Pintura dadá

Nació en 1915 en Zurich, por parte de un numeroso grupo de poetas[1] que recitaban sus poesías y ensayaban gestos emblemáticos[2] en el Café Voltaire. Se trataba de cambiar las tipografías, y resaltar un resto que no dijese nada, a base de palabras sin sentido. Así conseguían creativamente embelesar a la gente, sin que les entendieran.

Se trata de un movimiento intercisciplinar confeccionado expresamente para no ser comprendido[3], entre otras cosas porque muchos de sus artistas participaron en la I Guerra Mundial y sufrieron el hambre, la orfandad y las enfermedades[4].

Su término viene de Tzara, que en su Manifiesto dadá-1918 vino a explicar que dadá no significaba nada, pues “dadá es o todo o nada”. No obstante, ya en 1916 los dadaístas habían ojeado el diccionario y elegido al azar 2 palabras que empezaran con da[10]. Pues lo importante era el estado de ánimo, y a lo mucho el primer sonido de un niño que dice papá, como algo nuevo que parte desde cero.

-futurismo italiano, que defendía el progreso y la velocidad[11], así como sus nuevas tipografías[12] y el fotodinamismo,

-constructivismo ruso, movimiento comunista que aplicaba la técnica del fotomontaje en base a distintas imágenes.

-Manifiesto dadá-1918, libro de Tzara en que se burla de los compendios de Arte,

-Dadá, Almanaque dadá, 391 y Camera Work, revistas en las que explican su pretensión artística.

Fue más cercana a un modo de vida que a un estilo pictórico. De hecho, se trata de una pintura anárquica, que pone en entredicho:

Mantiene una actitud iconoclasta que afecta a todas las artes. Así, busca nuevas tipologías para la obra pictórica: los ready mades. Un ready made que viene a presentar como obra pictórica a un mero objeto industrial o de uso corriente. Sigue así, también, la estela de la pintura decorativa, haciendo de un objeto cotidiano un objeto estético.

De esta forma, para la pintura dadá es el pintor quien decide si su obra es una obra de arte o no. Pues lo importante del arte es la idea del pintor.

Se trata de una pintura del mal gusto, componiendo collages con objetos de desecho y de la basura. Pues lo que se busca es una reacción ante el cuadro[17], que no genere indiferencia visual.

Utiliza una tipografía libre y sin reglas, sin signos de puntuación[18] y tratando de colocar casualmente los objetos e imágenes.

Pintor alemán, Hearfield (1891-1968) fue el mecánico del arte dadá[19], aparte del inventor del fotomontaje con finalidad política[20].

En cuanto a su vida laboral, estuvo vinculado incansablemente a la política. Con su hermano y otro pintor creó en 1918 el partido comunista alemán. En 1933 huye de su natal Berlín y se va a Praga hasta 1938, año en que tiene que exiliarse definitivamente a Londres.

En cuanto a su obra pictórica, sus collages estuvieron dotados de una crítica política enorme nivel. Odió a los fotógrafos, y sobre todo aquellas fotografías en las que no se podían distinguir los matices. No respetó, así mismo, las unidades de textura, estilo y espacio de las fotografías que utilizaba, sino que jugaba constantemente con ellas.

Destaca su Adolfo el superhombre traga oro y larga chatarra-1932. Se trata de un cartel bromista respecto a lo hueco de los discursos de Hitler, pero que acabó en una crítica inaceptable que le valió el destierro de Berlín. Tras irse de Berlín hizo una reproducción del cartel y lo pegó por toda Alemania, pero produciendo el efecto contrario que buscaba: que Hitler fuese más conocido, y sus seguidores se posicionasen de forma más radical.

Restaurador austriaco, Raoul Hausmann (1886-1971) fue hijo de padre pintor, destacando por sus tendencias plásticas de escritor y fotomontador.

Pasó su vida laboral en Berlín, donde escribe Hyde a partir de las fotografías que hizo en su viaje a Sylt. Conoce al pintor expresionista Hezkel, y se va introduciendo por su medio en el arte vanguardista. En 1915 conoce a Hanna Höch, su amante e introductora en el arte dadá. Dentro de su labor restauradora inventó el optófono, instrumento que convertía en luz de color los sonidos musicales.

