Mercabá, diócesis de Cartagena-Murcia
BARROCO
a) Origen
del Barroco
b)
Arquitectura barroca
Paradójicamente,
y como resultado de los sucesos que siguieron al Saco de Roma-1527 y Reforma
luterana[1],
se produjo un reforzamiento del poder del papado
en Italia, y los estados pontificios aumentaron su prestigio mundial.
Junto a este panorama político, también el papado incluyó el
desarrollo de nuevos métodos de composición artística, e impulsó la
proliferación de escritos artísticos, no sólo para justificar la religión,
sino también como arma de propaganda eficaz.
En el Concilio de Trento[2]
las disposiciones
conciliares de 1563 hablaban de:
-velar
por el contenido del arte religioso,
-autorizar
sólo las esculturas y pinturas que fuesen de calidad,
-prevenir
contra la indecencia o profanación.
El acento artístico de Trento vino
a pivotar, pues, en la precisión y representación, aún con un cierto margen
concedido:
-a
las ideas probables que tuvieran fundamento,
-a
la sabiduría y erudición que pudiesen aportar los artistas consagrados.
En cuanto a las filosofías clásicas, las más
peligrosas fueron rechazadas por el Concilio, y fueron toleradas todas las demás
mitologías clásicas, bajo el calificativo de inofensivas para el actual mundo
racional.
Tras
la celebración del Concilio de Trento, el mundo eclesial intercontinental, con
instrucciones positivas al respecto, comenzó a resaltar el valor de:
-la
pintura, para el mundo de la imagen,
-la
escultura, para incitar a la piedad y conmover el espíritu,
-la
arquitectura, para atraer la mirada de las personas distraídas.
En arquitectura, Trento había
propuesto estructuras artísticas duraderas, pudiéndose utilizar al caso los órdenes
clásicos. Así, empezó a ser común, tras las prebendas tridentinas[3]:
-construir
las iglesias sobre promontorios,
-esculpir
figuras o adornos serios y decentes para las fachadas,
-elevar
el altar sobre unas gradas, para oficiar con dignidad,
-unir
la sacristía al transepto y no al presbiterio, para impulsar las procesiones,
-convertir
en capillas los brazos del crucero, para oficiar allí los días festivos,
-conveniente
iluminación,
-obligación
de restaurar la decoración y mobiliario anticuado
La
Iglesia Gesu de Roma[5],
adaptada a la perfección al nuevo arte impulsado por Trento, fue el mayor
ejemplo de “edificio de gran belleza ofrecido a Dios”, con:
-dimensiones
de cuerpo humano perfecto, el de Cristo,
-interior
más rico que el exterior, el del alma divina de Cristo,
-exterior
adornado con todo tipo de órdenes clásicos, el del cuerpo humano de Cristo.
En pintura, Trento había
desaprobado la introducción de lo pagano en el arte religioso[6],
al mismo tiempo que había sido riguroso respecto a la decencia, humor popular,
leyendas populares, figuras desnudas[7].
En
esta teoría tridentina del decorum,
la indumentaria de las figuras humanas debían obedecer a su rango y carácter,
sus gestos ser apropiados, la escena ser bien escogida, el artista tener
presente que su obra se destina a una iglesia.
En
cuanto a los detalles, Trento mandó hacer estudios[8]
sobre las características que éstos debían tener en el mundo del arte,
viniendo a convenir en:
-la
majestuosidad, impresionando en la manera de lo posible,
-el
esplendor, alabando las antiguas tradiciones eclesiásticas,
-el
carácter religioso, imponiendo el acuerdo entre sacerdotes y artistas.
En cuanto a los frescos, Trento propuso:
-todo
tipo de ciclos y programas intrincados[9],
-dar
utilidad a la arquitectura,
-introducir
mensajes con filosofía moral,
-causar
piedad, y no sólo imitar la realidad
El Barroco fue un movimiento nuevo eclesial, gestado en el Concilio de Trento,
impulsado por las nuevas órdenes eclesiales[11],
y con la nueva mística que elevaba el alma a Dios[12].
Vio
la luz en Roma bajo Sixto
V y su inédita Urbanización de Roma-1585[13],
cuando el papa abrió las puertas de Roma a todos los mejores artistas, y a los
peregrinos del mundo entero.
Kilometrajes
de pintura, y la propia Escuela San Lucas
de Roma[14],
atrajeron a Caravaggio, Carracci, flamencos, franceses, bambochantes[15],
mecenas[16]
y artistas de
todo tipo.
No
obstante, el Barroco poco a poco adquiriendo mucha más importancia fuera
de Italia, hasta la evolución decorativa del Rococó. Desde el
desbordamiento del Barroco en Roma, con Bernini, Borromini… hasta el holandés
Rembrandt y el flamenco Rubens, todos los artistas barrocos fueron impregnando
una nueva forma de reflexionar en la historia.
Del
término portugués barroco-perla irregular,
y del español barrueco-joya,
fue definido el Barroco por el arqueólogo francés
Antoine Quatremere de Quincy como algo chocante
y llamativo que se puso en escena.
En
el s. XIX adquirió el rango
de inferior respecto al arte renacentista, bajo Jacob Burckhardt en
su Cicerone-1860[17].
Enrick
Volfield habla en su Renacimiento y
Barroco de un Barroco contrapuesto y distinto
al renacentista, del que no tenía nada que ver[18].
Henri
Focillon, en su Vida de las formas-1934
aplica barroco a las manifestaciones de exuberancia
y generosidad de proporciones, volúmenes y líneas.
El
Barroco está hoy asociado, pues, al arte:
-extravagante,
y muchas veces relacionado con lo recargado, sofisticado, grotesco;
-de
personalidades, más que de estilos, y de sus seguidores
-teatral,
con influencia de escritores literarios, que se decantó por la pintura.
Fueron elementos también barrocos: la naturaleza muerta, el bodegón[20],
las escenas de género[21],
las arcadias[22],
los paisajes[23].
ARQUITECTURA
BARROCA
Gian Lorenzo Bernini (Nápoles 1598-Roma 1680) fue arquitecto barroco
italiano, y el mayor escultor de todos los tiempos.
Hijo
de escultor florentino, nació y aprendió a esculpir en Nápoles, donde su
padre trabajó. Con 6 años se trasladó a Roma con su familia, mostrando su
talento de niño
prodigio y simpático al cardenal Barberini. Creció católicamente[24]
en una Roma exuberante que renacía de sus cenizas, ayudando a su padre en las
obras vaticanas para Pablo V y Clemente VIII.
Hasta 1623 Bernini mostró una fase estilística y helenística,
mostrando en su adolescencia
una concentración sobrehumana, y unas primeras obras inéditas que superaban en
mimetismo a todos los artistas de su época. En 1515 es llamado por el cardenal
Scipione Borghese, que le pide componer sus primeras obras para su Palacio
personal.
En 1623 es nombrado director de la Academia San
Lucas de Roma, y llamado en 1629 por Urbano VIII para trabajar al mando
del Vaticano[25],
hasta el fin de sus días. Sólo excepcionalmente trabajó fuera del Vaticano[26],
empezando a introducir en todo el dramatismo, gesticulación y luminosidad.
En cuanto a amistades,
estuvo enemistado públicamente con Borromini, y hacia 1635 abre una relación
íntima con Constanza Bonarelli, que le lleva a obtener una reprimenda del papa.
Alejandro VII le regala un reloj de arena con las 4 alegorías de la caridad,
verdad, prudencia y justicia, aludiendo a que el tiempo es caduco y lo aproveche
bien.
A
su muerte,
sus piezas móviles empezaron a circular por toda Europa, como fue el caso de
los museos de Florencia, París, Londres, Edimburgo, Hamburgo, Madrid y hoy día
Washington.
a.1) Obra arquitectónica de Bernini
Destaca su Baldaquino de San Pedro-1624, hoy en la Basílica San Pedro del Vaticano, donde se muestra:
-realce
a los restos
arqueológicos petrinos[27],
-estructura
monumental,
-balaustrada
a la entrada de las grutas,
-el
centro exacto
del crucero basilical, bajo la cúpula de Miguel Ángel,
-4
columnas salomónicas
-conjugación
entre ciborio
Destaca su San Andrés, Longinos y Verónica-1628, hoy en la Basílica
San Pedro del Vaticano, donde se
muestra:
-espacio
involucrador, dentro de los 4 pilares de la cúpula,
-complemento
a la Veracruz de Santa Elena
-dramatismo
sin precedentes,
-paños
significativos,
-sus
símbolos
de cabeza
Destaca su Tumba de Urbano VIII-1627, hoy en la Basílica San
Pedro del Vaticano, donde se muestra:
-mármol
y bronce dorado,
-alegoría
de la caridad y justicia,
-1
esqueleto,
con libro de difuntos y epigrafías,
-el
símbolo
de las abejas de Urbano VIII,
-continuidad
con la Tumba de Pablo III-1549.
Destaca su Columnata de San Pedro-1629[34],
hoy en la Basílica San Pedro del
Vaticano, donde se muestra:
-continuación
sobre los trabajos
de Maderno[35],
-drama
impactante, grandiosidad
máxima, carácter ceremonial,
-brazos
abiertos semicirculares
-visibilidad
hacia la fachada principal
-aire
libre para celebraciones masivas
-espacios
cubiertos para el agua
-4
filas de
columnas dóricas monumentales
Destaca su Scala Regia-1663, hoy en la Basílica San
Pedro del Vaticano, donde se muestra:
-escalera
ceremonial,
-kilometrajes
de mármoles y columnas,
-conexiones
entre aposentos papales-basílica,
-estrechamiento
del espacio
-intermitentes
aperturas de
luz
-Eneas,
Anquises y Ascanio-1618[43],
hoy en la Galería Borghese de Roma,
-Retrato
de Pedro de Foix-1621
-Apolo
y Dafne-1622
-David-1623
-Santa
Bibiana-1624
-Busto
de Scipione Borghese-1632
-Busto
de Constanza Bonarelli-1635
-Verdad-1645
Francesco
Castelli (Lugano 1599-Roma 1667), Borromini fue arquitecto italiano, y el más
destacado arquitecto del Barroco.
Nació
en los Alpes
italianos y creció en Milán,
donde estudió arte y colaboró en las obras catedralicias de la ciudad.
Con
20 años decide comenzar la aventura de Roma,
cambiando su apellido natal por el de Borromini, y siendo contratado como
cantero avanzado por Bernini[55].
Tras romper con Bernini, trabaja por influjo del cardenal Barberini en la
universitaria Iglesia Sant Ivo alla
Sapienza de Roma, la Iglesia San
Carlos de las 4 fuentes de Roma, y la Basílica San
Juan de Letrán de Roma.
