Minimalismo

a) Origen del Minimalismo
b) Características minimalistas
c) Judd
d) Morris
e) André
____________________________________________

Nació en 1957 en Estados Unidos, y se desarrolló en la década de 1960 bajo la influencia rusa del primer satélite Sputnik, la crisis de los misiles de Cuba, el desarme nuclear planteado en Ginebra, el surgimiento de la terrorista palestina OLP, la Guerra en Vietnam, la Guerra de los siete días, la francesa Revolución de Mayo, el festival de rock de Woodstock y la llegada del hombre a la Luna.

Sus conceptos artísticos parten de la filosofía de Wittgenstein plasmada en su Tractatus-1922, y critican la banalidad de la sociedad de consumo. No obstante, y aunque sus integrantes se conocen, cada uno actúa con independencia.

Su término fue acuñado por el filósofo Wolheim en 1965, pues hasta entonces había recibido las nomenclaturas de Arte ABC, Arte frío, Arte literal, Arte reduccionista, Arte de la 3ª corriente…

-Suprematismo de Malevich[1], donde el objetivo era dar supremacía al color y forma (significados por sí mismos) sobre la mera representación de los objetos del mundo visible,
-Constructivismo de Lisitsky[2], donde el diseño gráfico, la arquitectura, el cine, el cartelismo y la fotografía son reclamados para la nueva sociedad comunista,
-Neoplasticismo de Schoenmaekers[3], donde la pintura trasciende la realidad material mediante formas geométricas y colores puros (blanco, amarillo y azul).

Se trató de un arte que se planteó hacer algo que desmaterializara la obra de arte y representara al mismo tiempo la nueva identidad norteamericana. Para lo que rechazaba de plano:

-la pintura, amabilidad y mundo ideal del Arte pop,
-los excesivos simbolismos del expresionismo abstracto.

Se trata de un arte teatral, donde es más importante seleccionar el dónde y cómo colocar la obra, y lo que hay alrededor suyo[4], que la propia obra en sí. Así, se busca la coherencia entre las piezas y el espacio circundante, casi siempre al aire libre y con gran austeridad.

Sus obras son esculturas originales, simples y a gran escala, y concebidas como objetos específicos de diseño gráfico e industrial.

Su característica teórica más importante es que lo que ves es, eliminando viejos vicios artísticos de varias lecturas, trampantojos de vidas y momentos, simbologías y analogías, puras apariencias... y dotando al arte de su verdadera identidad: lo que se ve.

-el placer de la vista, para lo que reduce los elementos al mínimo,
-la mera intervención en el espacio, sin nada más y sin introducciones subjetivas de uno mismo,
-la accesibilidad de todos a la pieza, mediante la autonomía respecto a lo demás,
-la insignificancia del objeto, para no decir ni provocar nada,
-la repetición del motivo, pues la repetición lleva a la neutralidad.

Su simplicidad geométrica está basada en el orden y el rigor conceptual, predominando los rectángulos y cubos. El volumen de las piezas envuelve a otras obras y a los espectadores.

Utiliza colores planos, sintéticos e industriales. En general bajo superficies monocromáticas, con tratamientos repetidos e indiferenciados. Y siempre mediante un acabado industrial, sin dejar ninguna huella del artista.

Se trata de la abstracción llevada al extremo, con construcciones de objetos que no representan nada, y lo único que tiene valor es el montaje de la obra.

Escultor norteamericano, Donald Judd (1928-1994) fue el máximo representante de la abstracción a medio hacer, tras los estudios que realizó en la universidad de Columbia.

Su vida laboral estuvo ligada a la guerra de Corea, en la que participó. Hasta 1959 se dedicó a la pintura, exponiendo sin bastante éxito sus obras. En 1960 se convirtió en crítico de arte, y en 1963 empezó a hacer sus primeras cajas escultóricas, junto a una pareja de hermanos artistas que le ayudaban.

