentina, se percató de que todo era controlado por los Médicis. Los neoplatónicos, bajo la dirección de Ficino[9] y Mirandola[10], dominaban la cultura del final del Quattrocento. Bajo la influencia de Cosme[11] y Lorenzo de Médicis[12], la Academia platónica[13] llegó a su cumbre. Y es que Alberti no simpatizó nunca con el misticismo neoplatónico. Creía, por encima de todo, en la importancia de la vida activa.

Uno de los mayores y más polifacético genio de la humanidad, Leonardo da Vinci[14] fue otro de los grandes eslabones en la configuración de la teoría artística renacentista.

Educado en su Florencia natal bajo el neoplatonismo de Verrochio[15], del que fue alumno aventajado, proyectó desde muy joven escribir un tratado sistemático sobre sus ideas, hoy perdido entre una enorme cantidad de notas anotadas de 1489 a 1518, con sede en el archivo Vaticano. Y es que Da Vinci acabó perdiéndose en los detalles, y preocupándose muy poco de introducir leyes generales.

La base científica de Leonardo cubrió la zoología, la anatomía, la botánica, la geografía, las matemáticas y la mecánica. A menudo expresa su fe en esta experiencia sensorial, y en la fórmula de Aristóteles de que “todo nuestro saber tiene su origen en las percepciones”[16].

La creencia de Leonardo en la imitación exacta de la naturaleza fue llevada hasta el extremo, debiendo imitarse la naturaleza con fidelidad y no tratar de mejorarla[17], conforme a pretextos de belleza u omisión de fealdades. Pues todo es igualmente digno de ser imitado por un artista, “incluyendo la belleza y la fealdad del cuerpo humano”.

Visto así, el arte debe juzgarse según dos criterios: la certeza y la plenitud del saber. Leonardo nunca anima al artista a que dé rienda suelta a su imaginación, pues lo que invente debe tener siempre un fundamento real.

Leonardo discute sobre la variedad infinita que la naturaleza despliega en las figuras humanas:

Igualmente encontramos en Leonardo, por primera vez, la teoría del decorum, de sentimientos y los apropiados a la edad, rango, posición social, vestido, ambiente circundante… de los personajes. Leonardo repite que es importante mostrar las emociones, expresiones e ideas del espíritu humano: los gestos, la expresión facial, cuando discuten, cuando están tristes, cuando no son conscientes de sus actitudes.

Leonardo sostiene que la pintura es la más excelente porque puede emplear el color, la perspectiva aérea, trasparentes, tempestades… y representar así perfectamente a la naturaleza.

Constituyeron el ejemplo más claro de asimilación de las nuevas ideas renacentistas, y el puente entre los gigantes Da Vinci y Miguel Ángel, entre los sistemas naturalistas y espiritualistas, entre las teorías del Quattrocento y Cinquecento.

Francesco Colonna[18] fue monje del monasterio de S.S. Giovanni e Paolo de Venecia, y su Hypnerotomachia Philiphili-1467 constituyó la única obra escrita en la Venecia renacentista.

Colonna interpreta la Antigüedad sin precisión de detalles, y sólo toma de ella los elementos que le permiten levantar un sueño: el erotismo, alegoría, diferentes ritos religiosos, uso destructor del tiempo, inestabilidad de las cosas, placer sentimental y melancólico. Los jeroglíficos que describe Colonna (comenzó la moda de un delfín enroscado alrededor de un ancla) ilustraron numerosas pinturas, fábulas útiles, ideales y sentimientos hacia la Antigüedad.

Y es que, a finales del s. XV la Antigüedad de Roma y Florencia se había extendido a Venecia, adoptándose en la vieja bizantina una vuelta al estilo clásico, no al estilo de las anteriores sino con sus peculiaridades de:

La lengua y los nombres fueron formando en Venecia un compuesto híbrido entre el italiano, latín y griego.

Antonio Filarete[19] fue el gran teórico de Milán, escribiendo de forma muy ligada a la corte de Francesco Sforza[20]. Su Trattato-1464, sobre una ciudad imaginaria llamada Sforzinda, y escrita de forma seminovelesca, adoptó ya una enorme amplitud de miras, con todo un auténtico repertorio de pompas, observaciones astrológicas y admiración apasionada por la Antigüedad. Insiste en la disposición regular de la ciudad y en la amplitud de las plazas.