Con
gran aprecio por la obra de Miguel Ángel, Borromini introdujo en la
arquitectura los elementos
barrocos de:
-dimensiones
gigantes,
-plantas
centralizadas, de todo tipo de formas,
-dinamismo
de paredes y espacios,
-uso
de la luz,
-materiales
simples y económicos,
-geometría
modular, y no ya aritmética.
-perspectiva
arquitectónica[56],
-técnica
del trampantojo
Destaca su Iglesia San Carlos de
las 4 fuentes de Roma-1634[58],
donde se muestra:
-sensación
irracional,
-impresionante
e inédita planta
multiforme
-2
brazos
a partir del óvalo, y no de la cruz,
-fachada
ondulada
-alzado
en 3 niveles
-juegos
entre lo cóncavo
y convexo,
-cúpula
llena de luz y casetones,
-estucos
ficticios, para las columnas y frisos,
-el
triángulo,
como medida para todos los módulos
Destaca
su Oratorio San Felipe Neri de
Roma-1637, donde se muestra:
-ladrillo
y técnica del ladrillo[63],
-fachada
monumental,
-monasterio,
iglesia y claustro interior.
Destaca su Iglesia Sant Ivo alla
Sapienza de Roma-1642[64],
donde se muestra:
-linterna
helicoidal[65],
-epígrafes
salomónicos
-inspiración
paleocristiana del norte italiano,
-el
triángulo
milanés, como medida estándar,
-cúpula
sin tambor,
-efectos
de luz
-juegos
entre lo cóncavo
y convexo, curvas y contracurvas
Guarino
Guarini (Módena 1624-Milán 1683) fue matemático, sacerdote y escritor
italiano, dedicado también a la arquitectura desde
los 17 años[69].
Escribió
Euclides Adauctus-1640, primer tratado
matemático sobre geometría descriptiva de la historia, y se dedicó en su tiempo
libre a las construcciones del Palacio de Saboya, Iglesia San
Lorenzo de Turín-1666, Palacio Carignano
de Turín-1679, Capilla Sábana Santa
de Turín-1688, así como otras edificaciones en Módena, Mesina, Verona, Viena,
Praga, Lisboa y París.
Fue
introduciendo, paulatinamente en todas sus obras, el último arte barroco e inicio del
rococó.
La emergencia de los estados nacionales absolutos tuvo como consecuencia
la desaparición de las libertades ciudadanas. Además, el proceso de
centralización real hizo que todo el poder viniese a concentrarse en la
capital, que empezó a crecer espectacularmente a expensas de la nación.
Así, lo importante empezó a ser el tamaño y número de habitantes, y no ya
tanto la buena administración.
Al concentrar la capital todas las fuerzas de la nación, empezó a crear
su propia moda y gustos, y éstos se fueron
extendiendo al resto de ciudades de la nación. Gustos y modas que fueron
controlados, en todo momento y sin descanso, por el propio rey en persona.
Otra consecuencia de la concentración de población fue la conversión
del individuo en masa, y el peligro potencial de que ésta fuera levantisca a
nivel interno. De ahí la cultura
psicológica dirigida por el monarca hacia el cuerpo de los
ciudadanos, con la sorpresa, ostentación y maravilla como medios para adherir
emocionalmente a los espectadores.
Otro fin análogo de la ciudad barroca fue el nuevo organigrama
pacifista, dirigido ahora hacia el interior[70]
y no hacia enemigos venidos de fuera. Se trataba de salvaguardar el poder
absoluto del rey, pero no ante los enemigos exteriores sino los de su propia
nación.
París
fue el ejemplo de ciudad barroca, y una de las primeras que llevó a cabo un
ambicioso proyecto de reformas públicas e institucionales[71].
Lo hizo desde una novedad absoluta:
-introduciendo
la plaza regular italiana,
-construyendo
casas pequeñas de ladrillo,
-abriendo
soportales y tiendas en los bajos.
Londres
fue el ejemplo de no reformarse barrocamente, y eso que tuvo la oportunidad tras
el incendio de 1666, al quedar la ciudad a expensas de un plan renovador, verse
sin las ataduras de estructuras medievales precedentes, y presentarse todo tipo
de proyectos innovadores[72].
Viena
pudo reformarse barrocamente una vez que pudo verse libre de su enemigo turco en
1683, abandonar definitivamente su muralla defensiva y diseñar grandes
programas arquitectónicos. Tuvo aire religioso imperial, oficialmente expansivo
hacia el oriente y triunfante en cultura aristocrática
Las plazas fueron levantadas en torno
a una iglesia[73],
careciendo casi de connotaciones representativas[74]
y con la única finalidad de centralizar un núcleo residencial. Solían
disponer de jardín[75]
y ausencia de tráfico rodado.
Los palacios reales solían estar situados al margen de la ciudad, lo que hizo que se compensara a la ciudad con un monumento conmemorativo real, imagen de la grandeza monárquica y equilibrio ante su ausencia de entre la sociedad. Meramente artísticos[76], sin utilidad ni carácter público, estos monumentos, como los arcos del triunfo[77], planteaban el antagonismo poder-ciudad, divorcio palacio-sociedad.
Tuvo
su modelo de inspiración en los palacios
italianos renacentistas[78],
tanto para Felipe IV de España[79],
Carlos I de Inglaterra[80],
Isabel de Países Bajos[81],
Enrique IV de Francia[82],
Urbano VIII de Roma[83].
Fueron
otros focos de
inspiración palaciega:
-Felipe
II de España, que construye el Buen Retiro[84]
de Madrid con los modelos de los palacios veraniegos de Nápoles,
-María
de Médicis en Francia, que en 1611 construye el palacio real de París con
los modelos del Palacio Pitti de
Florencia,
-Carlos
II de Inglaterra, que construye su nuevo palacio real de Londres con los
modelos del Palacio El Escorial de
Madrid.
El palacio de Versalles supone una alternativa
totalmente nueva respecto a los palacios italianos, y trató de representar el
espíritu nacionalista francés. Puso como punto de partida la visión unitaria
frontal[85],
a la manera de un relieve. Su decorado[86]
tendió a escenificar teatralmente las ceremonias y dominio del rey. Y pronto
empezó a ser imitado en toda Centroeuropa[87].
El palacio de El Escorial supone el aspecto
diferenciador español. Pues la idea de majestad en España insiste en que la
familiaridad engendra desprecio, y que la inaccesibilidad es el atributo real[88].
De ahí el carácter laberíntico, túneles secretos y complicados accesos del
palacio madrileño, tendente a ocultar las miradas al rey y guardar las
distancias.
e.1)
Idea barroca del rey
Las monarquías europeas utilizaron el arte barroco como un arte estatal
y al servicio del estado, tanto en la erección de una arquitectura
monumental[89]
como en la utilización de las fiestas
propagandísticas[90]
y la imagen del
rey Sol[91].
Ideó el barroco, así, la idea de un rey moral[92]
y una reina bella[93],
retratado[94]
con sus símbolos[95],
y con o sin caballo[96].
Por otro lado, el rey debía asumir el mecenazgo
de las artes, siempre y cuando estas obras no supusieran un fuerte
aumento de los impuestos, u obras públicas improductivas. Su atención y
dedicación al arte debía ser máxima, como supieron hacer:
-Luis
XIV de Francia, tras la Tregua de los 12 años-1609[97],
-Carlos
I de Inglaterra, comprando masivamente modelos italianos renacentistas,
-Felipe
IV de España, creando espacios cultos en el Retiro, El Escorial y Alcázar.
Dos fueron las finalidades del arte barroco
real, intentando que estuviesen unidas visiblemente en torno al poder y majestad
real:
-la
propaganda, por medio de un estilo más clasicista,
-la
moral, por medio de un estilo más manierista.
El jardín barroco[101]
refleja una nueva variante respecto al jardín renacentista. Supone una perfecta
relación de sus diversas partes entre sí, su vocación de servicio al palacio, y una
adaptación premeditada del agua al terreno. Trata de hacer que el palacio
disponga de buenas vistas y perspectivas.
Por
otro lado, el jardín barroco es un postulado geométrico perfecto, expresa una reconstrucción
racional, libre y ordenada de la naturaleza, subraya la subordinación
de la naturaleza a la razón. Muestra una proyección infinita,
inmutable, intemporal, con avenidas abiertas sin aparente fin.
En
cuanto a su decoración, posee todo tipo de recursos
teatrales, destinados a las grandes fiestas[102]
en las que se trataba de impresionar con decorados son desmesurados, ostentosos,
inteligentes, fantasiosos… escenario era idóneo para las obras pastoriles,
mascaradas cortesanas. Tuvo, no obstante, el obstáculo de los efectos
luminosos, causa de su rápido declive y de que se construyeran
teatros estables en otro sitio.
PINTURA
BARROCA
Annibale
Carracci (Bolonia 1560-Roma 1609) fue pintor barroco italiano[103],
que encarnó la opción
artística opuesta a su rival Caravaggio[104],
e influyó en Poussin. Viajó a Parma y Venecia, y trabajó para el Palacio Magnani
de Bolonia, Palacio Samperi de
Bolonia, Capilla Bonasoni de la
Iglesia San Francisco de Bolonia, así
como para el Palacio Farnesio de Roma[105]
y la Iglesia Santiago de los Españoles
de Roma[106].
De
dibujo lineal
florentino y acusada observación,
y con óleo sobre lienzo o tabla, Carracci fue ecléctico
en la temática, con escenas de género, mercado[107],
retratos, caricaturas[108]…
así como libre
en el tratamiento, vestimenta…
Destacan sus paisajes, no complementarios sino esenciales, autónomos[109], costumbristas, tanto religiosos como naturales y apaisados[110], y que le convirtieron en el precursor del paisaje barroco del s. XVIII y romántico del s. XIX.
Paralizado en su brazo en sus últimos años, fue
ayudado a terminar obras por parte de sus discípulos
Domenichino, Albani, Lanfranco, Guido Reni y Badaloccio. Fueron etapas de su
vida artística:
-periodo
boloñés, hasta 1594,
-periodo
romano juvenil[111],
de 1594 a 1597,
-periodo
romano de madurez, ecléctico y para la familia Farnesio en Roma[112].
a.1)
Escuela de Carracci en Bolonia
Fue fundada por Ludovico Carracci[113],
junto a sus primos Agostino[114]
y Annibale[115],
y bajo los nombres de Academia del Diseño natural-1582, Escuela de los Deseosos[116]-1590
y Escuela de los Encaminados[117]
de 1591 en adelante.
Pretendió renovar el arte manierista del
momento[118],
decadente para ellos, y bajo las directrices que había marcado el arzobispo
boloñés Gabriele Paleotti en su Discurso
sobre las imágenes-1582.
Y lo hizo intentando reactualizar las referencias
clásicas greco-romanas y Renacimiento del primer Cinquecento[119],
inspirándose en el claro-oscuro[120]
y color veneciano. Trató de inculcar la intelectualidad
pictórica, el dibujo al natural[121],
el eclecticismo
de diversas fuentes[122]
y la persuasión
en el espectador[123].
