GAUGUIN

a) Arte post-impresionista

b) Pintura post-impresionista

c) Paul Gauguin

d) Obras de Gauguin

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a) Arte post-impresionista

            Quedó patente como fenómeno independiente del Impresionismo en:

-la VII Exposición de Independientes-1884, donde se ve una nueva tendencia en las obras de Signac y Redond[1],

-la VIII Exposición de Independientes-1886, donde se ven nuevas experimentaciones en las obras de Matisse y Van Gogh,

-el De Delacroix al Neo-Impresionismo-1899 de Signac, cuando se sintetiza alguna de las bases teóricas del neo-impresionismo[2].

            Y es que se trataba de una nueva opción impresionista, con la misma temática de siempre pero exponiendo por separado del Impresionismo oficial[3]. Lo que la crítica empezó a ver con buena recepción pública[4], ya que este nuevo Impresionismo[5] mostraba mayor prudencia que el viejo Impresionismo, sin eliminar líneas ni metiéndose en abstracciones sin sentido.

Tuvo como factores remotos que motivaron su aparición:

-la Guerra franco-prusiana-1870, con final desastroso francés en 1875[6],

-la Comuna de París-1871, que destruyó esculturas y piezas de arte parisinas[7],

-la crisis espiritual e industrial, de resentimientos sociales y económicos[8].

            Aunque su factor próximo tuvo que ver con la propia crisis impresionista, desgasta por:

-los comentarios críticos de Zola, muy crítico hacia 1880[9] sobre lo que él antes había defendido[10],

-los escritos de Feneon, en los que informa que otros pintores ya están superando la crisis impresionista,

-las enemistades entre los impresionistas, que dejan de exponer juntos en 1886,

-la huida de impresionistas de París, y su abandono del término “impresionismo”,

-el haber pasado la figura humana a 2º término, para captar mejor la fugacidad de la luz.

            Fue entonces cuando surgió el Post-Impresionismo, de 1886[11] a 1900[12], bajo obras que se vendían en las galerías y tiendas como impresionistas[13], pero que en realidad se habían alejado del fenómeno y estilo de forma total.

            Se desarrolló en colaboración con el belga Grupo de los XX[14], así como las revistas L’Art Moderne y L’Revue Blanche. Así, figuras solitarias como Van Gogh, Cezanne, Gauguin… pudieron convivir durante 20 años

Hasta que Roger Fry acuñó su término en su Monet y los post-impresionistas-1910, aparte de repasar las ideas post-impresionistas de:

-buscar un método racional, científico y desapasionado,

-provocar emociones y sentimientos,

-recuperar la temática religiosa, histórica, literaria,

-optar por las opciones orientales, primitivas, medievales,

-superar las fronteras francesas, así como el diálogo con la naturaleza,

-armonizar la línea y color[15],

-liberalizar el color, dejando su función descriptiva en pro de una función expresiva,

-superar las inquietudes del impresionista ojo innato y registrador,

-superar la impresionista luz natural y contemporánea,

-obviar los renacentistas claro-oscuro, volumen, profundidad…

b) Pintura post-impresionista

            Trató de presentar una ordenación meditada del cuadro, manteniendo una preocupación por el volumen, orden, claridad.

            Así, y a diferencia del Impresionismo:

-hace reconocibles las temáticas y motivos,

-elabora las obras en el estudio, y no al aire libre,

-somete la intuición a disciplina,

-convierte la impresión en rigor académico, matemático y normativo[16],

-precisa y concisa la pincelada,

-distribuye milimétricamente la suma de puntos a pintar,

-elimina los marcos dorados por marcos blancos[17].

b.1) Ley de colores de Chevreul

            Fue forjada en su Principios de Armonía y Contraste de Colores-1859, experimentada por Seurat para la pintura[18], y en torno a la división de colores en:

-primarios: el rojo, verde, azul, no obtenibles mediante la mezcla de ningún otro,

-secundarios: el naranja, amarillo, violeta, surgidos de la mezcla de 2 primarios[19],

-complementario: blanco, mezcla de la luz sobre el resto de colores[20],

            así como entre:

-cálidos: amarillo, naranja, rojo,

-fríos: verde, azul, violeta.

            Parte de la demostración de que el ojo:

-percibe el color de forma diferente, según los colores que lo rodean,

-exige o crea el color complementario, de cada color que está viendo.

