Manierismo

Del término maniera-cosa rara, se trató de un movimiento subjetivo, de recreación y torcimiento de las líneas renacentistas[1], de alteración de los colores en la piel o vestidos.

Del adjetivo greca-griego[2], trató de aportar una visión subjetiva de la realidad, pintando las cosas como las veía el artista, y no como eran en sí.

Datado de 1510 a 1600[3], fueron causas de su aparición[4] los interrogantes generados en torno a:

-reforma luterana-1517, que rompió con la Iglesia y descuartizó Europa en pedazos,

-descubrimiento de la redondez terráquea-1521, que dejó perpleja a Europa y le hizo comprender su pequeñez,

-guerras campesinas de Alemania-1525, que se revolvieron contra el paso de principados y obispados al bando protestante,

-saco de Roma-1527, en que muchos artistas tuvieron que huir de Roma, ante el destrozo de piezas de arte obrado por los iconoclastas germanos,

-heliocentrismo de Copérnico-1543, que globalizó la pequeñez de la tierra, dependiente subjetivamente del Sol y no de sí misma.

-Movimiento. Muestra constante agitación[5], desequilibrando las figuras, provocando movimiento óptico y haciendo que el espectador vea los cuerpos desde distintos puntos de vista[6]. Se trata de la figura serpentinata-retorcida[7], con cada miembro hacia un lado y con la idea de crear un espacio en que el espectador se pudiera mover a su alrededor.

-Intensidad espiritual. Separa radicalmente cielo y tierra, con rompimientos brutales de cielo. Muestra agitación y no acatamiento[8] en las figuras sagradas, buscando el impacto ante el milagro, impresionando y mostrando como sobrenatural todo lo sobrenatural.

-Espacio. Introduce diagonales, en medio de espacios irreales, hacia luces del más allá. Muestra desorden y dificultad para encontrar al personaje principal[9], así como espacios lúdicos[10] y perforaciones ficticias de arquitecturas para abrir ventanas infinitas al fondo[11].

-Subjetividad y Anticlasicismo. No apoya a los personajes en el suelo, muestra objetos diminutos frente a los personajes… con la idea de romper la perfección clásica y el orden racional impuesto[12].

Benvenuto Cellini (Florencia 1500-Florencia 1571), Cellini fue orfebre italiano y uno de los mayores de la historia (sobre joyas, adornos, monedas… en plata, oro, bronce, metal), aprendiendo el manierismo romano de las manos del mismo Miguel Ángel. Trabajó al servicio de Clemente VII para el Museo Numismático del Vaticano, desde 1529 y hasta el fin de sus días. Destacó su Salero-1539, Ninfa de Fontainebleau-1540, Perseo-1554 y Andrómeda-1555.

Pirro Ligorio (Nápoles 1510-Ferrara 1583), Ligorio fue arqueólogo y anticuario italiano contratado por Pio IV y Pablo IV para colaborar en el Museo de Antigüedades del Vaticano, desde 1534 en adelante. Famoso por sus gigantescas esculturas manieristas, destacaron su Villa Adriana de Tívoli-1549, Juegos del Agua de Ferrara-1550, Parque de los Monstruos de Bomarzo-1552, Capilla Pía del Vaticano-1559 y su Mapa de Roma Antigua-1561.

Giovanni da Bologna (Douai 1529-Florencia 1608), Giambologna fue marmolista y broncista franco-italiano que hizo de puente entre Miguel Ángel (con quien aprendió) y Bernini. Descubierto por Pio IV y al servicio de los Veccietti de Florencia y Corte española, esculpió su Sansón-1562, Fuente Neptuno de Bolonia-1566, Rapto de las Sabinas-1574 y Hércules y el Centauro-1599.

Antonio Allegri (Correggio 1489-Correggio 1534), Correggio fue pintor italiano de la Escuela de Parma, discípulo de Andrea Mantegna, admirador de Rafael y trabajador al servicio de los Farnesio y los Gonzaga. De técnica depuradísima, composición y color de 1ª categoría, suavidad femenina y juvenil, y gran intensidad dramática, se desmarcó Correggio del clasicismo e inició el manierismo, plasmando nocturnos y cielos ingrávidos y rotos (como en la bóveda de la Catedral de Parma-1526). Destaca su Noche de Navidad-1522[13].