Trabajó con Filarete en Milán Luca Paccioli[21], discípulo de Piero della Francesca[22] y del que aprendió sus matemáticas y perspectiva, proponiendo en su De Divina Proportione-1497 una asimilación casi pitagórica de los números a la idea de belleza.

Fue Filarete gran arquitecto y escultor, que trabajó además de Milán en Roma, en las puertas en bronce del antiguo San Pedro del Vaticano.

Girolamo Savonarola[23], por último, fue el principal resorte-azote de los estados pontificios de Roma, protestando contra el papado mundanizado de Alejandro VI y tratando de restaurar la pureza en la sociedad romana. Creía, no obstante, en los beneficios de una amplia variedad de gamas de arte. Pues, para él, la belleza perfecta estaba en Dios, después en los santos, y también en el alma y cuerpo humano.

Para Savonarola, la pintura era un arma poderosa, tanto para el bien como para el mal, y por eso empujaba a atacar las pinturas que incitasen al pecado. Aún así, terminaba enseñando el predicador, la belleza artística reside en la proporción y armonía de las formas y colores. Y la luz debía ser la esencia de la belleza de las cosas sencillas.

Mayor artista de todos los tiempos, Miguel Ángel Bounarroti[24] vivió hasta una edad muy avanzada, y sus opiniones e ideas fueron cambiando al tiempo que iba madurando, ejecutando en Roma su máxima madurez, y asimilando un fuerte manierismo hacia el final de su vida.

Fue biografiado por dos veces en vida, por Vasari[25] en 1550, y por Ascanio Condivi[26] en 1553. Francisco de Holanda[27] también vino a Roma en 1538 y se movió en el círculo de Miguel Ángel. Entre sus obras personales, las cartas de Bounarroti apenas contuvieron negocios y asuntos similares, sí conteniendo referencias a los términos de belleza artística sus poemas.

En Florencia desarrolló Miguel Ángel su concepción artística renacentista[28], heredando así la tradición científica florentina y la atmósfera del neoplatonismo, y destacando el gran conocimiento de la naturaleza que aprendió en el taller de Ghirlandaio[29] y círculo de Lorenzo de Médicis. Para él, los dos sistemas de pensamiento cristiano y pagano eran perfectamente sinceros y compatibles, despojados ambos de todos sus elementos nostálgicos.

Hacia 1530 la Reforma protestante había logrado dividir a la Iglesia. Los humanistas más viejos rápidamente empezaron a reclamar una reforma interna dentro de la Iglesia, como Contarini[30], Sadoleto[31], Vittoria Colonna[32]… y el propio Miguel Ángel. En adelante, la religión perteneció a los que deseaban construir una nueva forma de catolicismo[33].

No obstante, tras esta época de rebeldía interior eclesial, se produjo misteriosamente la conversión[34] de Miguel Ángel, donde abandonó repentinamente todos sus principios previos renacentistas y dio paso al nuevo y más esplendoroso momento del mayor artista de todos los tiempos. Savonarola parece que influyó en el cambio de vida del artista, y la belleza empezó a ser utilizada como “medio de comunicación del estado espiritual”.

En Roma encontró Miguel Ángel una ciudad a la altura de su capacidad y riqueza artística, y con un papel de guía política para el conjunto de Italia. Aquí estudió Miguel Ángel la anatomía, la perspectiva… pero nunca creyó en la imitación exacta de la naturaleza. Para Miguel Ángel, el artista debía representar lo que ve en la naturaleza, pero conforme a su espíritu y no solamente a su visión. Para él, la belleza era “el reflejo de lo divino en el mundo material”, y ya en sus poemas empieza a hablar Miguel Ángel de Dios a través de la belleza.

Se trata de una etapa, la última de su vida, en la que la recreación del mundo real pasó a ser inexistente, desapareciendo todo espacio real, perspectiva y proporciones prototípicas. Tampoco se hace mención a la pintura como imitación de la naturaleza, y su interés se centra en la capacidad para sobrepasar este mundo visible. Ya en sus escritos, es posible encontrar este nuevo modo de concebir el arte:

Y es que “el amor debe surgir de los sentidos humanos más nobles”, decía Miguel Ángel, y “esto es posible hacerlo a través de la vista”.

Los disturbios europeos de comienzos del s. XVI acabaron afectando también a Italia. El Saco de Roma-1527[35] y la erupción en Florencia de un nuevo sentimiento popular, fueron signos de esta inestabilidad.

