Pintura ambiental

Nació en 1968 en Estados Unidos, y contó con una vertiente paralela británica. Se expandió en los años 70 a través de la Galería Dwan de New York, desde la 1ª exposición que realizó en 1968.

Su término vino de los apelativos que se le dieron de Earth Works (en Estados Unidos) y Land Art (en Europa).

Surgió como un intento de ampliar los límites del arte, sobre todo en lo relativo a materiales y localizaciones.

Se adentra en el mundo de la naturaleza, buscando lienzos vírgenes que no sean telas ni superficies de madera, sino la propia naturaleza, en la que se aplicarán directamente todos los recursos pictóricos.

Realiza, así mismo, una crítica ecologista a ultranza, criticando el deterioro del espacio natural, los peligros de la contaminación, el consumismo desmedido… Pretende preservar el planeta y elevar al propio planeta a obra de arte.

Busca el aislamiento, tanto personal del pintor como del lugar a pintar. Las obras se hacen en espacios naturales aislados, inviolados, llenos de paz y religiosidad. Se pinta en el agua, en la tierra, en el horizonte… Los paisajes no son ya el telón de fondo, sino una nueva identidad y la clave interpretativa de la obra.

Persigue una religiosidad de comunión entre hombre y tierra, mediante la adaptación que tiene que hacer el hombre de la naturaleza creada por Dios en naturaleza creada a su propia imagen, a forma de creador demiurgo. El paisaje es algo que crea el pintor.

Predominan las creaciones efímeras. Algunas de ellas conceptuales, de difícil desciframiento o chamánicas, indigenistas, ritualistas y prehistóricas, pero todas tendentes a desaparecer. Y es que precisamente busca eso, que la obra se auto-erosione, se pierda, se descomponga, acabe siendo borrada.

Muchas de sus obras emplean el lenguaje geométrico minimalista, para su propia medida de la tierra (de geo-tierra y metría-medida).

Ingeniero norteamericano, Robert Smithson (1938-1973) fue el creador del denominado “estilo de frontera” o “gestos del oeste”, muriendo en un accidente de avión cuando volvía de hacer una de sus obras.

Desarrolló su vida laboral como profesor de dibujo en New York, al mismo tiempo que empleaba para sus dibujos diferentes espacios suburbanos que quería reconvertir[1]. Fue también asesor para obras públicas de los EE.UU.

En cuanto a su obra pictórica, trató de interferir directamente en la naturaleza, dejando plasmada su firma con su propio cuerpo. Usó el caballete y difuminó el paisaje, sin líneas ni división alguna, ampliando y abriendo sus perspectivas. En su Artforum-1968 reclamó que dentro del mundo natural se incluyera un propio testimonio poético, a forma de frase moralizante que nos hiciera conscientes de este mundo que se está fracturando. También utilizó sus obras para homenajear a otros artistas.

Destaca su Malecón-1970, pintura de 4,5 m. realizada en un lago de agua salada de Utah. Se trata de una iconografía de carácter espiritual, donde la forma de espiral aporta el sentido del eterno retorno. Muestra el momento creativo y forma que la piedra produce sobre el lago, a forma de registro fotográfico.

Destaca su Rampa Amarilla-1973, meandro de piedra de un lugar recóndito de Texas, cerca del aeropuerto de Dallas. Trata de demostrar que el sentido artístico puede combinarse con la ingeniería. Explota las posibilidades del paisaje, dando a entender que los accidentes naturales no sólo se producen en la naturaleza, sino que también en la mente humana, e incluso con dimensiones inmensas.

Historiador norteamericano, Walter de María (1935-2013) fue el primero en utilizar la naturaleza como soporte potencial para la obra pictórica, en su intento por no separar arte, naturaleza y espacio.

Desarrolló su vida laboral como profesor de arte en la universidad de California, y ejecutó todos sus trabajos artísticos con estructuras primarias y minimalistas.

En cuanto a su obra pictórica, trató de alcanzar la idea artística de lo sublime. También incorporó matices auditivos en sus obras, siempre que se le presentó la ocasión.

Destaca su Una milla, dibujo de tiza-1968, dos líneas paralelas a una distancia de 3,6 m, pintadas con arcilla arenosa. Están en medio de un desierto y no hay nada alrededor, lo que invita a contemplar lo infinito e inalterable. El propio De María se retrató boca abajo en el centro, par ver si podía tocar ambas líneas.

Destaca su Campo de relámpagos-1977, tormenta eléctrica de verano. Para ello se trasladó De María a este lugar, esperó a que lloviera, y mientras tanto fue colocando una serie de pararrayos de punta afilada, alrededor de una superficie de 1 x 1,6 km. Ese espacio debía ser el lienzo sobre el que trabajar, una vez empezara a llover. En efecto, los pararrayos se convirtieron en transmisores entre las nubes y la tierra, provocando un circuito eléctrico. Lo bello quedó así sumergido en lo sublime: era imposible pintar un rayo de forma natural, pero no imposible provocarlo y estar preparado. El proceso quedó registrado en las fotografías.

Escultor búlgaro americanizado, Christo Claude (1935-2009) fue el primero en utilizar la naturaleza como soporte potencial para la obra escultórica[2], junto a su inseparable mujer Jean[3].

Desarrolló su vida laboral planificando y ejecutando originales y costosos proyectos[4] de decoración medio-ambiental, que la gente pudo contemplar tanto en Estados Unidos como en Europa y Extremo Oriente.

Su obra escultórica consistió en utilizar lienzos sintéticos para cubrir superficies de carácter natural, dejando además que los espectadores participaran en ella[5].

Destaca su Islas Solitarias-1983, que cubrió una isla natural de la bahía de Miami con una tela sintética de color rosa. Estuvo expuesta durante dos semanas, y protegida por equipos de salvamento. Convirtió las islas en manchas de color en medio del mar.

Destaca su Sombrillas-1991, enormes sombrillas de 8 m. diámetro que provocó dos accidentes con dos muertos[6], y cuyo proyecto se llevó a cabo de forma paralela en:

-California, donde se colocaron 1.760 sombrillas amarillas sobre paisajes abiertos y áridos,

-Japón, donde se colocaron casi 1.000 sombrillas azules sobre paisaje verde y montañoso.

Destaca su Puertas-2005, en el Central Park de New York. Se trata de 7.053 entradas de puerta al parque, compuestas por grandes columnas de metal y grandes colgaduras de color azafrán en su parte superior. Intenta, así, convertir el parque en un espacio místico zen:

[1] Tales como la Bahía Hudson de New York o lagos del desierto californiano, en los que pudo intervenir profesionalmente.

[2] Idea que ya había ido desarrollando en Bulgaria, cuando se ganaba la vida haciendo escaparates en los que cubría el mobiliario del escaparate con telas.

[3] Ciudadana marroquí que emigró a Alemania y luego a Estados Unidos, sin conocer su propia identidad (dado que sus antepasados también habían sido emigrantes).

[4] Pues varias veces acabaron en la bancarrota, ya que casi todo el dinero que generaban lo dedicaban a una fundación.

[5] Entregando un trozo de tela de las piezas expuestas a las personas visitaban el proyecto.

[6] Uno porque se voló una sombrilla y se le echó encima, y otro en la instalación de las sombrillas.