Jacoppo Carrucci (Empoli 1494-Florencia 1557), Pontormo fue pintor italiano, admirador de Miguel Ángel y Durero (de ahí su influencia por el arte nórdico, y las tensiones que luego aparecerán en el Greco) y primer reaccionario contra el clasicismo renacentista. Destacan su Visitación de la Virgen-1514, Descendimiento de la Cruz-1528 y Legión de Theban-1531.

Giovanni Battista di Jacoppo (Florencia 1495-Fontainebleau 1540), Fiorentino fue pintor italiano integrante de la Escuela de Fontainebleau, rebelde contra el clasicismo renacentista, con un estilo casi lúgubre y atormentado. Destacan su Asunción-1517, Pecado Original-1524 y la Galería de Francisco I-1535.

Giulio Pippi (Roma 1499-Mantua 1546), Romano fue pintor italiano que aprendió de la mano de Rafael, pintando el Ciclo de Constantino para las Stanzas Vaticanas. Fue contratado por Federico Gonzaga para trabajar en Mantua, donde empezó a pintar frescos ilusionistas, como Olimpo-1525, Sala de Gigantes-1532 y el álbum I Modi-1534.

Ángelo di Cosimo di Mariano (Florencia 1503-Florencia 1572), Bronzino fue pintor italiano, discípulo y ahijado de Pontormo, y cumbre intelectual y refinada del manierismo. Destaca su Retrato de Lucrecia Panciatichi-1540, Paso del Mar Rojo-1541, Retrato de Leonor de Toledo-1545, Alegoría del triunfo de Venus-1545, Resurrección de Cristo-1546, así como sus frescos para la Iglesia San Lorenzo de Florencia-1556.

Francesco Mazzola (Parma 1503-Cremona 1540), Parmigianino fue pintor italiano y máximo exponente del manierismo. Aprendiz con Correggio y admirador de Rafael, introduciendo la acuarela y la xilografía (escritura tallada en madera) del claroscuro. Destacó su Esponsales de Santa Catalina-1521, Madona del cuello largo-1535 y Augusto y la Sibila de Tibur-1536.

Francesco Primaticcio (Bolonia 1504-Fontainebleau 1570), Primaticcio fue pintor italiano que aprendió de la mano de Innocenzo de Imola, pasando a integrar la Escuela de Fontainebleau. Destacan sus pinturas para la Sala Hércules de Fontainebleau-1535 y la Capilla Valois de Saint Denis de París-1560, así como Rapto de Helena-1562 y Ulises y Penélope-1563.

Francesco Salviati (Florencia 1510-Roma 1563), Salviati fue pintor italiano imbuido por la obra de Miguel Ángel y Rafael, que trabajó al servicio del cardenal Salviati. Introdujo figuras grandes y aristocráticas, destacando su Vida de San Juan Bautista-1531, Duda de Santo Tomás-1543, Historias de Furio Camilo-1544 y Retrato de Poggio Bracciolini-1547.

Giuseppe Arcimboldo (Milán 1527-Milán 1593), Arcimboldo fue pintor italiano e iniciador del rostro humano surrealista, pintado a partir de elementos naturales. Destaca su Elementos-1563, Primavera, verano, otoño e invierno-1573 y Retrato de Rodolfo II-1591.

