Arte expresionista

a) Expresionismo
b) Expresionismo de El Puente
c) Expresionismo del Jinete Azul
d) Munch
e) Kirchner
f) Marc
g) Kandinsky
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Tuvo su primer referente en Munch[1], y fue una corriente artística muy criticada de principio a fin. Se trataba de un movimiento absolutamente revolucionario y cambiante, con novedosas formas de hacer pintura que les llevó a mostrar su identidad a través de la luz.

Coincidió con un periodo gobernado por Guillermo II de Alemania, que intentaba convertir su reino en una potencia mundial que dominara al resto, y cuya política de Paz Armada estaba a punto de desembocar en la I Guerra Mundial.

Inauguró un conjunto de exposiciones itinerantes[2] bajo el nombre de Arte degenerado, reuniendo en ella a los mejores artistas de la época y tratando de manifestar:

-el gran arte alemán, de apariencia grecorromana y exaltador de la figura del héroe alemán[3],
-el pésimo arte extranjero, sobre todo el de los negros[4], judíos[5] y mutilados[6].

-el Die Brucke-Puente, donde destaca Kirchner,
-el Der Blaue Reitter-Jinete Azul, donde destaca Marc y Kandinsky.

Nació en 1905 en Dresde, mediante un grupo de universitarios de arquitectura[7] que se unieron con el objetivo de buscar lo revolucionario y lo progresista del Arte[8], y establecer a nivel multidisciplinar[9] puentes entre ambos. Hacia 1913 fue disuelto por propia decisión de sus integrantes.

En su Manifiesto no ofrecen una programación artística, pero sí una toma de postura filosófica, en gran medida nietzschiana y contraria a todo lo establecido. Aceptan en su grupo a todo aquel joven que “refleje directamente y sin falsearlo, aquello que le impulsa a crear”, con la idea de cambiar el mundo a través de la pintura.

Su término fue decidido por influencia de Nietzsche, que en Así hablaba Zaratustra hablaba de la grandeza del hombre, “consistente en ser un puente y no meta, ser tránsito y no ocaso”. Se trató de una frase con la que los jóvenes artistas quisieron lanzar cuerdas a toda la juventud mundial para cambiar el mundo, siendo puentes hacia un mundo mejor.

Influyó en la pintura[10], escultura[11] y cine[12] posterior, así como asumió influencias de:

-Durero, y las técnicas que utiliza para el grabado[13],
-Van Gogh, y su dramatismo transferido a través del color, la pincelada agresiva y los ambientes lúgubres[14],
-Matisse, padre del fauvismo[15], y su intento de provocar conmoción y rechazo en el espectador, a través del color,
-Munch, al que interpretan.

Se oponen a exponer en galerías de arte[16], pero organizan 2 exposiciones conjuntas, en 1906 y en 1907, y en un lugar que nada tuviera que ver con el arte: la fábrica de lámparas de Dresde[17]. A partir de entonces Herwarth Walden se convierte en su principal mecenas, prestándoles su Galería Der Sturm de Berlín para cuando quisieran exponer, y dejándoles participar en la revista de su galería.

Se trata de un grupo de acción y creación, que definió una nueva forma de entender el arte y la vida: el trabajo intenso, pensado y en equipo.

Muchas de sus obras las hicieron en grupo, desde una zapatería de Dresde que tenían alquilada y en la que vivían a forma de comuna. Allí uno leía[18], los demás escuchaban, y al final todos discutían lo que se había leído.

Se trata de un arte atormentado y subjetivo, que muestra al mundo las vivencias interiores del artista. En ese sentido, buscan más la verdad interna que la belleza externa.

Se defiende la libertad creadora. Se potencia la búsqueda honesta de la libertad, y la posterior reacción ante ella. Pues la obra nace en el momento en que uno tiene una idea personal, pero luego hay que ejecutarla.

-pinceladas gruesas y muy definidas,
-intensidad de siluetas, que están dibujadas con dureza para resaltar su figura,
-colorido fauvista, con estridencia de colores y gamas cromáticas oscuras,
-trazos dislocados, con los que intenta trasmitir la tensión y angustia del hombre contemporáneo,
-facetación cubista, del cubismo analítico,
-distorsión espacial, sin interés por la línea de tierra, pues todo está flotando en un espacio etéreo,
-ejercicio absoluto de la espontaneidad, liberando el dibujo, agudizando el ojo a pinturas rápidas...