En cuanto a su obra pictórica, supo dar a sus fotomontajes un fundamento de crítica política. En 1921 hace una gira por toda Europa con Heartfield, con la idea de hacer conocer el movimiento dadá. Y en 1926 funda la revista Der Dada, bajo el formato de panfleto político. En 1958 escribió Coumier Dadá.

Destaca su Crítico de arte-1919, donde convierte al crítico de arte en un ser idiota, vendido al nuevo burgués y cuyas críticas están al servicio del mejor postor. En efecto, coloca en el cerebro de un crítico de arte un zapato, un portaminas a forma de espada gigante en su mano, y un avión de papel bancario en la espalda.

Destaca su Tatlin en casa-1920, hoy en el Museo Moderno de Estocolmo. Se trata de caricaturizar la sociedad contemporánea, representada por el arquitecto ruso Tatlin y su diseño arquitectónico para la III Internacional Socialista[21]. Aparece bajo el lema “el arte ha muerto, viva la máquina de Tatlin”, mostrando que a partir de ese momento la gente sólo tiene máquinas en la cabeza, ha perdido el sentido de la razón y sigue siendo igual de pobre que antes[22].

Destaca su Cabeza mecánica-1920, donde reflexiona ácidamente sobre el falso rigor del racionalismo, que había llevado a la I Guerra Mundial y a la total despersonalización e imposición irracional de sistemas artificiales. Representa a un burgués sin atributos, rodeado de elementos que lo controlan y sin indicio alguno de que pueda pensar por sí mismo. Se trata de una talla en madera a la que incorpora objetos de medición: regla, cinta métrica, maquinaria de reloj... Tiene también un estuche abierto con artilugio con tipos de letras, como imagen del espíritu de nuestro tiempo.

Destaca su Sombras-1932, serie en la que hace un análisis a caballo entre el surrealismo y el dadaísmo. Se trata de fotomontajes que juegan con lo real e irreal, elaborados a través de fotografías académicas, con búsqueda de rigor en la técnica pero espacios poco comunes para ser objetivo fotográfico.

Pintor alemán, Kurt Schwitters (1887-1948) fue profesor de dibujo académico, aparte de dar conferencias por toda Alemania bajo el lema “adhiérase a dadá”.

En cuanto a su vida laboral inventó el pegamento schwitters y los merz, mezcla de forma pictórica y escultórica.

En cuanto a su obra pictórica, odia utilizar materiales lujosos o los ya empleados en la historia del arte, y defiende que la obra que no debe tener valor en sí misma. El procedimiento también ha de ser descuidado, no perdurable en el tiempo y únicamente empleado para dar toques de atención. “Lo eterno es lo que más dura”, y “la idea debe predominar sobre la obra”, concluía Schwitters.

Destaca su Merzbild I-1919, ensamblaje dadaísta a base de basuras recogidas de la calle, con las que muestra su absoluto rechazo por la representación mimética. Muestra el retrato de un alienista-psiquiatra de forma conceptual, utilizando la técnica mixta sobre tela y varios objetos pegados sobre ella.

Destaca su Merzbau de Hannover-1930, su propia casa familiar, compuesta a base de cavernas con estalactitas[23]. En cada caverna se representa un pequeño homenaje a cada uno de sus amigos artistas, muchos de ellos pertenecientes al constructivismo ruso.

Fotógrafo norteamericano, Man Ray (1890-1976) ocupó todo su arte en buscar la libertad y el placer, formando junto a Duchamp y Picabea la rama norteamericana del Arte dadá. Dejó llamarse siempre por ese apodo, y fue a la vez cineasta, cantante y bailarín[24].

En cuanto a su vida laboral, trabajó en el estudio de fotografía de Stieglitz, retrató desde diversos ángulos a sus amantes Kiki y Miller, y expuso parte de sus fotografías para algunas revistas de moda. Descubrió, así mismo, el procedimiento de la solarización[25], que le dio gran fama.