Domenikos Theotokópoulos (Creta 1541-Toledo 1614), El Greco fue pintor griego que había aprendido el arte post-bizantino en Creta, así como las evoluciones de Tiziano en Venecia y Miguel Ángel en Roma. Marchó a vivir a Toledo, donde se puso al servicio de la Contrarreforma y se convirtió en uno de los artistas inmortales y más grandes de la historia. Destacan su Dormición de la Virgen de Siros-1566, Curación del ciego de Venecia-1567, Retrato de Clovio de Roma-1571, así como su ciclo toledano con su Trinidad-1577, Dama de Armiño-1578, Expolio-1579, Sueño de Felipe II-1581, Alegoría de la Liga Santa-1582, Caballero de la mano en el pecho-1585, Entierro del Conde de Orgaz-1586, Crucifixión-1597, Hospital de la Caridad-1603, Inmaculada Concepción-1607, Asunción-1608, Visión del Apocalipsis-1608, Adoración de los pastores-1612 y Laoconte-1614.

A finales del s. XVI el manierismo[14] dejó de ser el estilo dominante y pasó a ser reemplazado por el eclecticismo de los Carracci[15] y la Academia de diseño de Bolonia[16], aparte de algunos arranques esporádicos en el Vaticano[17].

Pero existió un grupo de artistas que tomaron conciencia de la decadencia del arte italiano, y se propusieron no dejarlo caer y morir. Decidieron hacerlo además sin utilizar nuevos descubrimientos, sino mediante la imitación inteligente del Renacimiento.

Los dos grupos trataron de volver a la composición clásica, aunque se vieron en la necesidad de subrayar las figuras repoussoir, el doble contraposto y las alusiones alegóricas oscuras. La galería Farnesio[18] y los frescos del Cavaliere d’Arpino[19] son buenos ejemplos de ello.

Zuccaro[20] trató de beber de la tradición romana y veneciana. Para él, todo deriva del disegno interno, siendo el dibujo mero fundamento de una investigación intelectual. Así, concuerdan con el arte renacentista todas las doctrinas escolásticas, y todo el aparato artístico y racional aristotélico. En este sentido, “el juicio es el que escoge lo que es más agradable al ojo”.

Lomazzo[21] tomó elementos de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, e incorporó los de su maestro Ferrari[22] y los de sus coetáneos Mantegna y Pontormo. Su esquema es análogo al de Zuccaro, pero es teñido de filosofía neoplatónica de fondo, y no aristotélica. Si para un platónico la belleza era la manifestación visible del bien, para Lomazzo era una gracia espiritual, que se introducía en la materia a través de medios irracionales. En este sentido, “la unión de la gracia y del gusto es de naturaleza sensorial, no intelectual”.

[1] Lo que supuso la muerte del Renacimiento, justo cuando DA VINCI, MIGUEL ANGEL y RAFAEL estaban a mitad de su carrera. De hecho, la finalidad expresionista del Manierismo iba totalmente en contra de la finalidad cientificista del Renacimiento, y acabó por hundirlo.

[2] Llamado así por VASARI para referirse a la influencia que el arte bizantino había vuelto a influir en los artistas manieristas, en especial en MIGUEL ANGEL.

[3] En que un II manierismo evolucionó sobre un I manierismo.

[4] No del todo normales, pero sí lógicas (dado que el Renacimiento había llegado a modelos clásicos perfectos, que necesitaban ser rotos por algún lugar).

[5] Hasta en los paños.

[6] Retomando así la estereometría inventada por LISIPO en el s. IV a.C.

[7] Según la llamó VASARI.

[8] Como sí había en el arte bizantino, con el fondo de oro que hacía estático lo sobrenatural.

[9] De hecho, al manierismo le gusta crear líos de personajes, unos boca arriba y otros boca abajo.

[10] Llenos de trampantojos-trampas de perspectiva al ojo, grisallas-esculturas y arquitecturas fingidas, balaustradas-baldaquines falsos, cuadros dentro del cuadro…

[11] Con vistas marinas al fondo… y a forma de fusionar las 3 artes (arquitectura, escultura y pintura).

[12] De hecho, al manierismo le gustaba pintar arquitecturas y vistas ilusionistas, para que no pudiesen ser encuadradas dentro de ningún estilo ni realidad parecida.

