Modelos de Seurat

-la VII Exposición de Independientes-1884, donde se ve una nueva tendencia en las obras de Signac y Redond[1],

-la VIII Exposición de Independientes-1886, donde se ven nuevas experimentaciones en las obras de Matisse y Van Gogh,

-el De Delacroix al Neo-Impresionismo-1899 de Signac, cuando se sintetiza alguna de las bases teóricas del neo-impresionismo[2].

Y es que se trataba de una nueva opción impresionista, con la misma temática de siempre pero exponiendo por separado del Impresionismo oficial[3]. Lo que la crítica empezó a ver con buena recepción pública[4], ya que este nuevo Impresionismo[5] mostraba mayor prudencia que el viejo Impresionismo, sin eliminar líneas ni metiéndose en abstracciones sin sentido.

-la Comuna de París-1871, que destruyó esculturas y piezas de arte parisinas[7],

-la crisis espiritual e industrial, de resentimientos sociales y económicos[8].

Aunque su factor próximo tuvo que ver con la propia crisis impresionista, desgasta por:

-los comentarios críticos de Zola, muy crítico hacia 1880[9] sobre lo que él antes había defendido[10],

-los escritos de Feneon, en los que informa que otros pintores ya están superando la crisis impresionista,

-la huida de impresionistas de París, y su abandono del término “impresionismo”,

-el haber pasado la figura humana a 2º término, para captar mejor la fugacidad de la luz.

Fue entonces cuando surgió el Post-Impresionismo, de 1886[11] a 1900[12], bajo obras que se vendían en las galerías y tiendas como impresionistas[13], pero que en realidad se habían alejado del fenómeno y estilo de forma total.

Se desarrolló en colaboración con el belga Grupo de los XX[14], así como las revistas L’Art Moderne y L’Revue Blanche. Así, figuras solitarias como Van Gogh, Cezanne, Gauguin… pudieron convivir durante 20 años

Hasta que Roger Fry acuñó su término en su Monet y los post-impresionistas-1910, aparte de repasar las ideas post-impresionistas de:

-liberalizar el color, dejando su función descriptiva en pro de una función expresiva,

Trató de presentar una ordenación meditada del cuadro, manteniendo una preocupación por el volumen, orden, claridad.

Fue forjada en su Principios de Armonía y Contraste de Colores-1859, experimentada por Seurat para la pintura[18], y en torno a la división de colores en:

-primarios: el rojo, verde, azul, no obtenibles mediante la mezcla de ningún otro,

-secundarios: el naranja, amarillo, violeta, surgidos de la mezcla de 2 primarios[19],

Y viene a concluir que la teoría del contraste simultáneo, según la cual los colores influyen entre sí, y crean entre ellos reacciones complementarias:

Fue forjada en su Gramática de las Artes del diseño-1865, experimentada por Seurat para la pintura[22], y en torno a la idea de que:

-la mejor mezcla es la producida en el ojo, que no ensucia el resultado final[23].

Fue forjada en su Introducción a la estética científica-1885, en un intento de relacionar estética y leyes de la naturaleza mediante fórmulas pseudo-científicas[24], todas ellas provenientes de la psicología del espectador.

Así, cada dirección de una línea proyecta un estado sentimental, como se ve en:

-la alegría, producida por colores cálidos, o por líneas derecha-izquierda y abajo-arriba,

-el dolor, producido por colores fríos, o por líneas izquierda-derecha y arriba-abajo.

Georges Pierre Seurat (París 1859-París 1891) fue el fundador del Neo-impresionismo y del puntillismo, tratando de superar con ellos la pincelada subjetiva del Impresionismo y dotar al arte de unas reglas mínimas de funcionamiento.

Hijo de alguacil y con tierras familiares solventes, hizo sus estudios en la Escuela municipal de París, donde estudia la Gramática de Dibujo de Charles Blanc y hace amistad con Dember Eliezer.

De ahí pasó a la Escuela de Bellas Artes de París, donde no cosecha buenos resultados artísticos. Tras lo cual se dedica a copiar las obras maestras del Museo Louvre de París, en especial las de Rafael, Piero della Francesa y Pousin[25]. Aunque su inclinación era el clasicismo del alemán Lehman, y sus estudios sobre esculturas griegas en escayolas de yeso.

En 1880 abre su propio taller de pintura en París, y allí empieza a perfeccionar su arte. Parte de la línea como elemento esencial de su pintura, y mantiene siempre un gusto especial por la claridad y equilibrio. Marcó así un estilo personal, con un color controlado por las leyes físicas de Chevreul.

En 1883 presenta su monumental Baño de Asnieres al Salón de París, donde es rechazado. Es entonces cuando decide exponer en el paralelo Salón de los Independientes, así como comenzar un nuevo estilo nunca visto en el arte: el puntillismo, plasmado en su Tarde de domingo en Isla Jatte.

En 1889 recibe numerosas críticas por su Torre Eiffel[26], y empieza a tener discrepancias con su grupo de independientes. Decide entonces retirarse a una vida más tranquila, junto a su amante Madeleine[27]. Hasta que muere en 1891 a causa de una infección respiratoria, cuando tenía 31 años.