Se
trató de un clasicismo
boloñés que no pasó desapercibido en la Corte papal de Roma, y que
recibió numerosos encargos cardenalicios y nobiliarios romanos.
a.2)
Obras de Carracci
Destaca
su Carnicería-1580[124],
hoy
en la Iglesia
de Cristo de
Oxford,
donde se muestra[125]:
-total
rotura del
clasicismo[126],
-luz
homogénea y neutra,
-muchos
personajes,
sin mirar al espectador.
Destaca
su Comedor de habas-1580, hoy en la Galería Colonna
de Roma, donde se muestra una técnica
suelta-abofetada[127].
Destaca
su Crucifixión y santos-1583, hoy en la Iglesia
Santa María de la Caridad de Bolonia, donde se muestra:
-simetría
y equilibrio,
en 2 partes,
-pincelada
suelta
-sin
remates
ni interés decorativo,
-naturalidad
y novedad retratista,
-la
calavera
de Adán, y
libro a sus pies,
-pies
sucios de San
Francisco
Destaca
su Bautismo de Jesús-1584, hoy en la Iglesia San
Gregorio de Bolonia, donde se muestra:
-dinamismo,
-factura
acabada,
-preanuncio
del barroco de Barocci
Destaca
su Virgen entronizada con San Mateo-1588, hoy en la Galería
de Arte de Dresde, donde se muestra:
-influjo
veneciano, de Tiziano y Veronés,
-escorzo
de María para subir al cielo,
-gestos
teatrales en los apóstoles,
-densidad
material, que aviva lo
prodigioso,
-preanuncio
del barroco de Rubens y Da Cortona.
Destaca
su Pesca-1595, hoy en el Museo Louvre
de París, donde se muestra:
-planos
escalonados,
-ideal
pastoril bucólico, alegre y fresco,
-paisaje
rústico de 1ª importancia,
-armonía
hombre-naturaleza-animales, pero sin sentimientos,
-luz
veneciana
Destaca
su Caza-1595, hoy en el Museo Louvre
de París, donde se muestra:
-planos
escalonados,
-ideal
pastoril bucólico, alegre y fresco,
-paisaje
rústico de 1ª importancia,
-armonía
hombre-naturaleza-animales, pero sin sentimientos,
-luz
veneciana
Destaca
su Frescos en la Cúpula farnesina-1597[134],
hoy en el Palacio Farnesio de Roma[135],
donde se muestra:
-la
virtud
del mundo clásico,
-los
3 tipos de
amor: divino, contemplativo, bestial,
-lienzo
encajado en el centro del techo, junto a frescos
en sus 4 brazos,
-perspectiva,
grisalla, efecto real de una visión,
-molduras
de estuco, que compartimentan el espacio en cuadraturas
-su
Hércules en
la encrucijada
-su
Bodas de Baco
y Ariadna
Destaca
su Cristo en gloria y santos-1597, hoy en el Museo Palatino
de Roma, donde se muestra:
-los
personajes
representados[140],
-el
penitente del
centro
-el
Vaticano,
-Cristo
en la gloria, rodeado de los apóstoles Pedro y Juan,
-influencia
de Rafael y Correggio.
Destaca
su Piedad-1599, hoy en el Museo Capodimonte
de Nápoles[142],
donde se muestra:
-forma
piramidal,
-lamentación
sobre Cristo
-belleza
formal en el cuerpo de Cristo
-tragedia
clásica, con realismo
y poder emocional,
-luz
que incrementa el drama,
-influencia
de Miguel Angel y Correggio.
Destaca
su Asunción de la Virgen María-1600, hoy en la Capilla Cerasi[145]
de la Iglesia Santa María del Popolo
de Roma, donde se muestra:
-clasicismo
total, en luz, volumen, idealización,
-gestos
expresivos y heroicos,
-escorzo
y bulto redondo en figuras,
poderosas y atemperadas,
-juego
de simetría
y equilibrio,
-juego
de colores
al ser llevada María al cielo,
-contraste
total con Caravaggio
Destaca
su Huida a Egipto-1603, hoy en la Galería Doria
Pamfili de Roma[147],
donde se muestra:
-clasicismo
total,
-referencias
a la arquitectura
romana
-ausencia
de equilibrio
-centro
gravitatorio en movimiento, en torno a la Sagrada Familia,
-2
líneas diagonales, remarcadas por el río y el rebaño,
-planos
profundos, creados mediante montículos,
-fondo
en esfumato,
-irrealidad
-luz
equilibrada y natural, y juego de claros-oscuros,
-ideal
pastoril y bucólico, en armonía hombre-naturaleza,
-árboles
prototípicos
-naturaleza
heroica
-sentimientos
de melancolía
Destaca
su Autorretrato-1604, hoy en el Museo Hermitage
de San Petersburgo, donde se muestra él
a sí mismo.
b)
Discípulos de Carracci
Domenico Zampieri (Bolonia 1581-Nápoles 1641), Domenichino[158]
pintó siempre en Roma, en el Palacio Farnesio junto a Carracci, así como para
los cardenales Aldobrandini y Girolamo Agguchi, y la familia Mattei. Anoréxico
y maniático, continuó el clasicismo boloñés a través de un ideal que
hiciera real la naturaleza, anatomía, paisaje y estatuaria clásica. Destaca
su:
-Muerte
de Santa Cecilia-1612[159],
-Comunión
de San Jerónimo-1614
-Diana
y sus ninfas-1616
Guido Reni (Bolonia 1575-Bolonia 1642)
destacó por alargar las formas y buscar la belleza ideal del pathos[162],
junto a la experiencia mística religiosa. Se puso a las órdenes de Carracci en
el Palacio Farnesio de Roma. De ahí
pasó al servicio del cardenal Sfondrato, que lo introdujo en las obras
vaticanas de Pablo V. Pintó para el Palacio del cardenal Scipione Borghese,
hasta que dejó Roma por una reprimenda del cardenal Spínola[163],
desplazando su trabajo hacia las catedrales de Rávena y Bolonia. Destaca su:
-Matanza
de los inocentes-1611[164],
-Triunfo
de Sansón-1611
-Aurora-1614
-Hipomenes
y Atalanta-1619
-Rapto
de Helena-1626
Giovanni Barbieri (Ferrara 1591-Bolonia 1666), Guercino[169]
introdujo la escuela boloñesa en el pleno barroco. Trabajó para el cardenal
Serra de Ferrara, haciéndose famoso[170]
por sus efectos sutiles de luz, gestos y expresiones faciales. Ganado para la
causa por el anciano Ludovico Carracci, se peleó con Reni y marchó a Roma,
donde pintó el Casino Ludovisi y Basílica de San Crisógono, siendo invitado
por Gregorio XV para pintar en el Museo Capitolino[171].
Destaca su:
-Et
in arcadia ego-1618[172].
Francesco Albani (Bolonia 1578-Bolonia
1660) abandonó a su maestro manierista Calvaert para unirse al grupo de
Domenichino, Reni y otros que se habían sumado al proyecto de los Carracci.
Ayudó a pintar las alegorías del Palacio Farnesio
de Roma, pasando de ahí a pintar en el Palacio de los Mattei, Palacio de los
Giustiniani y Palacio del cardenal Verospi. También dejó su huella en la
Iglesia de la Paz y la Iglesia Santiago
de los Españoles. Destaca su:
-Alegoría
de las 4 estaciones-1616[173].
Giovanni Lanfranco (Parma 1582-Roma 1647)
destacó por sus cúpulas que parecían abrirse al cielo[174],
rivalizando en demanda de frescos con Domenichino. Trabó amistad con José
Ribera en Nápoles, y pintó escenas gladiadoras para el Palacio Buen
Retiro de Madrid. Destaca su:
-Auspicios
de un emperador romano-1635[175].
Hijo del arquitecto y marqués de Caravaggio, en 1592 Caravaggio dio el
salto a Roma, desnudo y sin nada del dinero hereditario materno, hasta que el
papa Clemente VIII decide llamarlo a
su servicio.
Hacia 1600, y por influencia del cardenal
Del Monte, pasó Caravaggio a pintar la Capilla Contarelli de Roma, dando paso al tenebrismo total y al más
emocional barroco, pasando a ser admirado por unos y odiado por otros. Tras lo
cual, Caravaggio vuelve a sus temáticas grotescas, de decapitaciones y
asesinatos, con un naturalismo y realismo dramático.
En 1606 mató Caravaggio a Ranuccio Tomassoni, lo que hizo que huyera de
Roma a Nápoles, y allí re-empezase de nuevo su vida pictórica. Hasta que la
ley vino en su busca[177]
y tuvo que huir a Malta, bajo la protección legal de Alof de Wignacourt,
maestre de la Orden
de Malta, que lo nombró pintor oficial de su Orden. No obstante,
también aquí armó una trifurca pública, con destrozo de una casa al
completo, y expulsión por non grato
de la Orden de Malta.
Tras verse sin nada y en la calle, recibió Caravaggio intentos de
linchamiento[178],
hasta que el papa Pablo V decide sacarlo de
la postración, que se arrepintiera profundamente de todo, y obtener un perdón
general para él. Vuelve a Roma y se pone a trabajar, hasta el final de sus días,
para la familia papal de Pablo V[179].
No mostró la belleza ideal ni los temas heroicos, renunciando a una enseñanza
pedagógica y centrándose en lo
cotidiano sin ideal alguno.
Mostró constantes contrastes
luces-sombras, eliminando así todo espacio y atmósfera. La luz
procede del exterior del cuadro, y no es una luz natural sino una vela o foco en
la oscuridad, para crear así misterio y drama.
Nunca sopesó el autorretrato, pero sí fue introduciendo elementos
personales en sus cuadros. Además, acabó permitiendo que otro
pintor lo retratara[180].
Fueron etapas
pictóricas de Caravaggio:
-formación,
de 1581 a 1592, centrada en Milán,
-juventud,
de 1592 a 1598, cuando llega a Roma
-madurez
temprana, de 1598 a 1606, cuando su personalidad ya es conocida en Roma,
-madurez
tardía, de 1606 a 1610, cuando huye de Roma y marcha al exilio.
-Sacrificio
de Isaac-1598, hoy en la Galería Johnson
de New Jersey,
-Sacrificio
de Isaac-1603, hoy en la Galería Uffizi
de Florencia,
-Judit
y Holofernes-1599, hoy en la Galería Nacional
de Arte de Roma,
-David
y Goliat-1599, hoy en el Museo del
Prado de Madrid,
-David
con cabeza de Goliat-1607, hoy en el Museo Historia
del Arte de Viena,
-David
con cabeza de Goliat-1610, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Juan
Bautista-1598, hoy en la Catedral de Toledo,
-Juan
Bautista-1604, hoy en el Museo Nelson-Atkins
de Kansas,
-Juan
Bautista-1604, hoy en la Galería Nacional
de Arte de Roma,
-Decapitación
de Juan Bautista-1608, hoy en la Iglesia San
Juan de Valletta.