El arte italiano pasó a ser, en este contexto, un mero arte cortesano y secular, imposible de alcanzar las metas y estilo espiritual impuesto en Roma por Miguel Ángel, ni su intensidad emocional ni su didactismo organizado. Se trató de un arte elegante, encaminado a glorificar a los nobles e inclinado hacia la mitología alegórica, exenta de toda significación espiritual.

Por otro lado, es fácil prever como el arte cortesano devino en el mundo del retrato, siendo Pontormo[36] y Bronzino[37] sus principales impulsores.

Gran teórico del II Renacimiento, Vasari[38] fue el nuevo referente frente al nuevo mundo del Cinquecento. Hubo otras fuentes teóricas, como el Trattato de Cellini[39] o las Lezioni de Benedetto Varchi[40]. Pero la Vite de piu eccelenti Architetti, Pittori e Scultori italiani-1550 de Vasari vino a constituirse en el gran referente en la historia del arte, destacando:

Para Vasari, cualquier teoría debía comenzar con la imitación de la naturaleza, con figuras “tan naturales que parezcan vivas”. Pero no debía quedarse ahí, sino que debía intentar sobrepasar en excelencia a la naturaleza, rompiendo si hace falta la idea davinciana de “la mayor fidelidad posible a la naturaleza”. Pues:

Vasari trató, pues, de alejar al arte de la búsqueda intelectual, y de acercarlo a:

El rasgo que define la teoría de Vasari fue la aparición de una nueva cualidad en la historia del arte, la experimentada por Miguel Ángel y entendida bien por Vasari: la gracia:

-distinta de la belleza, pues la belleza depende de reglas y la gracia no es suficiente a los cánones y proporciones,

-emparentada con la dulzura y suavidad, manifestándose en una inédita elegancia.

No obstante, Vasari discrepó con Miguel Ángel sobre la rapidez con que adquirir esta gracia artística[43], proponiendo el primero que había que ejecutar las obras lo más rápidamente posible, para hacer creíble la facilidad y el mínimo esfuerzo[44].

Sin embargo, la facilidad debe estar acompañada de la audacia, para crear la desenvoltura. Cualquier esfuerzo indebido, cualquier tensión forzada… destruye el efecto de la inspiración, y las excelentes y divinas cualidades de la gracia[45].

Cuando se logra alcanzar la total maestría, el artista podrá dibujar de memoria, sin referencia al modelo.

Ya en el s. XV, Sixto IV había impuesto la necesidad de obtener un imprimatur diocesano para aprobar y exponer toda obra religiosa dentro de una Iglesia.

Paradójicamente, y como resultado de los sucesos que siguieron al Saco de Roma-1527, se produjo un reforzamiento del poder del Papado en Italia, y los Estados pontificios aumentaron su prestigio mundial. Clemente VII se dio cuenta que su única esperanza residía en:

Junto a este panorama político, también el papado incluyó el desarrollo de nuevos métodos de composición artística, e impulsó la proliferación de escritos artísticos, no sólo para justificar la religión, sino también como arma de propaganda eficaz.

En el Concilio de Trento[46] las disposiciones conciliares de 1563 hablaban de:

El acento artístico de Trento vino a pivotar, pues, en la precisión y representación, aún con un cierto margen concedido:

En cuanto a las filosofías clásicas, las más peligrosas fueron rechazadas por el Concilio, y fueron toleradas todas las demás mitologías clásicas, bajo el calificativo de inofensivas para el actual mundo racional.

Tras la celebración del Concilio de Trento, el mundo eclesial intercontinental, con instrucciones positivas al respecto, comenzó a resaltar el valor de:

En arquitectura, Trento había propuesto estructuras artísticas duraderas, pudiéndose utilizar al caso los órdenes clásicos. Así, empezó a ser común, tras las prebendas tridentinas[47]:

-unir la sacristía al transepto y no al presbiterio, para impulsar las procesiones,

-convertir en capillas los brazos del crucero, para oficiar allí los días festivos,

La Iglesia del Gesu de Roma[49], adaptada a la perfección al nuevo arte impulsado por Trento, fue el mayor ejemplo de “edificio de gran belleza ofrecido a Dios”, con:

-exterior adornado con todo tipo de órdenes clásicos, el del cuerpo humano de Cristo.

En pintura, Trento había desaprobado la introducción de lo pagano en el arte religioso, al mismo tiempo que había sido riguroso respecto a la decencia, humor popular, leyendas populares, figuras desnudas[50].

En esta teoría tridentina del decorum, la indumentaria de las figuras humanas debían obedecer a su rango y carácter, sus gestos ser apropiados, la escena ser bien escogida, el artista tener presente que su obra se destina a una iglesia.