-del paisaje, como medio para expresar el estado anímico del individuo[19],
-del desnudo, sobre todo Schmidt-Rottluf,
-de la calle, con todo tipo de escenas circenses, cabarets, nocturnidad, grupos urbanos…

Nació en 1911 en Munich, y se extendió hasta 1916, año en que murió su impulsor Marc. Duró, pues, escasos 5 años, pero con tiempo suficiente como para revolucionar el arte contemporáneo, como movimiento más impactante de las primeras vanguardias, y el encargado de dar el paso de la figuración a la abstracción.

Su término viene de que tanto a Marc como a Kandinsky les gustaba el azul, a Marc los caballos y a Kandinsky los jinetes.

Se trata de una pintura en apariencia intrascendente, pero con una intelectualidad que supera la conciencia del arte de género. Aporta, además, pautas teóricas para que el resto de los artistas puedan ironizar y superar:

-los acontecimientos políticos de Alemania,
-los paradigmas artísticos que estaban establecidos.

-en la Galería Thannhauser de Munich-1911[20],
-en la Galería Goltz de Praga-1912[21].

Así como por sus propios escritos, como su anuario Der Blaue Reitter[22] y el libro De lo espiritual en el arte de Kandinsky, donde se defiende la espiritualidad del hombre en la pintura, así como la pintura como medio para llegar al alma del hombre[23].

-el Surrealismo, sobre todo en las Constelaciones de Miró[24],
-el Secesionismo[25], y los europeos Art Nouveau y Modernismo,
-el Expresionismo abstracto, de los Estados Unidos[26].

No tuvo la pretensión de cambiar el mundo que sí pretendía su colega El Puente[27], pero sí la de:

-cambiar la forma de pintar,
-relacionar pintura y música[28],
-relacionar intelecto y emoción,
-tender a lo trascendental, metafísico y místico[29].

Se interesa por el arte primitivo, arte infantil y arte creado por los esquizofrénicos.

Desde el punto de vista formal, no tiene un estilo propio[30], sino la defensa de la libertad creadora del artista. Pretenden expresar su visión personal sin ningún tipo de trabas, cosa que acusó en defecto su colega El Puente.

Alcanza la abstracción lírica, que rechaza la figuración y el valor de las formas como sistema para conectar con lo más profundo del alma.

Defiende la geometrización, no de corte vertical o cuadrangular, sino aquella que quede difuminada por el color. Pues una mera geometrización cuadrada limitaría las sensaciones.

Busca la voluptuosidad a través de las formas, con gran protagonismo para la curva.

El color tiene tanto peso y tanto poder que crea la forma, destacando en especial los colores claros.

Pintor noruego, Edvard Munch (1863-1944) fue un artista admirado y reconocido en Europa. Amigo de Nietzsche y las corrientes nihilistas, tuvo formación científica y quiso ser ingeniero.

Su infancia familiar fue dramática, pues su hermano mayor murió sin él conocerlo, su hermana Sophie murió de tuberculosis con 15 años, a su otra hermana la metieron a un manicomio y sus padres murieron cuando él contaba 10 años. Esto le sumergió en la depresión hasta los 18 años, en que exclamó que “los ángeles que vigilaban mi cuna eran la enfermedad, la locura y la muerte, y desde entonces me han acompañado toda la vida”.

En su adultez se enamoró de Tulla, mujer casada de difícil relación que poco después le abandona. No obstante, a Munch le enseñó que la belleza y el dolor del mundo se dan la mano[31].

Empezó su obra pictórica imitando a los impresionistas, con un estilo agradable y amable, y queriendo expresar al máximo lo que le estaba sucediendo[32]. Aborrece al máximo el uso de la cámara fotográfica[33], y se decide por una pincelada tenue, desvaída y desgarrada, predominantemente en color negro y rojo sangre[34].

Destaca su Grito-1893, hoy en el Museo Munch de Oslo. Se trata de su obra más contundente, símbolo de la angustia, la soledad del hombre y su propia angustia existencial. Es el cuadro más expresivo, más homenajeado[35] y más veces robado del arte contemporáneo, y fue posiblemente inspirado en las momias peruanas de la Exposición Universal de París-1889[36]. Representa un rostro angustiado, que está solo y que se tapa los oídos. Al fondo hay una serie de lenguas de colores que conforman el paisaje[37].

Destaca su Danza de la vida-1899, hoy en el Museo Munch de Oslo. Se trata de un panegírico a los estados personales del hombre. Presenta dos figuras contrapuestas: una blanca y muy sonriente (símbolo de la vida), y otra vestida de negro y seria (imagen de la muerte). En medio se insertan dos figuras bailando, más cerca de la muerte que de la vida, y produciendo la sensación de estar flotando y sin control.

