Primera Acuarela abstracta de Kandinsky

Tuvo su primer referente en Munch[1], y fue una corriente artística muy criticada de principio a fin. Se trataba de un movimiento absolutamente revolucionario y cambiante, con novedosas formas de hacer pintura que les llevó a mostrar su identidad a través de la luz.

Coincidió con un periodo gobernado por Guillermo II de Alemania, que intentaba convertir su reino en una potencia mundial que dominara al resto, y cuya política de Paz Armada estaba a punto de desembocar en la I Guerra Mundial.

Inauguró un conjunto de exposiciones itinerantes[2] bajo el nombre de Arte degenerado, reuniendo en ella a los mejores artistas de la época y tratando de manifestar:

-el gran arte alemán, de apariencia grecorromana y exaltador de la figura del héroe alemán[3],

-el pésimo arte extranjero, sobre todo el de los negros[4], judíos[5] y mutilados[6].

Nació en 1911 en Munich, y se extendió hasta 1916, año en que murió su impulsor Marc. Duró, pues, escasos 5 años, pero con tiempo suficiente como para revolucionar la pintura contemporánea, como movimiento más impactante de las primeras vanguardias, y el encargado de dar el paso de la figuración a la abstracción.

Su término viene de que tanto a Marc como a Kandinsky les gustaba el azul, a Marc los caballos y a Kandinsky los jinetes.

Se trata de una pintura en apariencia intrascendente, pero con una intelectualidad que supera la conciencia del arte de género. Aporta, además, pautas teóricas para que el resto de los pintores puedan ironizar y superar:

Así como por sus propios escritos, como su anuario Der Blaue Reitter[9] y el libro De lo espiritual en el arte de Kandinsky, donde se defiende la espiritualidad del hombre en la pintura, así como la pintura como medio para llegar al alma del hombre[10].

No tuvo, pues, la pretensión de cambiar el mundo que sí pretendía su colega El Puente[14]. Pero sí la de:

Se interesa por la pintura primitiva, infantil y la creada por los esquizofrénicos.

Desde el punto de vista formal, no tiene un estilo propio[17], sino la defensa de la libertad creadora del pintor. Pretende expresar su visión personal sin ningún tipo de trabas, cosa que acusó en defecto su colega El Puente.

Alcanza la abstracción lírica, que rechaza la figuración y el valor de las formas como sistema para conectar con lo más profundo del alma.

Defiende la geometrización, no de corte vertical o cuadrangular, sino aquella que quede difuminada por el color. Pues una mera geometrización cuadrada limitaría las sensaciones.

Busca la voluptuosidad a través de las formas, con gran protagonismo para la curva.

El color tiene tanto peso y tanto poder que crea la forma, destacando en especial los colores claros.

Pintor ruso, Wassily Kandinsky (1866-1944) fue el fundador de la abstracción artística total, el máximo representante de la versión espiritual del arte y el pintor contemporáneo más estudiado e imitado.

Su infancia transcurrió en Moscú, tocando el violonchelo, dejándose cautivar por el Lohengrin de Wagner[18] y frecuentando las exposiciones del Museo Hermitage de San Petersburgo[19]. Ya de joven estudió Derecho y Economía en la Universidad de Moscú

En su adultez fue nombrado profesor en Universidad de Bauhaus, como encargado de formar a los jóvenes en las distintas disciplinas, con conciencia teórica y práctica fuerte. En 1889 tuvo que viajar al norte de Rusia para resolver ciertos litigios agrarios, lo que le valió descubrir el arte popular ruso y empezar a inclinarse por la pintura.

Su obra pictórica evolucionó desde una pintura académica y popular basada en el dibujo, figuración y realismo, hasta la abstracción. Y es que en un viaje a París descubrió la estética puntillista, que al día siguiente descartó cuando descubrió a Van Gogh, sus nocturnos y su forma de pintar. Tras descubrir el color fauvista de Matisse y las formas fragmentadas y planimétricas de Picasso, se vuelve a Moscú y empieza a elaborar una pintura viva y efervescente, sin que necesariamente sus formas fuesen algo concreto[20].

Fue pintada por Kandinsky en 1913, permaneciendo hoy en el Museo Pompidou de París.

Presenta líneas y formas conectadas armónicamente entre sí, pero que no se pueden identificar. Pinta colores para llamar la atención del alma humana, y da forma a los colores para ejercer una influencia directa sobre ella.

[1] Que recogió el testigo de VAN GOGH, CEZANNE, TOULOUSSE y GAUGUIN, introduciéndolos en el s. XX y creando mediante ellos un arte propio, tras haberlos asimilado.

[2] A lo largo de muchas ciudades de Alemania. Exposiciones itinerantes que luego se subastaban a bajos precios, para patrocinar el movimiento.

[3] Con imágenes colosales de águilas imperiales...

[4] Cuyo odio llevó a los alemanes, por ejemplo, a odiar el Jazz (por ser la música de los negros).

[5] Mediante carteles anunciadores de la exposición en los que se presenta a un mono con la estrella de David.

[6] Con obras en las que se integraban imágenes de personas mutiladas y con deformidades, de forma peyorativa.

[7] I Exposición expresionista que de Munich dio el salto a la Galería Der Sturm de Berlín (del coleccionista WALDEN), y finalmente acabó convirtiéndose en una exposición itinerante que recorrió todo el centro europeo.

[8] II Exposición expresionista en la que expusieron conjuntamente expresionistas del Puente y del Jinete Azul, así como constructivistas y cubistas.

[9] En el que se explicaban los nuevos ensayos de SCHOMBERG, MARC y KANDINSKY, así como se insertaban introducciones acerca de todos los periodos artísticos.

[10] De hecho, para KANDINSKY el arte surge de una necesidad interior, con pretensión de comunicarse con Dios.

[11] Que plasman al completo al último KANDINSKY (de cuadros abstractos, fondo azul, grafismos pequeños y planos, rojos y amarillos recortados sobre líneas negras….).

[12] De gusto por el oro, sentido decorativo y trascedencia de la pintura.

[13] Donde GORKY será el encargado de recoger las manchas de color de KANDINSKY.

[14] Como se ve en MARC, que decía que “el arte se preocupa tan poco de los problemas de los otros como del propósito de unificar la humanidad”.

[15] Pues, como decía KANDINSKY, “la pintura es una traducción de las notas musicales, y debe ser tan expresiva como la música”. O, como decía MARC “la pintura y la música son básicamente lo mismo, y solo hay que tener la capacidad de captarlos”.

[16] Concibiendo la pintura a forma de sacramento, como un signo externo, vital y visible de una gracia espiritual interior. Así, los cuadros se convierten en una “confesión personal” del individuo (lo que les hace ser incriticables, y apreciables aunque no sean comprendidos).

[17] De hecho, sólo tienen vinculación común a nivel de las ideas.

[18] Pieza musical de la que más adelante dirá KANDINSKY que, “escuchándola, podía ver todos mis colores, me daba cuenta de que la pintura tenía la misma fuerza que la música”.

[19] Donde un día se quedó impactado ante el Almiares de MONET, al no entender lo que era ni lo que significaba.

[20] “Pinto cuadros del interior, imágenes mentales, formas procedentes de la necesidad interior, imágenes personales que transmitan el estado del alma”, llegó a decir el propio KANDINSKY.