En cuanto a su obra pictórica, todos sus retratos tuvieron influencia de Ingres, el cubismo y el futurismo. Utilizó mucho los rayos-gramas[26], técnica que para crear imágenes surrealistas no necesitaba de la cámara de fotos.

Destaca su Plancha con clavos-1921, donde se dota de nueva identidad al objeto cotidiano, y se le convierte en un objeto sin uso, de simple disfrute estético. Objeto llamado por Ray objeto sádico.

Destaca su Objeto indestructible[27]-1923. Se trata de un ready made: un objeto encontrado que Ray modifica para destacar lo absurdo y trivial. En efecto, nos encontramos con metrónomo, marcador del compás, que es utilizado por Ray como burlesco sistema de precisión. Así, coloca un ojo (el de su amante Miller) en su aguja, apuntando a que alguien te está siempre controlando.

Destaca su Violín de Ingres-1924. Se trata de una fotografía de su amante Kiki, retratada de espaldas y emulando a la Odalisca de Ingres (añadiéndole con tinta china las dos “f” de los violines). No trató de crear admiración ni excelencias técnicas, sino tratar de divertir, molestar y desconectar. Eso sí, al convertir el desnudo en un vuelo, invita a ser tocado[28].

Pintor francés, Marcel Duchamp (1887-1968) fue el artista más polémico del s. XX, marcando un antes y un después en el arte vanguardista. Fue homosexual y famoso por sus peinados.

No tuvo apenas vida laboral, pues fue suspendido y expulsado de la Academia de Bellas Artes, nunca fue admitido en ningún círculo académico y se ganó la vida autodidactamente. En 1913 expone sus cuadros en la Galería Armory Show de New York en el Armory Show, bajo el título “I don’t believe in art”, como lema que le convertía en el primer artista que negaba el arte.

En cuanto a su obra pictórica, admiró mucho a Picasso y Matisse, investigó la pintura impresionista y cubista, y su obra estuvo próxima a la obra de Cezanne. Se interesó por el lado creativo de las cosas, mostrando asqueamiento por toda la terminología intelectual[29] y admiración por el arte conceptual[30]. Duchamp entiende que lo que se ha visto a lo largo de la historia del arte es solo una mínima parte del mundo. Él busca el mundo invisible, el que todavía no se ha mostrado. Para él el arte es la única forma de actividad mediante la cual el ser humano:

Destaca su Rueda de bicicleta-1913[31]. Se trata de un ready made formado por un taburete de cocina (sensación de reposo) y una rueda de bicicleta (símbolo del movimiento), ambos colocados de forma indiferente y con la idea de no generar ningún tipo de reacción ni sentimiento. Reta así a una sociedad que se estaba acostumbrando a venerar las obras de arte, mediante un arte cinético[32] que desacralizaba al arte y la figura del artista.

Destaca su Botellero de hierro-1914, ready made “no interesante ni en la forma ni en nada, sino indiferente”. Eso sí, y como describió el propio Duchamp, realizado “para criticar devastadoramente a las obras de arte, y tratar de fetiche a todo objeto artístico”.

Destaca su Fuente-1917, ready made que muestra un orinal de porcelana invertido, bajo la firma seudónima de R. M. Mutt[33]. Descontextualiza así el objeto presente: título, inversión de la forma, marca del urinario… La crítica fue feroz[34], y la pieza fue comprada por un crítico importante del momento para ponerla como ejemplo de arte absurdo, y acusar así a la vanguardia de estar convirtiéndose en academicista.

[1] Tales como HUGO BALL, EMMY HENINGS, TRISTAN TZARA, HANS ARP, JEAN RICHTER…

[2] Como el de BALL en 1917, en que se viste con un traje cubista diseñado por MARCEL JANKO para leer su poema Karawane.

[3] Pues, como decía el crítico dadaísta HUELSENBECK, lo que se intenta es “que no se pueda, y tampoco se deba, entender al dadaísmo”.

[4] Como ya declaraba el propio ARP, uno de los componentes del grupo, y que venía a concluir que “asqueados por la carnicería de la guerra… nos dedicábamos a las Bellas Artes en Zurich, buscando un arte elemental que curara a los hombres de la locura, y un orden nuevo que restableciera el equilibrio entre el cielo y el infierno”.