[13] Hoy en el Museo de Dresde, y donde se muestra:

-escena nocturna con resultado popular,

-drama original, con intimidad inédita,

-éxtasis de los sentimientos, pre-anuncio de la emoción barroca,

-tonos envolventes y sensuales, provocando la ternura del espectador,

-luz del niño deslumbradora, sobre el remolino del cielo, virgen y pastora.

[14] Movimiento que había supuesto, tras su inclusión en el s. XVI, una vuelta artística al medievalismo:

-sometiendo el arte a la religión,

-rompiendo la naturaleza como fuente última de toda belleza,

-poniendo al espíritu de Dios como infusor de la belleza en el intelecto humano, y no en su impresión sensorial.

Se trató, pues, de un movimiento que puso la pintura y la naturaleza bajo control del intelecto humano, que a su vez está bajo control del intelecto divino.

[15] ANNIBALE CARRACCI (Bolonia 1560-Roma 1609) fue pintor y grabador italiano, auténtico rival del naturalista CARAVAGGIO (Milán 1571-Porto Ercole 1610) y reformador de la corriente artística manierista, hacia un arte ecléctico sin principios determinados, que trataba de hacer compatible cualquier tipo de arte mediante la mezcla y combinación de sus elementos, sin llegar a formar un todo orgánico.

[16] Fundada en 1563 por LUDOVICO CARRACCI, tuvo onda expansiva hacia otras ciudades, especialmente Roma. Integró la Scuola dei Desiderosi (de los deseosos de saber), la Scuola degli Incamminati (de los encaminados progresistas), la Scuola Naturale (renovadora del decadente manierismo)… como respuesta a la propuesta que hizo el arzobispo de Bolonia, GABRIELE PALEOTTI, de imponer los principios estéticos del Concilio de Trento, en su Discorso intorno alle immagini sacre e profane.

[17] Como los de DANIELE DE VOLTERRA (Volterra 1509-Roma 1566), pintor italiano apodado por MIGUEL ANGEL como Il Braghettone por haber sido el encargado de cubrir, por mandato de PIO V, todos los desnudos que habían pintado los manieristas en el Vaticano.

[18] Compuesta entre 1597 y 1608 por ODOARDO FARNESIO, con las estatuas del Toro Farnesio, el Hércules Farnesio… y la pintura como complemento perfecto a la colección escultórica. No obstante sus variadas manos, hacia 1602 se hizo cargo de la misma ANNIBALE CARRACCI.

[19] Giuseppe Cesari (Roma 1563-Roma 1640), ARPINO fue pintor italiano protegido de CLEMENTE VIII, y discípulo de NICCOLO POMARANCIO (Pisa 1553-Roma 1626). Fue maestro de artistas como MUZIO, PIER FRANCESCO MOLA, FRANCESCO GUBBIO, GUIDO UBALDO ABATINI, VINCENZO MANENTI, BERNARDO PARASOLE... y el mismo CARAVAGGIO (que ingresó en su taller en 1593 como pintor de flores y frutas). Fue destacable de ARPINO su Flagelación para la Iglesia San Biagio de Roma.

[20] FEDERICO ZUCCARO (Roma 1542-Roma 1609) fue arquitecto y pintor italiano, que fundó la Academia San Lucas de Roma y trabajó en el Palacio Caprarola de Roma y la Capilla Paulina del Vaticano. Terminó también la decoración de la cúpula de la Iglesia Santa María del Fiore de Florencia y el Palacio Dogos de Venecia (donde pintó su Humillación de Barbarroja). Huido de Italia por motivos personales, en Londres pintó los retratos de Isabel I y de María Estuardo, y en Madrid la decoración de El Escorial.

[21] GIOVANNI PAOLO LOMAZZO (Milán 1538-Milán 1600) fue pintor manierista italiano, famoso por su Ángeles en gloria y Caída de Simón Mago, de la Capilla Foppa de la Iglesia San Marcos de Milán, y su Autorretrato para la Colección Di Brera de Milán.

[22] Iniciador de la corriente manierista del romanismo, que trataba de imitar el estilo de los autores italianos que habían trabajado en Roma, como RAFAEL y MIGUEL ANGEL.