En cuanto a los detalles, Trento mandó hacer estudios[51] sobre las características que éstos debían tener en el mundo del arte, viniendo a convenir en:

A finales del s. XVI el manierismo[53] dejó de ser el estilo dominante y pasó a ser reemplazado por el eclecticismo de los Carracci[54] y por la Academia de diseño de Bolonia[55].

Pero existió un grupo de artistas que tomaron conciencia de la decadencia del arte italiano, y se propusieron no dejarlo caer y morir. Decidieron hacerlo además sin utilizar nuevos descubrimientos, sino mediante la imitación inteligente del Renacimiento.

Los dos grupos trataron de volver a la composición clásica, aunque se vieron en la necesidad de subrayar las figuras repoussoir, el doble contraposto y las alusiones alegóricas oscuras. La galería Farnesio[56] y los frescos del Cavaliere d’Arpino[57] son buenos ejemplos de ello.

Zuccaro[58] trató de beber de la tradición romana y veneciana. Para él, todo deriva del disegno interno, siendo el dibujo mero fundamento de una investigación intelectual. Así, concuerdan con el arte renacentista todas las doctrinas escolásticas, y todo el aparato artístico y racional aristotélico. En este sentido, “el juicio es el que escoge lo que es más agradable al ojo”.

Lomazzo[59] tomó elementos de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, e incorporó los de su maestro Ferrari[60] y los de sus coetáneos Mantegna y Pontormo. Su esquema es análogo al de Zuccaro, pero es teñido de filosofía neoplatónica de fondo, y no aristotélica. Si para un platónico la belleza era la manifestación visible del bien, para Lomazzo era una gracia espiritual, que se introducía en la materia a través de medios irracionales. En este sentido, “la unión de la gracia y del gusto es de naturaleza sensorial, no intelectual”.

[1] La moda de que el artista era un individuo autónomo, que necesitaba conocer todas las artes liberales y de la ciencia.

[2] Cennino di Andrea (Siena 1370-Florencia 1440), CENNINI fue el continuador de las innovaciones geniales de GIOTTO, destacando su Leyenda de la Cruz de San Francisco de Volterra. Su obra Tratado de la Pintura-1390 abriría un abanico de principios artísticos y técnicos a las nuevas generaciones que iban viniendo, ya en el mismo Trecento.

[3] Lorenzo Ghiberti (Florencia 1378-Florencia 1455), GHIBERTI fue el primer teórico del arte en Italia, fundando el primer gran taller artístico de Italia, y educando personalmente a DONATELLO, MICHELOZZO, UCELLO, MASOLINO, FILARETE… Sus Comentarii-1453 aportaron valiosas referencias a los jóvenes artistas, así como introdujo la 1ª autobiografía en la historia del Arte.

[4] Filippo di Ser Brunellesco Lapi (Florencia 1377-Florencia 1446), BRUNELLESCHI fue arquitecto italiano, más conocido por su trabajo en la cúpula de la catedral Il Duomo de Florencia, de elevada matemática y perspectiva cónica.

[5] Donato di Niccolo di Betto Bardi (Florencia 1386-Florencia 1466), DONATELLO fue escultor italiano, más conocido por inventar la stiacciato o escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo plano, a forma de relieve aplanado. Famosos fueron su David de Sta. María de Fiore-1408 y sus bronces para la Basílica de San Lorenzo-1459, así como numerosas esculturas en mármol, terracota y bronce.

[6] Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai (Arezzo 1401-Roma 1428), MASACCIO fue pintor italiano, conocido por aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica.

[7] Leon Battista Alberti (Génova 1404-Roma 1472) ALBERTI fue sacerdote, humanista, matemático y arquitecto italiano, que proyectó numerosas obras arquitectónicas y artísticas por toda Italia, aunque siempre encargó su ejecución a otros, debida su escasez de tiempo. Fue criptógrafo, lingüista, filósofo y primer arqueólogo en sentido estricto y moderno.

Se trata del primer teórico artístico del Renacimiento, figura emblemática en Italia, buscador incansable de nuevas reglas artísticas sobre el cuerpo humano, inventor de la perspectiva científica (en su De Pictura) e inaugurador de la arquitectura moderna.

Trabajó para el papado de Roma, los ESTE de Ferrara, los GONZAGA de Mantua, los MALATESTA de Rímini, así como para la alta burguesía italiana y la clase nobiliaria florentina.