Pintor alemán, Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) fue el fundador del movimiento expresionista, aunque eso mismo le llevó a la frustración, a ver cómo sus compañeros le defraudaban y al suicidio.

Durante su infancia “tuvo miedo de muchas personas”, como él mismo reconoció después. Ya de joven empezó a estudiar arquitectura en Dresde, carrera que abandonó por la de Bellas Artes en Munich. En su adultez se alistó en el cuerpo de artillería para la I Guerra Mundial, y en 1915 sufrió un colapso por el cual ingresó en un manicomio hasta 1921. Nada más salir de ella le atropelló un autobús, que le dejó paralítico en adelante.

Su obra pictórica corrió paralela a sus depresiones, desde 1926 en adelante. Su exposición de 1937 fue catalogada como degenerada, sus caras de meras máscaras, y todos sus cuadros destruidos. Kirchner explicó que él nunca había sido explícito a la hora de mostrar el amor, y que su pintura era una forma de dar cariño pero sin molestar a la gente. “Mis cuadros son alegorías, no retratos”, aclaraba el expresionista alemán.

Destaca su Franzi ante una silla tallada-1910, hoy en el Museo Thyssen de Madrid. Se trata de un retrato de niña, sobre la que realiza numerosas pruebas aunque utilizando en todas el color de forma arbitraria.

Destaca su Cinco mujeres en la calle-1914, hoy en el Museo Wallraf de Colonia. Se trata de una escena berlinesa, posiblemente de prostitutas vestidas con sus mejores galas[38], aunque transmitiendo tensión en la escena[39] y siniestra crítica social[40].

Destaca su Cocina alpina-1918, hoy en el Museo Thyssen de Madrid. Se trata de una obra que termina en 1921, año en que es atropellado y se retira a Davos para vivir en una pequeña cabaña para rehabilitarse de su parálisis. En este caso, se presenta el propio autor trabajando en una cocina.

Destaca su Paisaje con Castaño-1923, hoy en el Museo Thyssen de Madrid. Se trata de un paisaje colorista, que se corresponde con su actitud optimista ante la expectativa de volver a caminar.

Pintor alemán, Franz Marc (1880-1916) fue ferviente seguidor de las corrientes nihilistas de Nietzsche, aunque eso le llevó a fijarse excesivamente en las imperfecciones del mundo.

Su infancia transcurrió en Munich, y aprendió a pintar de su padre. Ya de joven ingresó en la universidad de Bellas Artes, y en 1902 huyó de su casa un día antes de su boda. En su adultez fue alistado para la I Guerra Mundial, donde murió en uno de los bombardeos.

Su obra pictórica fue autodidacta, y estuvo marcada por una facetación tendente a la abstracción[41] y personalidad depresiva. En 1903 visitó París, y allí conoció a Durand Rouel[42] y la obra de Van Gogh, que le dio mucha paz y pronto enfatizó con él. A partir de 1907 convierte a los animales en protagonistas de sus cuadros[43], desde el estilo más luminista hasta un expresionismo más puro.

Destaca su Grandes caballos azules-1911, hoy en la Galería Walker de Minneapolis. Se trata de percibir los colores con toda su carga simbólica[44], y mostrar el azul como sinestésicamente oloroso, sabroso y auditivo. Además, los caballos no representan sino ideas alegóricas, y lo material a algo superado por lo espiritual[45].

Pintor ruso, Wassily Kandinsky (1866-1944) fue el fundador de la abstracción artística total, el máximo representante de la versión espiritual del arte y el pintor contemporáneo más estudiado e imitado.

Su infancia transcurrió en Moscú, tocando el violonchelo, dejándose cautivar por el Lohengrin de Wagner[46] y frecuentando las exposiciones del Museo Hermitage de San Petersburgo[47]. Ya de joven estudió Derecho y Economía en la Universidad de Moscú

En su adultez fue nombrado profesor en Universidad de Bauhaus, como encargado de formar a los jóvenes en las distintas disciplinas, con conciencia teórica y práctica fuerte. En 1889 tuvo que viajar al norte de Rusia para resolver ciertos litigios agrarios, lo que le valió descubrir el arte popular ruso y empezar a inclinarse por la pintura.