Pintó
9 obras sobre Jesucristo,
como:
-Natividad-1609,
hoy en la Iglesia San Lorenzo de
Palermo,
-Adoración
de los pastores-1609, hoy en el Museo Nacional de Mesina,
-Huida
a Egipto-1597, hoy en la Galería Doria-Pamfili
de Roma,
-Ecce
Homo-1605, hoy en el Palacio Rosso
de Génova,
-Cristo
en Getsemaní-1605, hoy destruido,
-Prendimiento
de Cristo-1602, hoy en la Galería Nacional
de Dublín,
-Coronación
de espinas-1604, hoy en la Galería Cariprato
de Prato,
-Coronación
de Espinas-1607, hoy en el Museo de
Historia
del Arte de Viena,
-Entierro
de Cristo-1603, hoy en el Museo Vaticano
de Roma.
Pintó 4 obras sobre la Virgen
María, como:
-Virgen
de Loreto-1604, hoy en la Capilla Cavalletti
de la Iglesia San Agustín de Roma,
-Virgen
del Rosario-1607, hoy en el Museo de
Historia
del Arte de Viena,
-Virgen
con niño y Santa Ana-1606, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Muerte
de la Virgen-1604, hoy en Museo Louvre
de París.
Pintó 17 obras sobre los santos,
como:
-San
Mateo y el Angel-1602, hoy destruido,
-Vocación
de Mateo-1600, hoy en la Capilla Contarelli
de la Iglesia San Luis de Roma,
-Inspiración
de Mateo-1602, hoy en la Capilla Contarelli
de Iglesia San Luis de Roma,
-Martirio
de Mateo-1600, hoy en la Capilla Contarelli
de la Iglesia San Luis de Roma,
-Vocación
de Andrés y Pedro-1603, hoy en el Palacio Buckigham
de Londres,
-Resurrección
de Lázaro-1609, hoy en Museo Nacional
de Mesina,
-Incredulidad
de Santo Tomás-1602, hoy en la Galería Sanssouci
de Postdam,
-Discípulos
de Emaús-1601, hoy en la Galería Nacional de Londres,
-Crucifixión
de Pedro-1601, hoy en la Capilla Cerasi
de Iglesia Sta.MªPopolo de Roma,
-Conversión
de San Pablo-1600, hoy en la Galería Odescalchi-Balbi
de Roma,
-Magdalena
penitente-1597, hoy en la Galería Doria-Pamfili
de Roma,
-Marta
y María-1598, hoy en el Museo de
Arte de Detroit,
-Santa
Catalina de Alejandría-1598, hoy en el Museo Thyssen
de Madrid,
-San
Jerónimo en meditación-1605, hoy en la Abadía Montserrat
de Barcelona,
-San
Jerónimo escribiendo-1605, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Extasis
de San Francisco-1595, hoy en el Ateneo Wadsworth
de Hartford,
-Meditación
de San Francisco-1595, hoy en Palacio Barberini
de Roma.
Pintó
4 obras de retratos,
como:
-Retrato
de Cortesana-1597, hoy destruido,
-Maffeo
Barberini-1598, hoy en manos privadas,
-Retrato
de Pablo V-1605, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Retrato
de Alof de Wignacourt-1607, hoy en el Museo Louvre
de París.
Pintó
9 obras cotidianas[182],
como:
-Muchacho
cogiendo fruta-1592, hoy en la Galería Longhi
de Florencia,
-Muchacho
con cesto de frutas-1593, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Muchacho
mordido por lagartija-1596, hoy en la Galería Nacional de
Londres,
-Muchacho
con Cordero-1602, hoy en el Museo Capitolino
de Roma,
-Buenaventura-1594,
hoy en el Museo Capitolino de Roma,
-Jugadores
de cartas-1594, hoy en el Museo Kimbell
de Texas,
-Músicos-1595,
hoy en el Museo Metropolitano de New
York,
-Tañedor
de laud-1596, hoy en el Museo Hermitage
de San Petersburgo,
-Canasta
de frutas-1599, hoy en la Biblioteca Ambrosiana
de Milán.
Pintó 8 obras sobre mitología[183],
como:
-Baco
enfermo-1593, hoy en la Galería Borghese
de Roma,
-Baco-1596
-Cabeza
de Medusa-1597
-Júpiter,
Neptuno y Plutón-1597, hoy en la Galería Ludovisi
de Roma,
-Narciso-1599,
hoy en la Galería Nacional de Arte de
Roma,
-Amor
victorioso-1602, hoy en la Galería de
Arte de Berlín,
-7
Obras de Misericordia-1607, hoy en el Museo Capodimonte
de Nápoles,
-Cupido
dormido-1608, hoy en el Museo de
Arte de Indianapolis.
d)
Discípulos de Caravaggio
Caravaggio no creó ningún taller artístico, ni tuvo colaboradores ni
le surgieron discípulos estrictos. Tuvo amigos, pero no círculo ni escuela
forjada.
No obstante, su trabajo a la prima renovación pictórico atrajo a
numerosos seguidores, incluidos varios discípulos de su oponente Carracci, y
lejos de Italia también. Es lo que nos narra Julio Mancini, médico de Urbano
VIII, en su Considerazioni sulla Pittura-1630.
Bartolomeo Manfredi (Cremona 1582-Roma 1622)
fue seguidor de Caravaggio desde 1603 y sus enfrentamientos con Baglione,
emulando sus claros-oscuros, insistencia naturalista, pintura de género y
lenguaje corporal de los personajes. Compuso pinturas de caballete para
privados, e introdujo en el caravaggismo a pintores venidos de Francia y
Flandes. Destaca
su:
-Paliza
de Marte a Cupido-1607[186],
pista sobre un Caravaggio perdido[187].
Carlo Saraceni (Venecia 1570-Venecia
1620) trabajó en la Academia San Lucas
de Roma desde 1607, destacando por sus paisajes densamente boscosos, figuras
monumentales[188],
naturalismo extremo, así como por sus vestuarios franceses y cuadros-joya pequeños.
Repitió varios cuadros religiosos de Caravaggio, que el clero romano rechazaba
sistemáticamente. Destaca su:
-Martirio
de San Lamberto-1608[189],
-Virgen
con niño y Santa Ana-1610
Orazio Borgiani (Roma 1575-Roma 1616)
transportó a España el fenómeno caravaggista, influyendo en Velázquez y
Tristán. Destacó por su conocimiento de las ruinas romanas y murales vaticanos
de Rafael, así como por sus paños escultóricos y paleta tostada. Destaca su:
-San
Cristobal-1600[191],
-Sagrada
Familia-1615
Bartolomeo Cavarozzi (Viterbo 1590-Roma 1625) trabajó casi siempre en España, al
servicio del cardenal Zapata y de las obras de los Crescenzi en El Escorial, e
influyendo en Zurbarán. Supo dotar al tenebrismo de elegancia e idealización,
así como utilizar unos efectos de luz extremos Destaca su:
-San
Jerónimo y 2 ángeles-1617[193],
-Desposorios
de Santa Catalina-1618
Giovanni Serodine
(Ascona 1600-Roma 1631) trabajó para la rica familia de los Mattei, y
fue caso aparte por su libertad impresionista, aparte de su brillantez cromática,
pincelada desecha y gran empaste, dentro del tenebrismo. Destaca su:
-Santa
Margarita resucita a un joven-1620[195],
-Jesús
entre doctores-1625
-Despedida
de Pedro y Pablo ante el martirio-1625
Orazio Gentileschi (Pisa 1563-Londres
1639) cambió su manierismo por el sistema caravaggista que contempló en Roma,
sintetizando un estilo convencional, elegante, sin defectos físicos y sí ricos
vestidos. Exportó el caravaggismo a España[198],
Génova, París[199],
Corte de Carlos I en Londres y su propia hija[200].
Destaca su:
-Anunciación-1623[201],
-Moisés
sacado de las aguas-1630
Pietro
Berettini (Cortona 1596-Roma 1669), Cortona fue pintor barroco italiano que
destacó por sus frescos
decorativos en techos y pintura
de caballete. Aprendió en el taller florentino del manierista Andrea
Commodi, a quien decide dejar para crear su estilo
propio, con cierta mirada puesta en el clasicismo boloñés.
Trabajó al servicio de la familia Saccetti en su Villa de Pigneto, y de
la familia Mattei en su Palacio de Roma. Aquí conoce a Cassiano del Pozo, que
lo introduce al cardenal Barberini. Empieza a pintar, por influjo cardenalicio,
la Iglesia Santa Bibiana de Roma y su propio Palacio Barberini de Roma, aunque sigue haciendo escapadas a Florencia para
pintar el Palacio Pitti.
Destaca su:
-Rapto
de las Sabinas-1627[203],
hoy en el Museo Capitolino de Roma,
-Triunfo
de la Providencia-1633
-Adoración
del Nombre de Jesús-1679[205].
Andrea del Pozzo
(Trento 1642-Viena 1709) inventó los efectos especiales en su Perspectiva
pictorum-1693, dejando incluso atrás los escenarios ilusionistas y diseños
ópticos sorprendentes. Como sacerdote jesuita, trabajó para las iglesias de su
Orden, así como para el Palacio de Liechtenstein y otros edificios
centroeuropeos. Destaca su:
-Alegoría
de la misión de los jesuitas-1691[206].
g)
Rubens
Pedro
Pablo Rubens (Siegen 1577-Amberes 1640) fue pintor barroco flamenco, aparte de embajador
de España e Iglesia Católica ante diversas sedes europeas[207].
Exiliado en su infancia a Alemania por su índole
calvinista, regresó a su Amberes natal a los 16 años, convertido al
catolicismo y poniéndose en manos de sus maestros Van Noort y Van Veen. Durero
fue su modelo a copiar, y pronto marchó a Italia para perfeccionar su estilo.
En
sus viajes
por Italia trabajó para los Gonzaga de Mantua, la marquesa Spinola-Doria de Génova
y el cardenal Montaldo en la Iglesia Santa
María in Vallicella de Roma. En España trabajó para el duque de Lerma y
Corte de Valladolid. En Francia para la reina regente María de Médicis y su
Palacio Luxemburgo de París. Y a su
vuelta a Amberes, se casó
con Isabella Brant y se dedicó a la composición pictórica total[208].
Su taller de Amberes contó con un
equipo de artistas que componían cada cuadro en común[209],
siendo Rubens su supervisor y el impulsor del colorido de Veronés, movimiento y
vitalidad carnal de Miguel Angel[210],
sensualidad femenina de Rafael.