[8] Famosas fueron sus constantes condenas sobre el lujo de la ciudad, afirmando que éste era el origen por el que vendrían ocasionados todos los vicios.

[9] Marsilio Ficino (Florencia 1433-Florencia 1499), FICINO fue sacerdote y filósofo neoplatónico que dirigió personalmente la Academia platónica de Florencia, educando en ella a toda la prole de los Médicis y originando el Renacimiento filosófico en Italia.

[10] Gionanni Pico della Mirandola (Ferrara 1463-Florencia 1494), MIRANDOLA fue filósofo y pensador italiano, y principal ayudante de Ficino en la Academia platónica de Florencia.

[11] Cosimo de Medici (Florencia 1389-Florencia 1464), COSME EL VIEJO fue banquero y político italiano, y fundador de la dinastía de los Médicis de Florencia, como dirigentes efectivos de la República florentina. En efecto, a la muerte de su padre JUAN DE MEDICIS en 1429, se opuso violentamente Cosme al régimen oligárquico de Florencia, en manos de la familia rival de los ALBIZZI.

Exiliado de Florencia por RINALDO DE ALBIZZI, Cosme acabó en Venecia, desde donde empezó a ganar amigos para hacerse con el poder político florentino. Regresado a Florencia en 1434, fue aclamado por el pueblo, expulsando militarmente de Florencia a la familia de los Albizzi.

[12] Lorenzo di Piero de Medici (Florencia 1449-Florencia 1492), LORENZO EL MAGNIFICO fue hijo de PEDRO I DE MEDICIS, y apostó desde sus inicios al mando de Florencia por el mecenazgo artístico de la ciudad, marcando el inicio del siglo de oro italiano del arte.

[13] Fundada por MASLICIO FICINO y costeada por COSME DE MEDICIS, la Academia platónica de Florencia fue inspirada por la llegada a la ciudad de JORGE GEMISTOS y su oposición al aristotelismo y averroísmo, planteando diferentes formas de actualizar a Platón a la nueva era renacentista. Vivió su época de máximo esplendor de 1459 a 1521, recibiendo numerosos apoyos de SAVONAROLA, BASILIO BESSARION y otros.

[14] Leonardo di Ser Piero da Vinci (Anchiano 1452-Amboise de Francia 1519) DA VINCI fue botánico y artista italiano, y colaborador inseparable del milanés FRANCESCO MELZI (su discípulo predilecto, y el que pintaba en su lugar, pues Leonardo vio como se le inutilizaban las manos los últimos años de su vida).

Trabajó al servicio de la familia SFORZA de Milán, y posteriormente en Venecia y Francia, por invitación de FRANCISCO I de Francia, desplegando toda su capacidad inventiva y curiosidad infinita, y destacando por su Gioconda, Hombre del Vitruvio y Ultima Cena.

[15] Andrea di Michele del Cione (Florencia 1435-Venecia 1488), VERROCHIO fue el encargado artístico de la corte de los Médicis, educando a discípulos como DA VINCI, PERUGINO, GHIRLANDAIO, BOTTICELLI… e influyendo con su estilo clásico sereno al mismo MIGUEL ANGEL BOUNAROTTI.

[16] Se trata, pues, de una visión del mundo antropocéntrica, en la que LEONARDO no parará de interesarse por todo, desde los animales y las plantas hasta la noche y la tempestad.

[17] Como se ve claramente en las secciones en que la exactitud de sus observaciones se reveló de un modo más patente, sin atenuación ni exageración: la luz, la sombra, la perspectiva aérea.

[18] Francesco Colonna (Treviso 1433-Venecia 1527), COLONNA fue sacerdote dominico que impulsó la cultura renacentista en Venecia, con sus Sueño de Polífilo y Sueño de Delfilo, el primero de ellos con acrósticos esteganografeados hoy todavía irresolubles.

[19] Antonio di Pietro Averlino (Florencia 1400-Roma 1469), FILARETE fue ingeniero y teórico de la arquitectura renacentista, y muy ligado a la familia SFORZA de Milán.

[20] Francesco Sforza (Milán 1401-Milán 1466) fue condotiero italiano, que reclutaba tropas mercenarias al servicio de Milán, con las que hacía además un contrato de servicio privado a su familia, y a los que obsequiaba con bienes públicos tras las victorias en el campo de batalla. Propenso a ayudar a España para evitar así el ascenso de sus enemigos los VISCONTI, inició FRANCESCO SFORZA la dinastía de los Sforza en Milán.