Su obra pictórica evolucionó desde una pintura académica y popular basada en el dibujo, figuración y realismo, hasta la abstracción. Y es que en un viaje a París descubrió la estética puntillista, que al día siguiente descartó cuando descubrió a Van Gogh, sus nocturnos y su forma de pintar. Tras descubrir el color fauvista de Matisse y las formas fragmentadas y planimétricas de Picasso, se vuelve a Moscú y empieza a elaborar una pintura viva y efervescente, sin que necesariamente sus formas fuesen algo concreto[48].

Destaca su Primera acuarela abstracta-1913, hoy en el Museo Pompidou de París. Se trata de la primera acuarela abstracta de la historia del arte. Presenta líneas y formas conectadas armónicamente entre sí, pero que no se pueden identificar. Pinta colores para llamar la atención del alma humana, y da forma a los colores para ejercer una influencia directa sobre ella.

Destaca su Pintura con tres manchas-1914, hoy en el Museo Thyssen de Madrid. Se trata de una obra realizada tras regresar a Rusia para la I Guerra Mundial. Transmite movimiento, vacío, reposo, zonas dramáticas... como algo que empuja hacia un lado. Plasma un juego de armonía y desarticulación del color, a base de manchas irregulares de color y diferentes consistencias.

[1] Que recogió el testigo de VAN GOGH, CEZANNE, TOULOUSSE y GAUGUIN, introduciéndolos en el s. XX y creando mediante ellos un arte propio, tras haberlos asimilado.

[2] A lo largo de muchas ciudades de Alemania. Exposiciones itinerantes que luego se subastaban a bajos precios, para patrocinar el movimiento.

[3] Con imágenes colosales de águilas imperiales...

[4] Cuyo odio llevó a los alemanes, por ejemplo, a odiar el Jazz (por ser la música de los negros).

[5] Mediante carteles anunciadores de la exposición en los que se presenta a un mono con la estrella de David.

[6] Con obras en las que se integraban imágenes de personas mutiladas y con deformidades, de forma peyorativa.

[7] Tales como KIRCHNER (su padre y fundador), SCHMIDT-ROTTLUF, OTTO MUELLER, EMILE NOLDE…

[8] Dado todo lo que iban percibiendo en sus visitas al Museo Etnológico de Dresde.

[9] De pintura, escultura, xilografías, grabados...

[10] Sobre todo en el expresionismo abstracto y neoimpresionismo.

[11] Como en el Adán y Eva de KIRCHNER…

O en el esculpimiento de sus mujeres desnudas (casi todas las novias de los miembros del grupo), de gran parecido con las esculturas de la Polinesia, y en un intento por acercarse a la naturaleza pura y simple.

[12] Como se ve en la película El gabinete del doctor Caligari de WIENE (que cuenta la historia de un autómata que es dirigido por los circos por medio de un mago. Y donde la estética expresionista y los propios decorados hechos por expresionistas… pasan a ocupar el centro del argumento, en torno a la distorsión espacial, líneas angulosas, ninguna forma geométrica pura...).

O como se ve en la película Metrópolis de FRIEDLANDCH (doble historia contada en dos mundos antagónicos).

[13] De las que intentarán obtener xilografías figurativas, para exponerlas con toda su dureza expresiva.

[14] Estética y temática de VAN GOGH que van a ser recogidas por El Puente, aunque trasladadas a un mundo mucho más inestable, en que las cosas flotan más que se asientan.

[15] Del término fauv (lit. fiera), acuñado tras una exposición en la que había una escultura de DONATELLO (no el renacentista) y cuadros alrededor, y un crítico exclamó “pobre Donatello entre las fieras”.

[16] Porque en ellas “ganaba mucho dinero el galerista y poco el artista”. Y es que los artistas tenían que entregar a los galeristas sus obras en carpetas, generalmente en grabados de xilografías y litografías, antes de ser aceptadas o rechazadas para su exposición.

[17] Ya que para ellos la lámpara era el símbolo de la luz, un lugar iluminado que abría de iluminar sus obras en el futuro. No obstante, después de exponer en Dresde sus obras fueron invitadas a ser expuestas en Berlín y en otros lugares de Europa.

[18] Obras del filósofo alemán NIETZSCHE, del poeta norteamericano WHITEMAN, del dramaturgo escandaloso HENRIK IBSEN, del literato ruso DOSTOIEVSKI...

[19] De ahí sus colores totalmente arbitrarios.

[20] I Exposición Expresionista que de Munich dio el salto a la Galería Der Sturm de Berlín (del coleccionista WALDEN), y finalmente acabó convirtiéndose en una exposición itinerante que recorrió todo el centro europeo.

[21] II Exposición Expresionista en la que expusieron conjuntamente expresionistas del Puente y del Jinete Azul, así como constructivistas y cubistas.