A nivel histórico, España siguió
controlando desde 1495[211]
a 1713[212]
las 17 provincias de los Países Bajos, bajo un enfoque
artístico:
-de
ímpetu católico y anti-protestante,
-de
fuerte temática guerrera, religiosa y retratista,
-de
preciosismo de detalles materiales.
-total
influencia
de Tiziano,
-iconografía
clásica
-el
hambre y plaga,
en los monstruos,
-rotura
de la paz, en el instrumento roto de la mujer,
-consecuencia
de la guerra, en la mujer con niño huyendo,
-las
3 gracias,
pintadas en un libro bajo Marte,
-Europa,
vestida de luto y coronada con una ciudad.
Jacob Jordaens (Amberes 1593-Amberes
1678) muestra el polo opuesto a Van Dyck, resaltando la bajeza y embriaguez de
la vida cotidiana, y negándose a viajar a Italia para aprender estilo italiano.
-Anatomía
del Dr. Tulp-1632[218],
-La
Ronda de noche-1642
-Autorretrato-1659
Frans Hals (Amberes 1580-Haarlem 1666)
se inclina también por los temas burgueses, plantando en pleno Utrecht el más
puro caravaggismo. Destaca su:
-Patronato
del Orfanato-1664[221].
Jacob van Ruisdael
(Haarlem 1628-Amsterdam 1682) muestra paisajes que tienden a ser realistas, con
2/3 de cielo y 1/3 de elementos terrenos. Desaparece el hombre como centro de la
escena, el centro geométrico de composición y la arcadia pastoril feliz, para
mostrarse las nubes, tierra ganada al mar y gente trabajando… tal cual son[222].
Destaca su:
-Campos
de trigo-1670[223].
Aelbert Cuyp (Amsterdam 1620-Amsterdam
1691) muestra paisajes de vacas, con cierto mensaje heroico del hombre adaptado
al entorno. Idealiza, así, la vida del campo, mostrando la arcadia feliz del
pastorcito. Destaca su:
-Escena
de mujer ordeñando-1646[224].
Pieter Claesz (Burgsteinfurt 1597-Amsterdam
1660) muestra los bodegones holandeses, lo idílico del festín, pasteles
decorados con vajilla, espejos y aves. Es la cima de la vida burguesa, pintada
como pura vanitas y siempre con la fiesta recién terminada. Destaca su:
-Vida
turca-1627[225].
Advertido en su infancia de su tendencia artística, Poussin fue enviado
a París
para especializarse bajo George Allemand. Allí obtuvo seguidores poussinistas
que se opusieron a la corriente rubenista. Y conoció a Marini, pintor de corte
de la reina María de Médicis, que le entregó en matrimonio a su prima Ana María
y le abrió las puertas de Roma.
En Roma pasó la mayor parte de su
vida[227],
aprendiendo el equilibrio y clasicismo de Rafael, y trabajando sin descanso para
el cardenal Barberini, el cardenal Omodei y la familia Giustiniani.
Su
estilo es claro, lógico y ordenado. Su temática
fue religiosa y mitológica, siempre con valores morales, y siempre esquivando
los temas bajos y la muerte. Y dio al paisaje el protagonismo total, haciéndolo
heroico y trascendente, y que el hombre se adaptara constantemente a él.
Destaca
su Et in arcadia ego-1627 y
1637, hoy en el Museo Louvre de
París, donde se muestra:
-epigrafía
que están leyendo los personajes,
-paisaje
idílico,
-línea
de horizonte en el centro,
-1/2
de cielo y
1/2 de tierra.
Manuel
Arnaldos
Mercabá,
diócesis de Cartagena-Murcia
más
información 
Diccionario
Mercabá de Arte
Indice
general de Enciclopedia Mercabá de Historia
__________
[1]
Que había prohibido las imágenes y el arte, provocando auténticas
revoluciones iconoclastas en el norte europeo e Inglaterra, en sus 3
momentos
estelares de:
-1522,
donde la 7 obras de misericordia
fue rayada ex-profeso,
-1566,
cuando empezó a restaurarse toda obra religiosa con caras difusas,
-1581,
donde las paredes protestantes pasaron a quedarse vacías y mudas.
[2]
1545-63, y uno de los grandes Concilios de la historia, donde la Iglesia se
posicionó respecto a la Reforma luterana, revisó todos los estudios
humanísticos
y artísticos eclesiales, impulsó la contrarreforma cultural, y puso los
medios para el mayor de los florecimientos espirituales y
misionales de la
historia.
[3]
Encabezadas por las directrices del arzobispo de Milán, CARLOS BORROMEO,
que fue publicando en numerosas obras de índole artística.
[4]
Imperado por el De Nitore et Munditia
Ecclesiarum-1584 de CARLOS BORROMEO, auténtico primer compendio de la
historia del Arte orientado a
la restauración artística.
[5]
De los PP. Jesuitas, animadores y universalizadores del movimiento artístico
de Trento, haciendo que:
-el
público llano no sintiera temor al arte ni a la Iglesia,
-el
arte fuese más accesible a la población,
-se
potenciara artísticamente el halago de las emociones.
[6]
Como también denunciaron:
-GIOVANNI
GILIO DA FABRIANO, en su Diálogo de
los errores pictóricos-1564, donde condena que los pintores giraban
cabezas y piernas para hacerlas insuperables, sin pensar en la devoción;
-GABRIELE
PALEOTTI, en su Discurso sobre las imágenes-1582,
donde condena la oscuridad veneciana y dejar a los objetos secundarios como
mudos.
[7]
Los cardenales BORROMEO (Milán 1538-Milán 1584) y PALEOTTI (Bolonia 1522-Bolonia 1597) añadieron el consejo particular de
evitar la indecencia no sólo en las iglesias y arte religioso, sino en las
casas privadas y arte de cualquier estilo. Consejo que adoptó en 1598 la
Academia San Lucas de Roma, al
exhortar a todos sus académicos a pintar “temas decentes y dignos de
elogio”.
[8]
Estudios que vieron la luz con las Instructiones Fabricae et Supellectilis Ecclesiasticae-1572 de CARLOS
BORROMEO.
[9]
Destacando las temáticas de:
-éxtasis
de santos, en su transverberación, martirio…
-administración
de sacramentos
-ángel
de la guarda y cielo en la tierra…
[10]
Como propuso la línea teológica impulsada por FRANCESCO GUAZZO (Milán
1525-Milán 1609), sacerdote que en su Compendium Maleficarum
había destapado hasta 11 fórmulas satánicas
llevadas a cabo por brujas de la época, las participaciones sexuales de súcubos-hombres
e íncubos-mujeres y las ceremonias aquelarre que se
habían puesto de moda.
[11]
Entre las que destacaron:
-la
Compañía de Jesús de SAN IGNACIO DE LOYOLA, con su Iglesia Gesu de Roma-1568,
-el
Oratorio de SAN FELIPE NERI, con su Iglesia Santa
María Vallicella de Roma-1577,
-los
teatinos de SAN CAYETANO DE THIENE, y su Iglesia Sant Andrea della Valle de Roma-1590,
-los
borromianos de SAN CARLOS BORROMEO, y su Iglesia San Carlo al Corso de Roma-1610…
[12]
Siendo el año 1622 el cénit del Barroco eclesial, cuando la mayoría de
santos del s. XVI fueron canonizados al unísono (SANTA TERESA DE JESUS, SAN
JUAN DE LA CRUZ…).
[13]
En la que el pontífice trató de dar solución a la vieja y medieval
urbanización de la ciudad petrina, con desniveles callejeros, edificios
derrumbados, restos arqueológicos en peligro de expoliación…
Fue entonces cuando
el papa SIXTO V (1585-1590) llevó a cabo el imperial
proyecto de urbanizar al completo la ciudad de Roma, girada en torno al
primado petrino, y dándole la grandiosidad de antaño a todos los lugares
paleocristianos (trabajos soterráneos relatados por GIACOMO BOSSIO en
1638).
[14]
Donde se forjaron ZUCCARO, MUCIANO, DE NEBIA…
[15]
Pintores de anecdotillas bajas de la calle, que desembarcaron en Roma cuando
tuvo lugar el auge del papa SIXTO V, y empezaron a ganarse la vida
en la calle con
pinturas de pequeño tamaño.
Fundaron
la banda de los Bent
Vueghels (lit. Pájaros)
para protestar contra los impuestos del papa, con pinturas reaccionarias y
llenas de inmoralidades en las paredes de Roma (lo que hizo que se les
expulsase de Roma, o que acabasen pagando los impuestos)
Se trató del estilo artístico surgido del holandés PIETER JACOBS
VAN LAER, conocido como Il Bamboccio (lit. figura coja), durante su estancia en Roma.
Fue un arte bambochante
anti-sistema, de luz dirigida, no natural,
callejera, tabernera, con sensación de naturalidad. Representó el campo
paccino (de vacas dentro del foro romano).
[16]
Como el marqués LICENCIO GIUSTINIANI, el cardenal FRANCESCO DEL MONTE
(mecenas de CARAVAGGIO), el cardenal PIETRO ALDOBRANDINI (mecenas de CARRACCI),
los FARNESIO…
[17]
Donde se afirma que “empezó a aparecer como distinto e inferior al arte
renacentista, a lo salvaje, sin orden y sin filiación directa con el
renacimiento”.
[18]
Afirmando que “si el renacimiento persigue la línea, el barroco persigue
el color; si el 1º busca lo plano, el 2º la profundidad; si el 1º busca
la forma cerrada y unidad, el 2º la forma abierta y pluralidad; si el 1º
busca la claridad absoluta, el 2º la claridad relativa”.
[19]
Como los caravaggistas franceses, los caravaggistas holandeses…
[20]
Flores, comidas…
[21]
Escenas callejeras, llenas de pícaros, que fueron pintando los bambochantes
de Roma.
[22]
Relación y armonía total entre el hombre y la naturaleza.
[23]
Mares, ciudades inventadas, momentos pastoriles… Tanto a nivel de:
-paisajes
italianos, como empezó a plasmar PAUL BRILL (1554-1626),
-paisajes
franceses, como empezó a plasmar CLAUDE DE LORENA (1600-1682).
[24]
Con gran relación con los sacerdotes jesuitas, y con una religiosidad
girada en torno a la Imitación de
Cristo de TOMAS DE KEMPIS.
[25]
A la muerte del anterior director de obras vaticanas, CARLO MADERNO.
Trabajos
vaticanos que dirigirá durante 50 años, de la mano de 5 papas distintos
(con la excepción por poco tiempo del papa INOCENCIO X, que a la muerte del
papa URBANO
VIII despidió a toda la Corte predecesora, incluido BERNINI).
[26] Como fue el caso de la Corte francesa de LUIS XIV DE FRANCIA, donde el ministro COLBERT se empeñó y convenció al papa para que dejase recalar por breve tiempo al genio mundial en la capital parisina (trabajando en el Museo Louvre de París y Palacio de Versalles).