[21] Luca Bartolomeo di Borgo San Sepolcro (Arezzo 1445-Roma 1517), LUCA PACCIOLI fue sacerdote franciscano, matemático y fundador del cálculo matemático de probabilidades (que explicó en su Summa de Arithmetica-1494, en torno al método contable de partida doble usado por los comerciantes venecianos, a una aproximación logarítmica, y como 1ª obra matemática en lengua romance)

[22] Piero Borghese di Benedetto dei Franceschi (Arezzo 1415-Arezzo 1492), PIERO DELLA FRANCESCA fue pintor italiano especialista en frescos, al tiempo que introducía la geometría euclídea en la perspectiva artística. De formas serenas clasicistas, se negó a trabajar en Florencia y menos bajo los Médicis.

[23] Girolamo Maria Francesco Matteo Savonarola (Ferrara 1452-Florencia 1498), SAVONAROLA fue fraile dominico y confesor de LORENZO DE MEDICIS, que organizó las célebres “hogueras de la vanidad”, donde los florentinos estaban invitados a arrojar sus objetos de lujo y libros licenciosos (entre los que incluyó los de BOCCACCIO). Predicó contra el lujo, el poder, los Médicis y la Iglesia, y contra la homosexualidad que reinaba en Florencia, acabando por ser excomulgado por ALEJANDRO VI.

[24] Michelangelo di Ludovico Bounarroti Simoni (Florencia 1475-Roma 1564), MIGUEL ANGEL fue escultor y pintor, y es considerado por todos como el mayor artista en la historia de la humanidad. Desarrolló su labor artística por más de 70 años, primero en la Florencia de los Médicis y luego en la Roma de los papas renacentistas. Fue el primer artista del que se publicaron dos biografías, estando él todavía vivo.

Apodado “el Divino” por la corte republicana de Florencia en 1560, ese mismo año recibió también la honra de todos los artistas florentinos en pleno, los cuales le escribieron avisándole que “toda la ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos… Vuestra excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia a su patria natal” (cf. VARCHI, B; Carta a Miguel Angel Bounarroti, 12 febrero, Florencia 1560).

Triunfó MIGUEL ANGEL en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. Su predilecta fue la escultura, y la pintura la que le impuso el pontífice Julio II.

[25] Que da cuenta de sus métodos de trabajo y de alguna de sus opiniones.

[26] ASCANIO CONDIVI (Ripatransone-1525-Roma 1574) fue discípulo y biógrafo del anciano MIGUEL ANGEL, cuya Vita de Michelangelo Bounarroti escribió cuando el maestro tenía 80 años

[27] FRANCISCO D’OLANDA (Lisboa 1517-Lisboa 1584) fue cartógrafo y miniaturista portugués, y autor de De Aetatibus Mundi Imagines-1553, obra pictórica de gran parecido a la escuela de su maestro Bounarotti.

[28] Como muestra en la Capilla Sixtina del Vaticano, la Pietá de San Pedro, sus poemas de amor…

[29] Domenico Bigordi Curradi (Florencia 1449-Florencia 1494), GHIRLANDAIO fue pintor italiano totalmente imbuido por los esquemas teóricos del Quattrocento, cuyo taller apenas pudo competir en comparación con el aluvión de florecientes artistas que empezaban a inundar las calles de Florencia.

[30] GASPARO CONTARINI (Roma 1483-Roma 1542) fue cardenal y diplomático pontificio enviado a establecer diálogo con los reformistas protestantes, y partidario de buscar soluciones dialogadas y nunca enfrentadas.

[31] JACOPO SALODETO (Módena 1477-Roma 1547) fue cardenal romano, gran humanista, y también partidario de una reforma interna de la Iglesia, vía incluso conciliar.

[32] VITTORIA COLONNA (Marino 1490-Roma 1547) fue marquesa de Pescara, poetisa e influyente intelectual en el Renacimiento italiano. Hija de la familia romana de los COLONNA, y aliada de la familia hispano-napolitana DAVALOS y de la familia ducal URBINO, entró en un convento romano al quedar viuda, e hizo pronto amistad con los eclesiásticos que estaban llevando a cabo el impulso de una reforma espiritual e interior de la Iglesia

[33] Como aparece en el fresco del Juicio Final-1534 a 1541, obra de un hombre, MIGUEL ANGEL, cuya seguridad se quebraba, que estaba en desacuerdo, donde volvían a aparecer los desnudos, donde los personajes eran pesados y desprovistos de “su” gracia.

