Pollock

Nació en 1942 en Estados Unidos, cuando llegan noticias del expresionismo alemán y del surrealismo[1]. Se desarrolla en plena Guerra Fría, y convirtió a New York en la nueva París del momento, como ciudad cosmopolita y referencia mundial del arte.

Fue desarrollado por un grupo de artistas[2], posiblemente protegidos por la CIA[3], que comparten unos mismos preceptos, una conciencia de grupo, y ausencia de una misma formalidad técnica[4].

Su término proviene del crítico Coates, que en su columna del The New Yorker afirmó que “algunos lo califican como una escuela de manchas y borrones, mientras yo lo considero como expresionismo abstracto”.

-Proyecto de Arte federal, que animó a los jóvenes pintores a decorar los edificios neoyorkinos.

-del The New York Times, que fue publicando desde 1942 las cartas Rothko y Gottlieb acerca de los objetivos del movimiento[7].

-de la Galería Art of this century de New York-1942, a cargo de Peggy Guggenheim,

-de la Galería Artistas en el exilio de New York-1943, a cargo de Pierre Matisse.

-expresionismo de la Pintura Acción, donde destacan Pollock y Kooning. Aquí lo importante es el gesto y la acción del artista, para que luego un psicoanalista lo interprete;

-expresionismo del Campo de Color, donde destaca Rothko. Aquí lo importante son los paisajes que sinteticen la naturaleza;

Giró en torno a una idea compartida: expresar las verdades eternas, captando lo sublime, aprehendiendo la metafísica, deseando la heroicidad[10].

Rechaza las técnicas clásicas y su acabado perfecto[11], experimenta las viejas innovaciones de las primeras vanguardias, e incorpora las nuevas técnicas y pinturas comerciales. En ese sentido, explota los aspectos del proceso: gesto, color, textura y forma, por ese mismo orden y con total ferocidad y agresividad.

Busca ante todo la libertad e individualización, de forma rebelde, franca, inconformista, inmediata e improvisada. Pues así el inconsciente estará libre de la contaminación social, y se podrá pintar de forma inconsciente.

No obstante, también trata de descifrar los mitos y símbolos colectivos de los que participa el subconsciente colectivo.

Intenta que el espectador sienta lo que sienten los artistas. De ahí que sus cuadros sean cuadros-terapia[12], registros de una lucha existencial, de una autodefinición personal, de la conciencia de pequeñez humana.

Utiliza grandes formatos, como mejor medio para magnificar la pequeñez humana. Así las pinturas podían verse desde lejos, podían impresionar y lanzar desafíos al espectador[13].

Pintor norteamericano, Jackson Pollock (1912-1956) fue el artista más automático del arte vanguardista norteamericano. De joven estudió Bellas Artes en New York, casándose con la pintora Krasner e intentado suicidarse varias veces, hasta que murió en accidente de tráfico.

Su vida laboral se desarrolló por completo en el mundo de la composición y venta autodidacta de sus piezas de arte, de grandes dimensiones y cuyas telas eran pintadas directamente sobre el suelo[14], a forma de pintura acción[15] y rituales gestuales[16].

En cuanto a su obra pictórica, tuvo gran influencia de la pintura muralista mexicana[17] y cine californiano, aparte de ser gran admirador del Guernica de Picasso. Pretendió conectar su pensamiento con la propia vida de la obra, a través de una estética que dotase de lógica interna y azar controlado al lienzo. Trató que su arte fuese la expresión de su época y entorno, civilizados y reglamentados[18], arriesgando el cuadro si era necesario y rompiendo definitivamente la vía europea del arte.

Destaca su Cinco brazas de Profundidad-1947, inspirada en los versos de Shakespeare[19] y que tras las radiografías aplicadas descubrió en su trasfondo la silueta perfecta de una persona, algunos botones y una llave, como si estuvieran sobre el cuerpo. Es decir, no había anulado para nada la figuración.

[1] Iniciado por ANDRE BRETON, en su intento por descubrir los mundos del inconsciente y del subconsciente a través de la escritura, la escultura, la pintura...

[2] Tales como ROTHKO, KOOONING, POLLOCK, GOTTLIEB, GORKY, REINHARDT, KLINE, HOFFMAN, BARNETT NEWMAN...

[3] Pues muchos de ellos emigraron de Europa a Estados Unidos por cuestiones políticas, y no sólo por las económicas o personales. Fue el caso de DALI, ERNST, BRETON, MASSON, TANGUY, MONDRIAN, LEGER, CHAGALL, DUCHAMP, GROPIUS...

[4] Como ellos mismo decían, “estamos de acuerdo únicamente en que somos diferentes”.

[5] Y su teoría del subconsciente colectivo.

[6] Que defendía el vacío, la nada, el hombre actual sin esperanza.

[7] Tales como que su arte era:

-una aventura hacia un mundo desconocido, a ser explorado por quienes estén dispuestos a asumir los riesgos,

-imaginativo, de libre de fantasía y violentamente opuesto al sentido común,

-una simple expresión del complejo mundo del pensamiento,

-impactante en lo inequívoco,

-artísticamente favorable a la planitud, para revelar la verdad y destruir toda ilusión.

[8] Museo de Arte Moderno de New York.

[9] Y en el que se fueron exponiendo sus colecciones pictóricas, fotogramas y diseños industriales.

[10] Como decía el propio ROTHKO, “para nada me interesan las relaciones cromáticas o formales, ni nada parecido. Pues sólo me interesa expresar las emociones humanas básicas, la tragedia, el éxtasis, la fatalidad”.

[11] Pues prefiere mostrar el proceso al acabado.

[12] Como definió el propio POLLOCK, al defender que “la pintura es un estado de ser, es un descubrimiento de uno mismo”.

[13] Pues “siempre que pintas un cuadro grande estás dentro de él. No es algo que tú controlas”, explicaban los expresionistas abstractos.

[14] Donde él se sentía más cómodo, manteniéndose durante toda su profesión al margen del caballete, la paleta y pinceles (a los que sustituyó por palos, espátulas y pintura fluida). Como él mismo decía, “sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Y si no lo pierdo, la pintura es pura armonía y sale muy bien”.

[15] Que demuestra que la obra de arte debía mostrar el proceso creativo, y el cuadro poseer vida propia, sin interesar tanto sus aspectos simbólicos.

[16] Tratando de conseguir que la vida propia del cuadro saliera a la superficie, a través de un flujo de energía que él mismo tenía que imprimirle. Así, tras colocar la tela sobre el suelo, trabajaba como si fuera un brujo en trance alrededor de ella, repitiendo movimientos y gestos alrededor de la pintura.

[17] Estableciendo para ello contacto con los mexicanos OROZCO y SIQUEIROS.

[18] Representando sucesos e integrando a los personajes en sus argumentos.

[19] “A cinco brazas de aquí yace el cuerpo de tu padre;

corales son ya sus huesos, perlas sus ojos.

Nada de él se ha dispersado, todo él en mar se ha transformado,

y es todo hermoso y es todo extraño”.