[27]
Que habían sido descubiertos en las excavaciones vaticanas (sobre una necrópolis
subterránea del Vaticano, encima de la cual y, exactamente,
se conservaba
la Catacumba del Apóstol San Pedro).
Se trataba de una Catacumba de
San Pedro llena de altarcitos con todos
los mártires que habían ido muriendo en el Imperio romano, y que el
emperador CONSTANTINO decidió enterrar allí (justo en el sitio donde luego
levantó, en planta superior, la 1ª Basílica Vaticana-326, o Basílica
Constantiniana, de 30 años de construcción).
Se
trataba de unas grutas vaticanas amplias, con espacio suficiente para que se
empezaran a enterrar allí a todos los papas (265 hoy día) de la historia.
[28]
En bronce dorado, sobre 4 bases y dando a una cornisa. Se inspiraban en unas
columnas traídas de Jerusalén por el emperador CONSTANTINO, y que
habían sido puestas
en la Vieja Basílica de San Pedro del Vaticano. Encima de cada columna hay
un ángel de casi 4 m. altura.
[29]
Estructura cuadrada fija que antes se ponía encima del altar, a forma de
templete.
[30]
Ciclo de la Veracruz que decoraba los 4 pilares de la cúpula de MIGUEL
ANGEL.
[31]
De San Andrés, encargada por BERNINI a FRANCESCO DUQUESNOY.
[32]
De Longinos, realizada por el propio BERNINI.
[33]
De la Verónica, encargada por BERNINI a FRANCESCO MOCHI.
[34]
Sobre la vieja Plaza Reta del
Vaticano, que se había quedado pequeña y cuadrada respecto a la nueva y
longitudinal fachada principal del
Vaticano.
[35]
CARLO MADERNO (Capolago 1556-Roma 1629), que ganó en el Concurso-1605
abierto por el papa PABLO V para la Nueva Basílica San
Pedro del Vaticano, mediante un proyecto consistente en transformar:
-el
proyecto de MIGUEL ANGEL de planta de cruz griega, centralizada,
La
solución de MADERNO consistía en un compromiso que:
-no
alterara la cúpula de Miguel Angel (dominante en la Basílica, y
organizadora del espacio),
-permitía
el levantamiento de una fachada monumental (en la medida de lo posible
longitudinal).
Fachada del Vaticano que fue el molde ampliado que CARLO MADERNO ya
había ensayado en su Iglesia Santa
Susana de Roma-1603 (de columnas en el 1º piso, pilares en el 2º piso,
vanos y volutas en total dinamismo, que provocó un shock en su inauguración).
[36]
“Para abrazar a los católicos, reunir a los herejes e iluminar a
los agnósticos”, decía el mismo BERNINI.
[37]
Viniendo a la Basílica desde el Río Tíber, a los que BERNINI unió
mediante la Vía de la Conciliación.
[38]
Teniendo que renunciar a una entrada más pequeña que hubiera dado el
efecto sorpresa de encontrarse con la plaza y fachada vaticana de
sopetón.
[39]
Con techumbres entre las 4 filas de columnas.
[40]
Sobre las que se sitúan las esculturas monumentales de santos.
[41]
Adosando columnas y bajando el techo.
[42]
Como la de 90º que da a la estatua del emperador CONSTANTINO.
[43]
Donde dejó boquiabiertos a todos por sus diversos puntos de vista.
[44]
Con introspección psicológica del personaje, haciéndolo cercano e
íntimo. Se trata de un monumento funerario que esculpe la cara del
difunto,
a forma de escultura que sale del nicho.
[45]
Que arrastra hacia el hades inferior a los personajes, e
inventa una nueva técnica del mármol moldeable (1ª vez en la historia
donde se hace dúctil al mármol).
[46] Sobre la Metamorfosis de OVIDIO. Muestra a Dafne convertida en laurel, con su carne convertida en tronco, ramas y hojas (de forma progresiva, a los ojos del espectador). Inventa la visión dual escultor-espectador, para que el espectador participe en la escena, y en ella involucre su corazón. De realismo alucinante, se trata de un desafío escultórico realizado a la pintura y poesía, a nivel de competir en máximos grados de convincencia.
[47] Que rompe con el estaticismo renacentista de BERROCCHIO y DONATELLO. Muestra concentración, jovialidad, y el empuje del lanzamiento.
[48]
Que afirma la fe pura, la
emoción sublime. Supuso la consagración a todos los trabajos arqueológicos
que se estaban descubriendo sobre la santa.
[49]
Que consigue hacer natural su sonrisa en los labios, dar inmediatez
mediante el botón de la sotana descosido… y romper el idealismo
clasicista clerical.
[50]
Que consigue hacer carne a la
piedra, dar inmediatez mediante el botón de la blusa desabrochado… y
representar el rostro de su secreta amante romana.
[51]
Alegoría desnuda y sin tapujos.
[52]
Que muestra la flecha en su corazón, y la gran devoción de la
familia CORNARO hacia la santa. Complejo arquitectónico, escultórico y
pictórico que también añade:
-retablos
de piedra,
-columnas
salientes,
-balcones
con casetones y esculturas asomándose por el balcón,
-combinación
de color en los mármoles,
-función
expresiva de los paños,
-ángel
sonriente.
[53] Ultimo encargo fuera del Vaticano, sobre un obelisco egipcio que
BERNINI deja como flotando en el aire. Con tamaños de 3 veces el natural.
[54]
Detrás del Baldaquino, con un único
foco de luz en la paloma del Espíritu Santo (que da sobre la cátedra del
sucesor de San Pedro). Incluye la figura de los Padres de la Iglesia.
[55]
De ahí su futura enemistad hacia BERNINI, gran capataz y máximo jefe artístico
de la ciudad de Roma.
[56]
La 1ª vez que se produce en la historia del Arte.
[57]
Perspectiva ficticia.
[58]
De los Padres Trinitarios descalzos, establecidos en Roma en 1611, y que
empezaron a levantar en Roma la Iglesia más representativa de su Orden. Se
trataba de aprovechar un espacio reducido, que daba a la esquina de una
calle.
[59]
Integrada por: 1 cruz + 1 octógono + 1 óvalo, en una unidad indivisible.
[60]
Con 3 vanos, columnas, paredes y columnitas.
[61]
Destacando:
-en
el 1º nivel, 16 columnas monumentales, que dividen irregularmente el
espacio,
-en
el 2º nivel, entablamento de curvas-contracurvas, y pechinas con
medallones,
-en
el 3º nivel, cúpula a la manera lombarda (sin tambor, inmaterial, y
como suspendida en el aire).
[62]
Al igual que poseía la Catedral de Milán, en la que él trabajó.
[63]
No con la típica piedra travertina (amarillenta, caliza y porosa, típica
en la zona de Roma).
[64]
Sede de la universidad romana, cuyo patio había levantado JACOPPO DELLA
PORTA, y cuyo Patrón de Derecho (Sant Ivo) presidía el centro estudiantil.
[65]
Símbolo de la sabiduría salomónica.
[66]
Como los de “el temor de Dios, inicio de la Sabiduría”.
[67]
Provocados por unas planchas de acero que recibían la luz que bajaba de las
ventanas de la bóveda (a imitación de BERNINI).
[68]
Que daban movimiento a las paredes, hornacinas, balaustradas...
[69]
Años con los que empezó a trabajar para el duque FILIBERTO DE SABOYA.
[70]
Mediante grandes avenidas que posibilitaran la disolución de motines,
lugares de guarnición en puntos estratégicos de la ciudad, y hasta las
plazas fuertes que rodeaban a todo palacio real en el interior de la ciudad.
Fue
el momento en que los Tratados de fortificación dejaron ya de planificar
murallas defensivas hacia el exterior, para ceñirse a la experiencia de
contiendas internas ciudadanas. Se abandonaron los modelos cuatrocentistas,
e incluso se destrozaron casi todos los núcleos medievales de las
principales capitales europeas. Además, las murallas impedían muchas veces
el crecimiento gigantesco de la ciudad, y la llegada masiva de ciudadanos a
la capital.
[71] Ya ENRIQUE IV DE FRANCIA había ejecutado una reforma del aparato burocrático parisino, como medio para reconvertir las grandes fortunas privadas y salir así de la crisis económica que se estaba viviendo. Esto potenció la aparición de nuevos barrios y un fuerte movimiento especulativo, pero desahogó a una población que pasó a duplicarse en pocos años.
[72]
Como los presentados por:
-HOOK,
y sus planos en forma de damero,
-EVELYN,
y sus planos de planta jardín y alrededores transversales,
-WREN,
y sus planos de grandes avenidas radiales, entre plaza y plaza
radiocéntrica,
-MANSART,
y sus planos de grandes avenidas desde un arco triunfal.
[73]
Salvo en Inglaterra, donde se constituyeron las plazas en torno a los
centros de poder económicos.
[74]
Salvo en Francia, donde una estatua del rey debía presidir la plaza. Lo que
hizo que en todas las ciudades francesas surgiese un gran espíritu
nacional.
[75]
Salvo en España, donde la Plaza
Mayor de Madrid se desarrolló con total
independencia al resto de Europa, a especie de combinar la plaza regular
italiana con la plaza cívica flamenca. Y es que la Plaza española acabó
convirtiéndose en un centro de mercado, reuniones y convivencia cívica.
[76]
Con unas características esencialmente del clásico barroco:
-perspectiva
monumental,
-línea
recta,
-uniformidad
de proyecto y realización.
[77]
Que servían para las entradas oficiales del rey en cada una de sus visitas
a las ciudades y villas de su nación.
No
obstante, también tuvieron el componente psicológico de:
-hacer
patentes los privilegios y concesiones del rey a la ciudad,
-hacer
ver al nuevo rey llegado la franquicia ciudadana que debía respetar,
-inculcar
a los súbditos ciudadanos una serie de modelos morales, por medio de la
mitología y recuerdos de la historia.
[78]
De gran clasicismo en los:
-elementos
decorativos y recursos escenográficos,
-continuidad
interior-exterior,
-núcleos
arquitectónicos secundarios, a forma de alas adosadas,
-extensiones
limitadas, en torno a límites formados por círculos.
Y
es que fue en Italia donde surgieron las tendencias renovadoras, y porque
los más destacados artistas del mundo eran italianos.
[79] Que envió a VELAZQUEZ a Italia para comprar masivamente obras de arte.
[80]
Que compró masivamente obras de arte veneciano, aparte de intentar atraer a
Londres a los artistas italianos.
[81]
Que envió a sus arquitectos a Italia para perfeccionar su arte.
[82]
Que intentó reformar París sin recurrir a los modelos italianos, pero que
acabó viendo todo el influjo italiano metido en su fundacional Escuela de
Fointenebleau.