[34] Hoy se quiere imputar esta tendencia a alejarse de las cosas materiales de Miguel Angel, para acercarse a las espirituales:

-al hecho de que envejecía,

-a la constatación de que su mundo se había desmoronado.

[35] Sucedido el 6 mayo 1527, cuando el ejército español de CARLOS V entró y sometió a los Estados pontificios de Roma, al mando de CARLOS III DE BORBÓN y sus 20.000 mercenarios europeos, que asesinaron a casi 45.000 civiles y dieron así fin a la Liga de Cognac (de Francia, Milán, Venecia, Florencia y Roma) que se oponía al Imperio español. No obstante, el número de robos y destrozos llevado a cabo por los mercenarios de la Corona española hizo que el mismo emperador tuviese que pedir perdón y reconsiderar su posición respecto al papado de Roma.

[36] Jacopo Carrucci (Empoli 1494-Florencia 1557), PANTORMO fue pintor italiano manierista, destacando por su Descendimiento de la Cruz, del que se dice pintó su propio autorretrato.

[37] Agnolo Tori di Cosimo di Mariano (Florencia 1503-Florencia 1572), BRONZINO fue pintor italiano manierista, predominantemente áulico y el cénit del refinamiento para con las clases nobles. Su Retrato de Lucrezia muestra una enorme madurez intelectual.

[38] GIORGIO VASARI (Arezzo 1511-Florencia 1574) fue arquitecto, pintor y escritor italiano, célebre por sus biografías sobre artistas italianos, colección de métodos, rumores y leyendas recogidas en su Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos.

[39] Cennino di Andrea (Siena 1370-Florencia 1440), CENNINI había sido el continuador de las innovaciones geniales de GIOTTO, destacando su Leyenda de la Cruz de San Francisco de Volterra. Su obra Tratado de la Pintura-1390 abriría un abanico de principios artísticos y técnicos a las nuevas generaciones que iban viniendo del Quattrocento.

[40] BENEDETTO VARCHI (Florencia 1503- Florencia 1565) fue escritor y humanista italiano, destacando principalmente como historiador oficial al servicio de la corte de Florencia. Había hecho de puente con MIGUEL ANGEL para intentar que volviese a Florencia, y reconocer sus honores.

[41] Donde defiende que el Arte nació en su Etruria natal.

[42] Cenni di Pepo Giovanni (Florencia 1240-Pisa 1302), CIMABUE fue mosaísta italiano y fundador de la Escuela florentina del Trecento, teniendo como alumnos a los mismos GIOTTO DI BONDONE y DUCCIO DI SIENA, a los que enseñó a adaptar el arte medieval bizantino a un nuevo plasma y perspectiva italiana nacional.

[43] Cuando VASARI se acercó al Vaticano para enseñarle a MIGUEL ANGEL que había hecho sus cuadros en un tiempo tan corto, éste parece ser que le contestó brevemente, con un “ya lo veo”. ANNIBALE CARO (Civitanova 1507-Roma 1566) reprochó igualmente a Vasari la rapidez de ejecución, lo mismo que hicieron GIOVANNI BELLORI (Roma 1613-Roma 1694) y ANDRE FELIBIEN (Chartres 1619-París 1695).

[44] Pues “toda obra pesada, penosa… destruirá la gracia de la pieza, y le dará sequedad”.

[45] Pues “la gracia no se aprende: es un don del cielo. Y desaparecerá si el hombre se esfuerza demasiado por alcanzarla”.

[46] 1545-63, y uno de los grandes Concilios de la historia, donde la Iglesia se posicionó respecto a la Reforma luterana, revisó todos los estudios humanísticos y artísticos eclesiales, impulsó la contrarreforma cultural, y puso los medios para el mayor de los florecimientos espirituales y misionales de la historia.

[47] Encabezadas por las directrices del arzobispo de Milán, SAN CARLOS BORROMEO, que fue publicando en numerosas obras de índole artística.

[48] cf. SAN CARLOS BORROMEO; De Nitore et Munditia Ecclesiarum, auténtico primer compendio de la historia del Arte orientado a la restauración artística.

[49] De los PP. Jesuitas, animadores y universalizadores del movimiento artístico de Trento, haciendo que:

-el público llano no sintiera temor al arte ni a la Iglesia,

-el arte fuese más accesible a la población,

-se potenciara artísticamente el halago de las emociones.