Y viene a concluir que la teoría del contraste simultáneo, según la cual los colores influyen entre sí, y crean entre ellos reacciones complementarias:

-armoniosas, si se juntan colores contiguos del círculo cromático,

-contrastadas, si se juntan colores secundarios entre sí[21].

b.2) Técnica puntillista de Charles Blanc

            Fue forjada en su Gramática de las Artes del diseño-1865, experimentada por Seurat para la pintura[22], y en torno a la idea de que:

-el color está compuesto por una serie de puntos divididos,

-cada punto ha de estar dotado de toda la gama posible de tonos.

            Además, la experiencia enseña que:

-hay relaciones físicas entre los colores,

-las leyes físicas que influyen en cada color son enseñables,

-los matices puros se concentran en torno al centro, en una mezcla de colores,

-la mejor mezcla es la producida en el ojo, que no ensucia el resultado final[23].

b.3) Efectos psicológicos de Charles Henry

            Fue forjada en su Introducción a la estética científica-1885, en un intento de relacionar estética y leyes de la naturaleza mediante fórmulas pseudo-científicas[24], todas ellas provenientes de la psicología del espectador.

            Así, cada dirección de una línea proyecta un estado sentimental, como se ve en:

-la alegría, producida por colores cálidos, o por líneas derecha-izquierda y abajo-arriba,

-el dolor, producido por colores fríos, o por líneas izquierda-derecha y arriba-abajo.

c) Paul Gauguin

            Paul Gauguin (París 1848-Islas Marquesas 1903) fue uno de los inspiradores de la Escuela de Pont-Aven, así como del uso provocativo del color por parte del fauvismo[25].

            Hijo de periodista republicano, fue desterrado a Perú y pronto quedó huérfano por ese motivo. Vuelto con su madre a Orleans en 1855, allí se embarca desde joven en la Armada francesa. A su regreso en 1870 trabajó como empleado en una oficina de agentes de Bolsa, y se casa con Sophie[26].

Hasta que en 1883 su jefe Gustave Arosa decide adentrarlo en el mundo del arte, influido por la forma de pintar de los impresionistas. En 1885 se decide por sí mismo, abandona la idea de seguir la corriente impresionista, y empieza a descubrir en el arte de Cezanne una mayor abstracción y sencillez.

En 1886 comienza su etapa como artista, al dejar su trabajo en la Bolsa parisina[27] y tener que sacar a sus hijos adelante de cualquier manera. Decide trasladarse a vivir a la barata Bretaña, al mando del artista Pissarro y bajo la ayuda financiera del merchante Teo Van Gogh[28].

Es aquí cuando se une a la Escuela de Pont-Aven[29], nueva corriente estética no del todo post-impresionista, y en la que hace un acercamiento a lo visionario, fantasioso y evasivo[30], así como hacia lo rústico y salvaje. Así, el color debe ser puro[31], estar lo más aglutinado posible y utilizar lo máximo posible:

-el rojo, para los campos,

-el verde esmeralda, para las hojas,

-el amarillo cromo 1, para las alas angélicas,

-el amarillo cromo 2, para el rostro angélico[32].

No obstante, su alergia por todo lo occidental le hace no aguantar ni siquiera la Bretaña, y en 1891 decide embarcarse rumbo a la Polinesia francesa, en el Pacífico. Se establece en Tahití en busca del mito del paraíso, para poder “cantar, vivir y morir” lejos de la podrida corrupción industrial de Occidente. Allí interpretó las mujeres oceánicas y el exotismo polinesio, así como se enamoró de una tahitiana.

            Hasta que en 1895 empieza a coger depresión y a drogarse con arsénico, bajo la promesa de suicidarse “si no puede volverse a Europa en el siguiente barco que zarpe”, pues había recibido la noticia de la muerte de su hija. Sus últimas obras no tratan ya de pintar primitivos, sino de pintar como un primitivo.

d) Obras de Gauguin

Destaca su Visión de Jacob y el Angel-1888, hoy en la Galería Nacional de Edimburgo, donde se muestra:

-temática cristiana[33],

-personajes contemporáneos[34] y cristianos[35],

-composición libre[36], sencilla[37] y diagonal[38],

-planitud[39] y escasa profundidad[40],

-color fuerte e intenso[41],

-inspiración japonesa[42],

-ruptura deliberada del impresionismo[43].

Destaca su Cristo amarillo-1889, hoy en la Galería Albright-Knox de Búfalo, donde se muestra:

-temática cristiana[44],

-iconografía cristiana[45],

-personajes contemporáneos[46] y cristianos[47],

-color fuerte e intenso[48],

-inspiración cristiana[49],

-ruptura deliberada del impresionismo[50].

Destaca su Ave María-1891, hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, donde se muestra:

-temática cristiana[51],

-personajes contemporáneos[52] y cristianos[53],

-colores exóticos y sensuales,

-errores técnicos[54],

-inspiración polinesia[55].