[83]
Que llevó directamente al Vaticano a los mejores artistas italianos:
BERNINI, BORROMINI, CORTONA, POUSSIN, GUERZINO…
[84]
Jardín con total independencia respecto al palacio real, y en el que se
incluían elementos sorpresivos y autónomos.
[85]
Frente a la perspectiva italiana de BERNINI, que carecía de punto de vista
único.
[86]
En esculturas, arquitecturas, jardines, apartamentos del rey, patio de
honor…
[87] Como en los palacios reales de Munich, Postdam, Würzburg, Viena.
[88]
Al contrario que en Francia, donde LUIS XIV DE FRANCIA se vanagloriaba del
acceso fácil y libre de los súbditos a la Corona.
[89]
Que debía manifestar la grandeza de la capital, como nueva Roma que cobija
al rey, como nueva Roma deseada y planificada por el rey.
[90]
Encargadas adornar a artistas cotizados, dada la importancia que
suponía en la vida cortesana. De ahí que acabasen estas fiestas en auténticos
teatros de realidad, ficción, escenografías…
[91]
En torno al cual giran sus astros menores Venus, Diana, Mercurio, Marte y
Apolo.
No obstante, se trata de una iconografía que no pasa del campo metafórico,
sin dar el paso a la divinización real. Eso sí, al igual que el Sol, los
efectos del rey son beneficiosos, su presencia es inmediata, y su muerte
significa el ocaso y oscuridad.
[92]
Diferenciado del resto de los mortales, como figura superior al resto
de sus súbditos.
[93]
Cuya hermosura del cuerpo es un requisito previo para que creciera en ella
la virtud, y para que pudiera mover las voluntades y fidelidades a su
persona.
[94]
Mediante la técnica del parecido, en fidelidad escrupulosa al modelo, pero
con las posibilidades de:
-dotar
al rey de actitudes elegantes,
-resaltar
los atributos del rey.
[95]
Como eran:
-la
mesa, de la justicia,
-el
trono, del gobierno,
-el
espejo, de la prudencia,
-la
corona sobre la mesa,
-el
cortinaje y la columna.
[96]
Aunque el comercio de retratos ecuestres quedó restringido al ámbito de la
nobleza
[97]
Pues Francia había quedado empobrecida económica y cultural como
consecuencia de guerras in-interrumpidas durante 40 años. Y esto había que
levantarlo.
[98]
En torno a sus terrazas, fuentes, casinos y grutas.
[99]
En torno a sus parterres.
[100]
Salvo en el caso del Palacio de Versalles, donde se convierte la primitiva residencia de
recreo en la sede del aparato de gobierno francés.
[101]
Francés por excelencia.
[102]
Pues el jardín barroco no tuvo la finalidad de recreo, paseo, galantería o
descanso renacentista, ni tampoco la de lugar de reuniones académicas. Tuvo
la finalidad de grandes fiestas propagandísticas de la monarquía, aparte
de aportar una visión ostentosa de la realeza.
[103]
Biografiado por:
-JULIO
MANCINI, médico del papa URBANO VIII, en su Considerazioni
sulla Pittura-1630,
-GIOVANNI
PIETRO BELLORI en su Vite de Pittori, escultori et architeti moderni-1672,
[104]
Al que algunos apodaban como el “Anticristo del Arte”.
[105]
Auténtica joya del Barroco, donde CARRACCI pintó el techo del Camerino con
las historias de Hércules, a instancias del cardenal ODOARDO FARNESIO, y con
la inspiración que le produjo la Capilla Sixtina del Vaticano de MIGUEL ANGEL.
[106]
Cuyos murales se conservan hoy en el Museo del Prado de Madrid.
[107]
Por influjo de VINCENZO CAMPI (Cremona 1536-Cremona 1591), que en su Vendedora
de frutas-1580, de gran impronta sexual moralizante, introdujo en Italia
las escenas de cocina flamenca del s. XVI, con gran interés natural por las
gallineras, pescaderas…
Influjo de CAMPI que llegó a los CARRACCI a través de PASSAROTTI, a
nivel de empezar a caricaturizar bodegones y personajes.
Escenas de mercado que ya habían empezado a sucederse en Flandes,
por obra de PIETER AERTSEN (Amsterdam-1508-Amsterdam 1575) en su Bodegón
con la huida a Egipto-1560 (con la cabeza de vaca cortada y mirando al
espectador).
[108]
De las que fue su inventor, con humor incorporado y un bloc de notas sobre
personajes.
[109]
Con autonomía propia, a forma de weltlandschaft-vista de pájaro sobre el mundo.
[110]
Lit. de país, de pintar un país.
[111]
Cuando ANNIBALE y su hermano AGOSTINO deciden ir a conocer Roma.
Donde estudian la Capilla
Sixtina del Vaticano, la estatuaria clásica, las Stanzas
vaticanas de RAFAEL, las loggias-pasillos
vaticanos, el tardo-manierismo romano, los restos arqueológicos…
[112]
Por invitación expresa de ODOARDO FARNESIO (hijo del gran ALEJANDRO
FARNESIO, y cardenal con 20 años y grandes proyectos políticos), que
decide alojarlo en su propio palacio personal (con manutención incluida),
pidiéndole a cambio que decorase su estudio (donde los Farnesio guardan su Toro
farnesio y Hércules Farnesio).
[113]
LUDOVICO CARRACCI (1555-1619), que ejerció las tareas directivas de
la Academia, convocando concursos, premios…
[114]
AGOSTINO CARRACCI (1557-1602), que asumió las especialidades de
arquitectura y escultura. Y que compuso una Teoría
del Arte, poesía y música para dar intelectualidad a la Academia. Era
el más extrovertido de los tres.
[115]
ANNIBALE CARRACCI (1560-1609), que asumió las especialidades de
pintura. Era el más introvertido y perfeccionista.
[116]
Nivel 1º de estudios en la carrera de Arte. Pues de ese 1º grado de
los Desirosi se pasaba al 2º
grado de los Estudiosi, y al 3º
grado de los Utili.
[117]
A forma de progresistas.
[118]
Encarnado en CAMILO PROCACCINI (Bolonia 1551-Milán 1629), PROSPERO FONTANA
(Bolonia 1512-Bolonia 1597), DENIS CALVAERT (Brujas 1540-Bolonia 1619),
BARTOLOMEO PASSAROTTI (Bolonia 1529-Bolonia 1592) y BARTOLOMEO CESI (Bolonia
1556-Bolonia 1629).
[119]
Junto al aprendizaje de las obras de RAFAEL SANZIO.
[120]
Algo muy distinto a lo que es el tenebrismo.
[121]
Con moldes de escayola, esqueletos y copias de esculturas que sirvieron de
modelos reales.
[122]
Como nueva manera de entender el momento presente (a nivel religioso, artístico…).
Pero siempre tendiendo a una fe sencilla.
[123]
Mediante lo verosímil.
[124] Distinta a la Carnicería-1580 del Museo Kimbell de Texas (donde uno de los 2 carniceros está mirando de frente al espectador).
[125]
Con total paralelismo con el Sacrificio de Noé de RAFAEL, que CARRACCI pudo haber contemplado en
las estancias vaticanas (y donde un chico joven mataba un carnero).
[126]
Destripando totalmente la vaca (como él había aprendido en la carnicería
de su padre).
[127]
Mostradora del instante (en este caso las migas de pan).
[128]
Sin remate en la capa pictórica.
[129]
Espontaneidad abofetada que significa no estar acabada.
[130]
Flanqueado por 3 figuras a la izquierda, y 3 figuras a la derecha. Donde un
santo (el que sólo muestra la cabeza) recibe un insólito rayo de luz.
[131]
FEDERICO BAROCCI (Urbino 1535-Urbino 1612), de Barroco ya total, en
color, luz, volúmenes a través del color, filosofía tridentina, esfumatos…
y que casi siempre trabajó en la Iglesia Santa María Supraminerva de Roma.
[132]
Pues CARRACCI viajó a Venecia en 1587, donde conoció a TIZIANO y resto de
venecianos.
[133]
Pues CARRACCI viajó a Venecia en 1587, donde conoció a TIZIANO y resto de
venecianos.
[134]
Cuya temática fue seleccionada por FULVIO ORSINI (bibliotecario de los
FARNESIO) y GIOVANNI BATTISTA AGUCCHI (secretario del cardenal ALDOBRANDINI,
futuro papa CLEMENTE VIII), decantándose por la virtud clásica y los 3 tipos de
amor (a través de los dioses del Olimpo).
[135]
Palacio iniciado por ANTONIO DA SANGALLO en 1514, y dado por terminado por
GIACOMO DELLA PORTA en 1589.
Y
cuyo Camerino consistía en una pequeña Stanza, de reducidas dimensiones y con un marco gigante y fingido en
el centro de la bóveda de cañón (junto a frisos fingidos a su alrededor,
con medallones, y por influjo de la cuadratura vaticana).
Se
trataba de que CARRACCI (junto a la colaboración de DOMENICHINO y otros, y
emulando la pintura vaticana de MIGUEL ANGEL) decorara una gran escena
principal (al lienzo), rodeada de quadri riportati ilusionistas (al fresco, sobre frisos decorados en
bronce, a llenar de Hermes y Atlantes, jóvenes desnudos y amorcillos lúdicos…).
[136] Siendo:
-cuadratura
= marco de cada quadri riportati,
-quadri
riportati = espacios arquitectónicos ficticios, para pintar dentro.
[137]
Donde Hércules se debate entre seguir:
-el
camino del placer, el de la mujer desnuda derecha,
-el
camino de la virtud, el del camino estrecho de la izquierda.
[138]
Pues lo que hoy se conserva en el techo original del Palacio
Farnesio de Roma es una copia.
[139]
Recordando la historia en la que:
-Ariadna,
hija del rey Minos, había dado el hilo a Teseo para salir del laberinto
minoico,
-Teseo,
hijo del rey Egeo, había abandonado a Ariadna en la isla de Naxos,
-Baco,
dios del vino, encuentra a Ariadna llorando en la isla, y se casa con ella.
[140]
Como son:
-María
Magdalena, penitente, arriba a la izquierda,
-San
Eduardo el Confesor, rey de Inglaterra, arriba a la derecha,
-San
Hermenegildo, rey de Toledo, abajo a la izquierda,
-Odoardo
Farnesio, su donante, abajo a la derecha.
[141]
Andando a rastras con 2 trozos de madera (a forma de paralítico), y
pidiendo limosna.
[142]
Encargada por el cardenal ODOARDO FARNESIO.
[143]
En los rostros, manos, señales de dedo de los ángeles…
[144]
Sin filosofar, y sí representando los affetti-emociones del alma.
[145]
Diminuta y prototípica capilla del s. XVII, costeada por TIBERIO CERASI
(funcionario de la Curia romana).
[146]
Que había pintado 2 cuadros tenebristas para la misma Capilla, y que
ahora flanqueaban la obra de CARRACCI para ser contrastados por el público.