[50] Los cardenales CARLOS BORROMEO (Milán 1538-Milán 1584) y GABRIELE PALEOTTI (Bolonia 1522-Bolonia 1597) añadieron el consejo particular de evitar la indecencia no sólo en las iglesias y arte religioso, sino en las casas privadas y arte de cualquier estilo. Consejo que adoptó en 1598 la Academia San Lucas de Roma, al exhortar a todos sus académicos a pintar “temas decentes y dignos de elogio” (cf. ALBERTI, R; Origine e Pregresso della Accademia, p. 79).

[51] Estudios que vieron la luz con las Instructiones Fabricae et Supellectilis Ecclesiasticae-1572 de SAN CARLOS BORROMEO.

[52] Como propuso la línea teológica impulsada por FRANCESCO GUAZZO (Milán 1525-Milán 1609), sacerdote que en su Compendium Maleficarum había destapado hasta 11 fórmulas satánicas llevadas a cabo por brujas de la época, las participaciones sexuales de hombres-súcubos y mujeres-íncubos y las ceremonias aquelarre que se habían puesto de moda.

[53] Movimiento que había supuesto, tras su inclusión en el s. XVI, una vuelta artística al medievalismo:

-sometiendo el arte a la religión,

-rompiendo la naturaleza como fuente última de toda belleza,

-poniendo al espíritu de Dios como infusor de la belleza en el intelecto humano, y no en su impresión sensorial.

Se trató, pues, de un movimiento que puso la pintura y la naturaleza bajo control del intelecto humano, que a su vez está bajo control del intelecto divino.

[54] ANNIBALE CARRACCI (Bolonia 1560-Roma 1609) fue pintor y grabador italiano, auténtico rival del naturalista CARAVAGGIO (Milán 1571-Porto Ercole 1610) y reformador de la corriente artística manierista, hacia un arte ecléctico sin principios determinados, que trataba de hacer compatible cualquier tipo de arte mediante la mezcla y combinación de sus elementos, sin llegar a formar un todo orgánico.

[55] Fundada en 1563 por LUDOVICO CARRACCI, tuvo onda expansiva hacia otras ciudades, especialmente Roma. Integró la Scuola dei Desiderosi (de los deseosos de saber), la Scuola degli Incamminati (de los encaminados progresistas), la Scuola Naturale (renovadora del decadente manierismo)… como respuesta a la propuesta que hizo el arzobispo de Bolonia, GABRIELE PALEOTTI, de imponer los principios estéticos del Concilio de Trento, en su Discorso intorno alle immagini sacre e profane.

[56] Compuesta entre 1597 y 1608 por ODOARDO FARNESIO, con las estatuas del Toro Farnesio, el Hércules Farnesio… y la pintura como complemento perfecto a la colección escultórica. No obstante sus variadas manos, hacia 1602 se hizo cargo de la misma ANNIBALE CARRACCI.

[57] Giuseppe Cesari (Roma 1563-Roma 1640), ARPINO fue pintor italiano protegido de Clemente VIII, y discípulo de NICCOLO POMARANCIO (Pisa 1553-Roma 1626). Fue maestro de artistas como MUZIO, PIER FRANCESCO MOLA, FRANCESCO GUBBIO, GUIDO UBALDO ABATINI, VINCENZO MANENTI, BERNARDO PARASOLE... y el mismo CARAVAGGIO (que ingresó en su taller en 1593 como pintor de flores y frutas). Fue destacable de ARPINO su Flagelación para la Iglesia de San Biagio de Roma.

[58] FEDERICO ZUCCARO (Roma 1542-Roma 1609) fue arquitecto y pintor manierista italiano, que fundó la Academia de pintura san Lucas de Roma y trabajó en el Palazzo Caprarola y la Capilla Paulina del Vaticano. Terminó también la decoración de la cúpula de Sta. María del Fiore de Florencia y el Palacio de los Dogos de Venecia (donde pintó su Humillación de Barbarroja). Huido de Italia por motivos personales, en Londres pintó los retratos de Isabel I y de María Estuardo, y en Madrid la decoración de El Escorial.

[59] GIOVANNI PAOLO LOMAZZO (Milán 1538-Milán 1600) fue pintor manierista italiano, famoso por su Angeles en gloria y Caida de Simón Mago, de la capilla Foppa de San Marco-Milán, y su Autorretrato para la colección di Brera-Milán.

[60] Iniciador de la corriente manierista del romanismo, que trataba de imitar el estilo de los autores italianos que habían trabajado en Roma, como RAFAEL y MIGUEL ANGEL.