[5] Como bien explicaba JANKO, que venía a decir que “estábamos fuera de sí, ante los sufrimientos y el envilecimiento de la humanidad… Así, no queríamos ser como los hombres, porque éstos estaban envilecidos”.

[6] Respondiendo, así, al absurdo de la guerra con un movimiento absurdo.

[7] Como explicaba RICHER, que decía que “el dadaísmo trata de destruir nuestra convencional manera de pensar, por el único camino del sí o no, en una radical supresión del dualismo fe-razón, materia-espíritu…”.

[8] En un intento por destruir el arte, al igual que Europa estaba destruida.

[9] A forma de protesta nihilista contra toda la cultura occidental.

[10] Como decía HUELSENBENCK, “para que sólo los imbéciles o los profesores españoles pudieran interesarse por los datos. Pues lo que a nosotros nos interesa es el espíritu dadaísta, y todos nosotros éramos dadaístas antes de la existencia de Dadá”.

[11] Conceptos que para los futuristas aludían a la libertad.

[12] Basadas en que se seleccionaba una palabra y se le daba una forma artística determinada.

[13] Lo cual es paradójico, teniendo en cuenta que el dadaísmo quería acabar con el arte.

[14] A forma de interactuar el artista dentro de su obra de arte.

[15] De hecho, a los dadaístas les importaba más el gesto y la provocación que la propia obra de arte.

[16] Como ocurrió en su I Exposición dadá de Berlín-1920, en que colgaron del techo un maniquí con una careta de cerdo y un uniforme alemán, provocando a las autoridades.

[17] Y no una sensación, lo que es inédito en el Arte.

[18] Porque sería una forma de ordenar el cuadro.

[19] Dado que siempre iba vestido con un traje de mecánico.

[20] Pues en el aspecto artístico ya se venía utilizando el fotomontaje, a forma de collages realizados con recortes y yuxtaposiciones de fragmentos fotográficos de diversa procedencia (copias propias, recortes de prensa y de revistas…).

[21] Como estructura arquitectónica en movimiento, con toda su maquinaria interior (que nunca llegó a realizarse).

[22] Pues el hombre que está al fondo de la escena se voltea los bolsillos vacíos.

[23] Idea que poco después le pidieron reproducir en Inglaterra, cuando tras los bombardeos de la II Guerra Mundial ésta quedó destruida al completo.

[24] Siendo sus películas más famosas Estela del mar y Emak Bakia, ambas surrealistas.

[25] Efecto por el cual la luz parecía estar dentro de los cuerpos, haciéndolos fluorescentes.

[26] Consistente en colocar sobre el papel de revelado objetos opacos, y luego someterlos a la luz. Lo que producía como resultado imágenes surrealistas.

[27] Aunque fue llamado inicialmente Objeto para ser destruido (lo que había hecho que unos gamberros lo destrozaran, y RAY tuviera que volver a hacerlo bajo el nombre Objeto indestructible).

[28] Pues KIKI era francesa, y en francés “el violín de Ingres” se traduce como “pasatiempo favorito”. En este caso, RAY deja claro que su pasatiempo favorito era Kiki.

[29] Afirmando que “cuando alguien dice sé, es que no sabe”. Pues, para él, la intelectualidad es demasiado seca y desprovista de expresión.

[30] A forma de sustituir la pintura-pintura por la pintura-idea, como decía de él OCTAVIO PAZ.

[31] Aunque la versión que se conserva es una réplica de 1964, pues la pieza original desapareció.

[32] Arte compuesto a base de esculturas estáticas pero dotadas de movimiento (que ya había inventado ALEXANDER CALDER en sus Móviles).

[33] Haciendo referencia a la empresa de urinarios Mott, y donde la R pudo aludir tanto a RICHARD como a Rich-Art.

[34] Lo que le hizo reafirmarse así mismo, pues “cuanto más dura es la crítica, más incentivado me siento”, no paraba de decir DUCHAMP.