Su obra escultórica supuso el minimalismo geométrico más elegante. Mostró preocupación por el espacio[5], y supuso el reencuentro no reduccionista con el objeto específico[6]. Insertó a veces las obras en la pared, pero siempre manteniendo la sensación de totalidad del objeto.

Destaca su Stack,-1967, excelente ejemplo de non-art de vanguardia que trata de lograr un significado a través de una pretenciosa falta de significado. Se trata de una forma, con su volumen, color y superficie, que significa algo por sí misma, algo ciertamente diferente, algo que no puede quedar oculto dentro de la totalidad.

Ingeniero norteamericano, Robert Morris (1931- ) fue el único vanguardista en utilizar la línea escultórica curva, así como los juegos ópticos del espejo[7].

Desarrolló su vida laboral en Brancusi y California, tanto en encargos profesionales de ingeniería cuanto en peripecias artísticas que de vez en cuando se permitía[8].

Su obra escultórica utilizó la madera[9], colores grises[10] y formas geométricas simples. Buscó ambiguamente la tri-dimensionalidad, y trató de mostrar la distorsión que la vista siempre produce en las perspectivas planas. Algunas veces firmaba con la letra I (yo en inglés), o metía un autorretrato suyo desnudo y sonriendo, como forma de crear debates y polémica.

Destaca su Caja con Sonido-1961, cubo de nogal que en el interior tenía un reproductor de sonido, que se emitía mientras el espectador circulaba alrededor suyo. Muestra preocupación por el proceso creativo.

Destaca su Viga en L-1965, ganchos en forma de L colocados en diferentes posiciones. Incita al espectador a ser consciente de lo dependiente que está de su percepción del concepto, pues aunque se sabían que eran exactos los ganchos, las distintas posiciones que ocupaban hacían que parecieran diferentes.

Escultor norteamericano, Carl André (1935- ) fue el introductor de la escultura sin pedestales, no distinguible del resto de objetos externos, sin principio ni fin[11].

Pasó su vida laboral haciendo plañis[12], esculturas de madera sobre el suelo e implicadas sobre el entorno, cubos tridimensionales entre la pared y el suelo, figuras con figuras en su interior…

En cuanto a su obra escultórica, buscó la escultura como lugar[13], remitiéndose a la idea ancestral de Stonenheim. Eso sí, sin ningún significado profundo.

Destaca su Planta de Magnesio-1969, damero de ajedrez de 36 m² y, como al propio André le gustaba jocosamente decir, ejemplo de:

-materialismo, porque estaba hecho de sus propios materiales, sin pretensión de tener otros diferentes,
-comunismo, porque la obra era igualmente accesible a todo el mundo,
-ateísmo, porque carece de trascendencia, espiritualidad e intelectualidad.

[1] Movimiento desarrollado entre 1915-1923 por obra del ruso KAZIMIR MALEVICH, comisionado para la enseñanza del pueblo y director del bolchevique Diario de la Comuna, que en su Suprematismo o Mundo de la no representación-1920 va reuniendo a los artistas POPOVA, RODCHENCKO, LISITSKY… bajo el nombre de Grupo Supremus (que luego se integrará al completo en el Constructivismo ruso).

Respecto a MALEVICH, destaca su Cuadrado negro sobre fondo blanco-1923, donde:

-rechaza la utilidad del arte y de la expresión grafica, pues el arte está en la experiencia,
-trata de plasmar el sueño de un mundo mejor y un ser humano más noble, por medio de la religión.

Se trató, pues, de un Suprematismo que tendía hacia lo absoluto, hacia el infinito, hacia la mística, dejándose fascinar por la belleza de las formas geométricas, las matemáticas, la grandiosidad del universo, lo que se escapa a nuestro alcance. Buscaba una pintura liberada de referencias objetivas, con los mínimos elementos, con toda la fuerza de lo aparentemente en reposo, a imagen de lo que bien supo hacer el icono ruso.