Fueron pintadas por Seurat en 1887, permaneciendo hoy en el Museo d’Orsay de París[28]. En ellas se aprecia:

[1] Sin un estilo definido, ni exclusivo de una tendencia artística (pues no había jurado ni premios, sino sólo la idea de exponer por libre).

[2] Con temas todavía impresionistas, pero nueva armonía de colores y líneas (que daban mayor orden a la composición).

[3] Con cuyos viejos impresionistas hubo broncas monumentales.

[4] En el aspecto de los paisajes. Pues sus figuras continuaban siendo demasiado rígidas.

[5] Tildado por FELIX FENEON como neo-impresionismo, por venir sus artistas del Impresionismo, y significar que técnicamente era algo nuevo, que armonizaba líneas y colores de una forma que el viejo Impresionismo había rechazado (aunque sus temáticas siguiesen siendo las mismas).

[6] Con más de 150.000 franceses muertos y 550.000 prisioneros, a manos de GUILLERMO I DE PRUSIA.

[7] En nombre del gobierno anárquico, que se adueñó de París durante algunos meses, e impuso un régimen caótico en la ciudad.

[8] Que movió a los artistas a una nueva e inquieta experimentación.

[9] Mediante su Obra-1880, novela sobre la vida de MONET Y CEZANNE, en que critica los defectos técnicos de los impresionistas, y la prototipificación de “un loco y fracasado que pinta para hacerse reconocer”.

[10] Pues al principio era muy entusiasta del estilo, y amigo personal de los impresionistas.

[11] Momento de la 8ª y última exposición impresionista.

[12] Momento en que surgen las nuevas vanguardias.

[13] Gracias a los merchantes DURAND RUELL, GEORGES PETIT y AMBROISE VOLLARD, contrabandistas de arte que pagaban precios fijos por todos los cuadros, y luego vendían cada uno de ellos a un precio distinto.

[14] Surgido del rechazo que hizo la Academia de París a 20 artistas, que decidieron desde entonces:

-crear su propio grupo artístico,

-abrir un foro de discusión artística,

-invitar a otros artistas a exponer en sus exposiciones,

-fundar y colaborar con revistas comprometidas con sus ideas.

[15] Idea en la que coinciden los grupos de puntillistas, divisionistas, neo-impresionistas…

[16] Aunque resulte más artificial.

[17] Para romper la idea renacentista de ventana abierta, y hacer del marco parte integrante de la pintura.

[18] Intensificando los colores, para dar mayor brillantez y luminosidad. Pues “un color, al lado de su complementario, se ve más luminoso”, concluía GEORGE PIERRE SEURAT (como se ve en el rojo, que al lado de un verde, resulta más intenso).

[19] En la retina del ojo, y no en la realidad. Es lo que ocurre cuando la retina se estimula por un complementario (como se ve en el ejemplo de un punto rojo. Pues si uno lo mira fijamente, y luego vuelve su mirada hacia un folio blanco, éste se ve verde).

[20] Pues la luz de los colores, a una gran velocidad, produce el color blanco (como ya se había visto en los Discos de Newton-1700, un disco con los 7 colores que al girar rápido era visto blanco al completo).

No obstante, la retina del ojo no es capaz de hacer lo mismo, porque no se mueve a la misma velocidad. De ahí que la pintura de los post-impresionistas sea un intento por acercarse al fenómeno del blanco y la luz a través del resto de colores y colaboración del espectador, pero no lo consiga del todo.

[21] Pues la mezcla de colores no se realiza en el lienzo, sino en la retina del ojo.

[22] Haciendo iguales todas las pinceladas, y reduciéndolas al punto como unidad constante a multiplicar. Y esto de forma sistemática, para aplicar con exactitud las dimensiones cromáticas y tonales (como se veía en el caso de cada punto amarillo cromo, por el que correspondían 2 puntos de azul ultramar).

No obstante, se trataba de una unidad constante de puntos al principio, pues luego se iba variando dinámicamente la pincelada.

[23] Poniendo la punta del pincel en el lienzo, pero reconstruyendo la imagen por el ojo, desde la distancia.

[24] Para corregir así la estética especulativa y metafísica del Romanticismo.

[25] Aunque también aprendió del Louvre el color de DELACROIX, al realismo de COURBET, los efectos lumínicos de MONET.

[26] Como las de THEODORE ROBINSON, que decía de él que “tenía escaso talento, sus descubrimientos son insignificantes, y sus sumas de puntos meras cagadas de mosquitos”.

[27] Una de tantas, pues SEURAT tenía esposa y número incierto de amantes. De entre todas las cuales logró tener 15 hijos no reconocidos (por el tema de herencias), aparte de los reconocidos.

[28] Pero en su día con multitud de bocetos (como se puede ver en el cuadro de la pared, uno de sus bocetos de estudio).

[29] La de las 3 gracias (belleza, encanto, alegría), que hacía poco que habían llegado al Louvre de París. Pues el interés del cuadro era reivindicar su talento para el dibujo.

[30] La de 1 modelo que cambia de posición (perfil, espaldas, frontal).

[31] Pues:

-elimina todo ambiente idílico,

-compara el desnudo con el vestido,

-sus bodegones y ropas secundarias son las que profundizan la composición.

[32] De gran rigor divisionista, y unidad composicional en la retina del ojo:

-al reducir al mínimo el tamaño de los puntos de color,

-al tratar más uniformemente el color de cada punto.