[22] En el que se explicaban los nuevos ensayos de SCHOMBERG, MARC y KANDINSKY, así como se insertaban introducciones acerca de todos los periodos artísticos.

[23] De hecho, para KANDINSKY el arte surge de una necesidad interior, con pretensión de comunicarse con Dios.

[24] Que plasman al completo al último KANDINSKY (de cuadros abstractos, fondo azul, grafismos pequeños y planos, rojos y amarillos recortados sobre líneas negras….).

[25] De gusto por el oro, sentido decorativo y trascedencia de la pintura.

[26] Donde GORKY será el encargado de recoger las manchas de color de KANDINSKY.

[27] Como se ve en MARC, que decía que “el arte se preocupa tan poco de los problemas de los otros como del propósito de unificar la humanidad”.

[28] Pues, como decía KANDINSKY, “la pintura es una traducción de las notas musicales, y debe ser tan expresiva como la música”. O, como decía MARC “la pintura y la música son básicamente lo mismo, y solo hay que tener la capacidad de captarlos”.

[29] Concibiendo la pintura a forma de sacramento, como un signo externo, vital y visible de una gracia espiritual interior. Así, los cuadros se convierten en una “confesión personal” del individuo (lo que les hace ser incriticables, y apreciables aunque no sean comprendidos).

[30] De hecho, sólo tienen vinculación común a nivel de las ideas.

[31] Lo que le llevó a retratarla como vampiresa, y a darse cuenta de que él “estaba hecho para sentir la infelicidad del amor, la locura, la cara horrible de la enfermedad mental, la total desesperanza de poder un día amar”.

[32] Como él mismo decía: “al pintar una silla, lo que debe pintarse no es la silla sino la emoción sentida ante ella”. Y es que en los artistas post-impresionistas la silla se había convertido en una especie de autorretrato.

[33] Pues “la fotografía nunca podrá competir con el pincel y la paleta, mientras no pueda utilizarse en el infierno”. Además, para MUNCH “la fotografía no puede mostrar de forma tan veraz como la pintura el interior del alma humana”.

[34] Sobre todo en autorretratos, y ambos colores como símbolo de la muerte.

[35] Desde el mismo WARHOL hasta los neofuturistas, los Simpson, los graffiti y películas actuales...

[36] A la hora de trazar el rostro, enmarcado entre las dos manos.

[37] Como él mismo dice: “Iba caminando con dos amigos por el paseo, el solo se ponía, el cielo se volvió de pronto rojo. Yo me paré, no veía sino sangre y lenguas de fuego. Mis amigos me habían dejado y, solo, temblando de angustia me di cuenta del inmenso, infinito grito de la naturaleza”.

[38] Como se ve en los grandes sombreros de plumas negras, identificativo de las prostitutas de Berlín.

[39] Posiblemente porque anteriormente habían sido esposas de soldados militarizados para la I Guerra Mundial, y que tras la desaparición de sus maridos no habían tenido más remedio que prostituirse para poder sobrevivir.

[40] Pues, así en el cuadro como en general, “la tensión de la guerra y la superficialidad pesan más que todo lo demás. De ahí que la sensación del cuadro sea la de un sangriento carnaval”.

[41] Al igual que le ocurría a PICASSO.

[42] Protector de los artistas impresionistas MONET, VAN GOGH y CEZANNE.

[43] A forma de ver en la naturaleza de los animales un espíritu puro, un alma panteísta que le permitiera captar el ritmo orgánico de las cosas, la armonía y el flujo de la savia de la naturaleza”.

[44] Como se ve en:

-el amarillo, principio femenino, gentil y alegre,
-el rojo, materia bruta y pesada, y siempre superado por el resto,
-el azul, principio masculino, astringente y espiritual.

[45] Como el mismo MARC defendía, pues “en esta lucha por un arte nuevo combatimos, como salvajes desorganizados, contra un arte académico. Y es que los asuntos espirituales nunca se perciben por el número sino por el poder de las ideas”.

[46] Pieza musical de la que más adelante dirá KANDINSKY que, “escuchándola, podía ver todos mis colores, me daba cuenta de que la pintura tenía la misma fuerza que la música”.

[47] Donde un día se quedó impactado ante el Almiares de MONET, al no entender lo que era ni lo que significaba.

[48] “Pinto cuadros del interior, imágenes mentales, formas procedentes de la necesidad interior, imágenes personales que transmitan el estado del alma”, llegó a decir el propio KANDINSKY.