[2] Movimiento desarrollado a partir de la Revolución bolchevique-1917, por obra del ruso LAZAR LISITSKY. Se trata de poner el diseño industrial, las artes aplicadas y la comunicación visual al servicio del comunismo, desde la convicción de crear un arte proletario y revolucionario. De ahí la insistencia en carteles, y la reiteración en los colores negro, blanco y rojo (golpeando a los blancos con la cuña roja).

Fue el caso de ALEKSANDR RODCHENKO, diseñador cartelista que diseñó la torre conmemorativa de la III Internacional Socialista-1919 (arquitectura férrea de tres piezas: una pirámide, una esfera y un cilindro, moviéndose cada una a su propio ritmo).

O el caso de LIUBOV POPOVA, diseñadora de trajes y decorados para teatro, aparte de impartir clases en el Instituto Artístico de Inkhuk, centro de las teorías constructivistas.

Para el Constructivismo, el estilo debía sustituirse por la técnica y el artefacto, pues la pintura no es sino un paso intermedio hacia la arquitectura.

[3] Movimiento desarrollado entre 1917-1931 por obra del holandés MATHIEU SCHOENMAEKERS, matemático que buscó la esencia de la tierra, la trama cósmica y la trascendencia espiritual, así como desnudar a la naturaleza de todas sus formas para que sólo quede el estilo.

Se trata de una concepción esencialista de la pintura, que busca desvelar las formas más puras de la naturaleza mediante la eliminación de lo superfluo y desvirtuante. Así, parte de una imagen y poco a poco la va simplificando en formas cubistas, hasta conseguir la abstracción pura.

En cuanto a colores, utilizó:

-el azul: signo de lo vertical y horizontal,
-el rojo: signo de lo general y particular,
-el amarillo: signo del hombre y mujer.

Pues el verde estaba prohibido. De hecho, la separación entre sus miembros se produjo porque unos querían utilizar el verde y la línea curva, y otros no.

Destacó en el Neoplasticismo THEO VAN DOESBURG. teosofista que argumentaba que para conocer profundamente la naturaleza había que experimentarla de forma profunda.

Así como PIET MONDRIAN, que indagó en el espíritu absoluto con el fin de:

-encontrar la estructura básica del universo, la supuesta retícula cósmica,
-representar el no-color blanco, atravesado por una trama de líneas de no-color negro.

Así como los medios de:

-planos rectangulares, según el modelo urbano de New York,
-colores primarios, en acrílicos o sistemas industriales,
-repudio de las características sensoriales,
-eliminación de las curvas,
-producción en masa de obras de arte, para que todos se beneficien.

[4] Pues no importa el propio movimiento, ya que las piezas deben mostrar neutralidad y esto sólo es posible a través del estaticismo, monotonía y composición serial.

[5] Cosa que no le permitía hacer la pintura, pues “el espacio real es intrínsecamente más poderoso y específico que la pintura en una superficie plana”.

[6] Ella que él se sentía “totalmente contrario a la idea de reduccionismo. Pues si mi obra es reduccionista, será porque no tiene elementos que la gente cree que deberían estar en ella, no porque tenga elementos que a mí me gustan”.

[7] Como elemento que mostraba realidades que podía ser reales o no, “para ver si la gente rechazaba la obra a continuaba aceptándola como un final impuesto”.

[8] De hecho, también sacó tiempo para estudiar la carrera de historia del Arte.

[9] Lo que le hizo ser despreciado por los demás artistas minimalistas, al utilizar un material tan tradicional.

[10] Como símbolo de la ausencia.

[11] Como una serie de raíles, caminos esculpidos de tal manera que no puede observarse su principio ni final, ni una posición preferente desde la cual puedan ser observados.

[12] Planos cuadrados pegados al suelo, que ocupaban un espacio y hacían que el espectador se parara frente a ellos, pero sin pisarlos. Estaban hechos de hierro y magnesio, y eran parecidos a un damero de ajedrez.

[13] Pues él se había criado en una zona minera, y siempre quiso que la gente experimentase esa sensación de pureza no manipulable.