Gran Desnudo de Braque

Tuvo su origen en las Señoritas de Avignon-1907 de Picasso y en las Casas de L’Estaque-1908 de Braque[1], siendo ambos reconocidos como sus padres fundadores, tanto para el mundo de los artistas como para las Academias de Bellas Artes.

Lanzó su 1ª exposición en el Salón de los Independientes-1911, y en 1912 recibe definitivamente el nombre de pintura cubista por parte de Apollinaire, como adjetivo despectivo que descalificaba las extrañas formas cúbicas dadas a las casas humanas.

De 1907 a 1909 se desarrolla la pintura cubista temprana, donde los dos co-fundadores y amigos deciden analizar lo que han pintado[2], reflexionar sobre los puntos en común[3], romper oficialmente con la pintura precedente[4] y recurrir a[5]:

De 1909 a 1912 se desarrolla la pintura cubista analítica, por medio de entusiastas seguidores que se ponen a debatir en torno a cómo exponer el cubismo[7], así como defender:

-ruptura de la profundidad, con espacios echados hacia atrás, arriba, adelante…

Es el momento en que se intenta dar plasticidad a la pintura cubista, pero sin negar la bi-dimensionalidad del plano. Lo cual se consigue al fragmentar por igual cada cuerpo[10]:

De 1912 a 1914 se desarrolla la pintura cubista sintética, en un intento por impersonalizar las obras. Es el momento en que se introducen al cuadro letras, números, recortes de periódico[12]… Pues ya no se trata de fragmentar objetos, sino de reconstruir elementos fragmentados, para hacer reconocible una imagen distinta[13].

Pintor francés, Georges Braque (1882-1963) fue uno de los fundadores del Cubismo, junto a Picasso y en menor medida Juan Gris.

De familia acomodada, fue artista desde su niñez, estudiando arte en la Academia Humbert y Escuela de Bellas Artes de París. Se inició en el fauvismo, y empezó utilizando colores rosas y violetas. Hasta que conoce a Otón Friesz y viaja con él a la marsellesa L’Estaque, lugar en que conoce a Cezanne y decide hacer su estilo paisajístico más lineal[14].

En una exposición parisina de 1908 conoce a Picasso, el cual le habla de sus Señoritas de Avignon-1907, y ambos deciden ponerse de acuerdo para construir en común un nuevo estilo artístico.

Participó en la I y II Guerra Mundial, saliendo herido de ambas y pasando a un estilo más serio y austero.

Fue pintado por Braque en 1908, permaneciendo hoy en el Museo de Arte moderno de París[15]. En él se aprecia:

-belleza formal, que no desprecia la belleza femenina, sino que hace un alegato en pro de una belleza volumétrica, de masa y peso[16],

-deformaciones lineales y corporales, como se ve en los músculos sobredimensionados, vientre hinchado, pechos anormales, masa corporal demasiado marcada…

[1] De hecho, el cuadro de BRAQUE fue el que dio origen al término cubismo, por unos comentarios que hizo HENRI MATISSE sobre él en la exposición del Salón de Otoño-1908, a la hora de hablar de “los pequeños cubos” con que el francés pintó sus casas.

[2] Viviendo en común hasta 1914.

[3] A forma de:

-dos escaladores que se han encordado juntos, como decía GEORGES BRAQUE,

-un matrimonio artístico, como decía PABLO RUIZ PICASSO.

[4] Sobre todo con un Impresionismo que buscaba la fugacidad, mientras que el cubismo buscaba lo único permanente (salvo la excepción de CEZANNE, que fue el que hizo de puente para los cubistas).

Y es que el cubismo optó por los descubrimientos de una nueva ciencia de EINSTEIN que dejaba anticuados todos los planteamientos anteriores, y que empezaba a analizar una 4ª dimensión: el tiempo. Así, tratan PICASSO y BRAQUE de introducir en la historia del arte un nuevo concepto: el tiempo.

En este sentido, tan sólo la filosofía de HENRI BERGSON fue aceptada por PICASSO y BRAQUE, por su:

-concepto de perdurabilidad, a pesar del fluir cambiante de objetos,

-emergencia del pasado en el presente, y del futuro en el presente.

[5] Lo que hace difícil distinguir el arte de ambos. Pues ambos se inspiran en el arte africano, se distancian respecto al objeto… Eso sí, se puede decir que como diferencia:

-BRAQUE se preocupa más de la masa y los cuerpos,

-PICASSO se preocupa más de la bi-dimensionalidad.

[6] Pues el Renacimiento había quitado esta cualidad a la pintura, y ahora el Cubismo quería reclamarlo alto y claro: el carácter plano de la pintura. Pues el cuadro, antes que ser un caballo o un desnudo femenino, es una superficie organizada de colores.

[7] Pues unos y otros se dividen entre exponer:

-en el Salón de los Independientes, a pesar de recibir todas las críticas parisinas,

-en galerías extranjeras, como ruptura definitiva con el Arte precedente.

[8] Para que el espectador las recomponga. Pistas que deben ser mínimas, no relatar nada, y ser el único punto donde no haya abstracción en el cuadro.

[9] Para evitar el carácter emocional y descriptivo del color, y resaltar solamente su composición formal.

[10] Técnica del facetado, o presentar el espacio por facetas-parcelas. La cual llevó al cubismo a organizar la composición mediante una red de líneas y figuras tal… que descompusiera la escena en facetas-parcelas distintas, cada una con su propio punto de vista.

[11] Consiguiendo así que el objeto pictórico no simulara ilusionistamente la realidad, sino que la hiciera verdadera.

[12] En un intento por:

-entremezclar los límites de lo pintado y lo real,

-dar materialidad constructiva a la obra.

Pues las letras o números, al despojárseles su contenido objetivo… pasan a formar elementos formales compositivos, como otra línea abstracta más.

[13] No ya destruyendo el arte (como hacía el Impresionismo) sino construyendo un arte nuevo (a base de construir y encajar las piezas sueltas).

[14] Mediante superficies superpuestas y planos angulares, a base de cubos.

[15] Pero en su día muy criticado, y calificado de “monstruo de caballete” y “ser femenino con vientre en forma de globo y pecho con forma de jarra”.

[16] Lo que valoró MAURICE, que hablaba de “una relación de líneas con sus correspondientes valores cromáticos”.