[147]
Encargado por el cardenal IPPOLITO ALDOBRANDINI (futuro papa CLEMENTE VIII), que
pidió 6 lunetos como éste.
[148]
Sobre las ruinas arqueológicas (que muestran la fugacidad de la construcción
humana, tema que retomará el romanticismo del s. XIX), y sobre la Pirámide
Cestia de Roma (de CAYO CESTIO
EPULON, 36m. alto x 30 m. ancho, que se edificó en el 12 a.C. junto a la
Puerta extramuros para enterrarse allí).
[149]
Pues hay más masa cromática a la derecha que a la izquierda, por
ejemplo.
[150]
En
la forma en que crecen los árboles.
[151]
Tratando de transmitir lo intangible y no comunicable, a través de las
tonalidades del paisaje.
[152]
Sobre peñones, que no los dejarían crecer.
[153]
Para enmarcar la escena, y marcar los puntos de distancia.
[154]
No intacta.
[155]
No salvaje.
[156]
Por
la presencia del hombre.
[157]
No ya como mera retórica.
[158]
Llamado así, Pequeño Domingo, por su estatura.
[159]
Hoy en la Iglesia San Luis de
los Franceses de Roma, con gran influencia del Expulsión de Heliodoro de RAFAEL, y extensa narrativa sobre la vida
de la mártir.
[160]
Hoy en la Pinacoteca Vaticana de
Roma, casi copia de la de LUDOVICO CARRACCI, aunque con mayor idealismo.
[161]
Hoy en la Galería Borghese
de Roma, con figuras que miran al espectador, gestos en las manos y gran retórica
general (que busca la belleza).
[162]
Para lo que tenía numerosos moldes con ojos mirando al cielo.
[163]
Por dejarse ver con su compañera de trabajo y sentimental ELISABETTA SIRANI.
[164]
Hoy en la Pinacoteca Nacional de
Bolonia, con niveles expresivos, pathos constantes, escorzos y cielo al
fondo.
[165]
Hoy en la Pinacoteca Nacional de
Bolonia, con cuerpo de estatuaria griega alargada, para reflejar al héroe.
[166]
Hoy en el Palacio Pallavicini de
Roma, en cuadro riportato al fresco, y algo de viejo renacimiento y
manierismo.
[167]
Hoy en el Museo del Prado de
Madrid, donde Atalanta rechaza a sus pretendientes, y convoca una carrera
para deshacerse de los perdedores (tirando una manzana al suelo a Hipomenes,
para que se entretenga y no venza).
[168]
Hoy en el Museo Louvre de
París.
[169]
Apodado así porque estaba bizco.
[170]
Siendo visitado por el mismo DIEGO DE VELAZQUEZ en su casa de Ferrara.
[171]
El museo más antiguo del mundo, fundado por el papa SIXTO IV en 1471, y
donado siglos después por el Vaticano para la ciudad de Roma.
[172]
Hoy en la Galería Nacional de Arte
de Roma, la obra más famosa de GUERCINO.
[173]
Hoy en el Palacio Borghese de
Roma.
[174]
Como la de la Iglesia Sant Andrea
della Valle de Roma.
[175] Hoy en el Museo del Prado de Madrid.
[176]
Pues no tenía la experiencia ni hondura suficiente como para reflejar la
figura de San Pedro, o el arrepentimiento de la Magdalena, o la seriedad de
San Juan Bautista (a los que pintaba como otros jóvenes callejeros más).
De hecho, el clero romano le censuró, retiró e hizo volver a repetir la
mayoría de sus temáticas religiosas.
[177]
Por la denuncia que le puso GIOVANNI BAGLIONE, también pintor del entorno
romano.
[178]
De hecho, a Roma llegó la noticia de que lo habían matado.
[179]
En el Palacio Borghese de Roma.
[180]
Como fue el caso de OTTAVIO LEONI, en su Retrato de Caravaggio.
[181]
Donde su estilo todavía conservaba las características de:
-luz
clara, sin apenas sombras,
-colorido
brillante, y gusto por el blanco,
-dibujo
claro y preciso, con contornos escrupulosos y perfectos,
-escenas
de género, con bodegones ocupando el papel central,
-composiciones
con 1 ó 2 personajes, adolescentes de medio cuerpo y aspecto sexual
ambiguo.
[182]
Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte
juvenil.
[183]
Todas ellas de su época de juventud, y con las características de su arte
juvenil (salvo las 3 últimas).
[184]
Cuadro del que se dice que pintó CARAVAGGIO su propio rostro y
temperamento (pues no representa al Baco mitológico tradicional, sino a
otra persona muy concreta). Destaca en él:
-dibujo
pulido y preciso,
-representación
escrupulosa de la realidad,
-escorzo
en el hombro,
-inmediatez (anti-mito manierista),
-colores
brillantes y trasparentes, casi sin sombras (no como el colorito veneciano),
-parapeto-mesa
lleno de fruta y vino,
-corona
de hojas de vid secas, en la cabeza de Baco,
-un
Baco mórbido, andrógino, carnal, bien comido, algo basto.
[185]
Como escudo cuya mirada petrificaba al enemigo (de ahí que el mundo clásico
la pusiera en las fachadas). Y con las serpientes en el pelo (que remite a
las clásicas máscaras griegas de la tragedia).
[186]
Hoy en el Instituto de Arte de
Chicago. Destaca por sus flechas partidas y paloma volando.
[187]
CARAVAGGIO
había prometido una pintura sobre el tema a MANCINI, coincidiendo con el
momento en que el cardenal DEL MONTE se llevó consigo al genio milanés. Así,
MANCINI tuvo que encargar la obra a MANFREDI.
[188]
Invento del pintor alemán afincado en Roma, ADAM ELSHEIMER.
[189]
Hoy en la Iglesia
Santa María del
Anima de Roma, de los alemanes y norteños holandeses. Donde se aprecia
fondos no oscuros, telas sin tenebrismo, gradación cromática rica, tipos
faciales muy repasados.
[190]
Hoy en la Galería Nacional de Arte
de Roma.
[191]
Hoy en el Museo del Prado de
Madrid.
[192]
Hoy en la Galería Barberini de
Roma, donde ya se aprecia la última etapa de su vida: el clasicismo armónico
de RAFAEL (sin perder el naturalismo de CARAVAGGIO).
[193]
Hoy en el Palacio Pitti de
Florencia. De fondo oscuro y tenebrista, medias figuras, figuras reflexivas
y apacibles, sin el drama grotesco.
[194]
Hoy en el Museo del Prado de
Madrid, de la que se hicieron varias copias y variantes. De figuras sólidas,
naturalistas pero apacibles, sobre fondos tenebristas.
[195]
Hoy en el Museo del Prado
de Madrid.
[196]
Hoy en el Museo Louvre de París.
[197]
Hoy en la Galería Nacional de Arte
de Roma.
[198]
Influyendo en JUAN BAUTISTA MAINO.
[199]
Influyendo en SIMON BUE
[200]
ARTEMISA GENTILESCHI, autora de una Judit y Holofernes que sigue el estilo de su padre.
[201]
Hoy en la Galería Sabauda de Turín,
por encargo de CARLOS MANUEL DE SABOYA.
[202]
Hoy en el Museo del Prado de
Madrid. Con tornasolados, rigidez de figuras…
[203]
Donde prima la línea y el color por igual (por influjo de RAFAEL y TIZIANO),
y figuras con peso específico.
[204]
Al fresco y siguiendo el programa iconográfico del poeta FRANCESCO
BRACIOLINI. Destaca por su:
-superación
de todas las obras anteriores del mismo género,
-técnica
del sotto in su, desde abajo
mirando hacia arriba,
-la
cuadratura arquitectónica fingida
(con estucos fingidos, guirnaldas y medallones a forma de quadri riportati…),
-combinación
de personajes por detrás y delante, y hasta escondiendo lo arquitectónico,
-el
color de VERONES,
-alegoría
de Cronos y Parkas, junto a muchos atlantes en las pechinas,
-1
corona de laurel, con las virtudes teologales,
-1
corona de la inmortalidad, sobre los BARBERINI.
[205]
Hoy en la Iglesia Gesu de Roma,
sobre bóveda de cañón. Rompe literalmente el techo de la Iglesia, con
figuras que salen volando hacia el cielo.
[206]
Hoy en la Iglesia San Ignacio de
Roma, donde muestra arquitecturas coherentes, completamente proyectadas
hacia el cielo infinito, entre asombrosos efectos de la perspectiva.
[207]
Siendo enviado a muchos conflictos, para mediar en muchos procesos de
pacificación.
[208]
Con encargos que le llegaban de CARLOS I DE INGLATERRA, FELIPE IV DE ESPAÑA…
[209]
Recibiendo el permiso de ISABEL CLARA EUGENIA DE ESPAÑA a guardar sigilo
profesional, sin descifrar sus secretos y conocimientos internos.
[210]
Evitando la sensación pétrea de la estatuaria clásica, y haciendo que la
sangre fluyera por las venas de los personajes.
[211]
Con el matrimonio entre JUANA I DE ESPAÑA y FELIPE I DE HABSBURGO.
[212]
Con el Tratado de Utrecht, que puso fin a la casa de los HABSBURGO en
España, y cedió a la casa austriaca los derechos sobre los territorios
flamencos.
[213]
Donde:
-Marte
abre el templo de Jano, y sale con su espada ensangrentada amenazando a
todos los pueblos,
-Venus
intenta retener a su esposo Marte, para evitar la guerra.
[214]
Dada la cualidad católica de Flandes. Una Flandes católica que nunca perdió
los valores trascendentales, y que nunca se economizó y comercializó tanto
como Holanda.
[215]
Dada la cualidad protestante de Holanda.
[216]
De riqueza, comercio… Y es que dentro de la respiración
calvinista, los burgueses se movían mejor que los aristócratas, y tenían
a gala ser la vanguardia del comercio artístico.
[217]
Que ofrecían la resistencia de Holanda frente a todo invasor extranjero.
[218]
Hoy en el Museo de la Haya.
[219]
Hoy en el Museo Rijks de Amsterdam,
sobre la milicia ciudadana.
[220]
Hoy en el Museo K. House de
Londres.
[221]
Hoy en el Museo Frans Hals de
Haarlem.
[222]
Eso sí, con un matiz de realidad pasajera y fugaz, que crea nostalgia.
[223]
Hoy en el Museo Metropolitano de
New York.
[224]
Hoy en el Museo Estatal de Arte de
Karlsruhe.
[225]
Hoy en el Museo Rijks de Amsterdam.
[226]
Y el que sigue ejerciendo mayor influencia en el arte francés actual del s.
XXI.
[227] Salvo cuando fue requerido por el cardenal RICHELIEU para pintar en la Corte de LUIS XIII DE FRANCIA.