Destaca su Aparecido-1892, hoy en el Museo Albright-Knox de Búfalo, donde se muestra:

-temática indígena[56],

-inspiración polinesia[57].

            Destaca su Día del dios-1895, hoy en el Instituto de Arte de Chicago, donde se muestra:

-temática indígena[58],

-iconografía indígena[59],

-cierta abstracción del color,

-inspiración polinesia[60].

Destaca su De dónde somos, qué somos, dónde vamos-1897, hoy en el Museo de Bellas Artes de Boston[61], donde se muestra:

-filosofía esotérica[62],

-personajes contemporáneos[63],

-inspiración cristiana[64].

Destaca su Dos tahitianas-1899, hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, donde se muestra:

-temática indígena[65],

-personajes indígenas[66],

-impronta clásica[67],

-imaginación personal[68].

ed. Mercaba

Diócesis de Cartagena-Murcia

Indice general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm

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[1] Sin un estilo definido, ni exclusivo de una tendencia artística (pues no había jurado ni premios, sino sólo la idea de exponer por libre).

[2] Con temas todavía impresionistas, pero nueva armonía de colores y líneas (que daban mayor orden a la composición).

[3] Con cuyos viejos impresionistas hubo broncas monumentales.

[4] En el aspecto de los paisajes. Pues sus figuras continuaban siendo demasiado rígidas.

[5] Tildado por FELIX FENEON como neo-impresionismo, por venir sus artistas del Impresionismo, y significar que técnicamente era algo nuevo, que armonizaba líneas y colores de una forma que el viejo Impresionismo había rechazado (aunque sus temáticas siguiesen siendo las mismas).

[6] Con más de 150.000 franceses muertos y 550.000 prisioneros, a manos de GUILLERMO I DE PRUSIA.

[7] En nombre del gobierno anárquico, que se adueñó de París durante algunos meses, e impuso un régimen caótico en la ciudad.

[8] Que movió a los artistas a una nueva e inquieta experimentación.

[9] Mediante su Obra-1880, novela sobre la vida de MONET Y CEZANNE, en que critica los defectos técnicos de los impresionistas, y la prototipificación de “un loco y fracasado que pinta para hacerse reconocer”.

[10] Pues al principio era muy entusiasta del estilo, y amigo personal de los impresionistas.

[11] Momento de la 8ª y última exposición impresionista.

[12] Momento en que surgen las nuevas vanguardias.

[13] Gracias a los merchantes DURAND RUELL, GEORGES PETIT y AMBROISE VOLLARD, contrabandistas de arte que pagaban precios fijos por todos los cuadros, y luego vendían cada uno de ellos a un precio distinto.

[14] Surgido del rechazo que hizo la Academia de París a 20 artistas, que decidieron desde entonces:

-crear su propio grupo artístico,

-abrir un foro de discusión artística,

-invitar a otros artistas a exponer en sus exposiciones,

-fundar y colaborar con revistas comprometidas con sus ideas.

[15] Idea en la que coinciden los grupos de puntillistas, divisionistas, neo-impresionistas…

[16] Aunque resulte más artificial.

[17] Para romper la idea renacentista de ventana abierta, y hacer del marco parte integrante de la pintura.

[18] Intensificando los colores, para dar mayor brillantez y luminosidad. Pues “un color, al lado de su complementario, se ve más luminoso”, concluía GEORGE PIERRE SEURAT (como se ve en el rojo, que al lado de un verde, resulta más intenso).

[19] En la retina del ojo, y no en la realidad. Es lo que ocurre cuando la retina se estimula por un complementario (como se ve en el ejemplo de un punto rojo. Pues si uno lo mira fijamente, y luego vuelve su mirada hacia un folio blanco, éste se ve verde).

[20] Pues la luz de los colores, a una gran velocidad, produce el color blanco (como ya se había visto en los Discos de Newton-1700, un disco con los 7 colores que al girar rápido era visto blanco al completo).

                No obstante, la retina del ojo no es capaz de hacer lo mismo, porque no se mueve a la misma velocidad. De ahí que la pintura de los post-impresionistas sea un intento por acercarse al fenómeno del blanco y la luz a través del resto de colores y colaboración del espectador, pero no lo consiga del todo.

[21] Pues la mezcla de colores no se realiza en el lienzo, sino en la retina del ojo.

[22] Haciendo iguales todas las pinceladas, y reduciéndolas al punto como unidad constante a multiplicar. Y esto de forma sistemática, para aplicar con exactitud las dimensiones cromáticas y tonales (como se veía en el caso de cada punto amarillo cromo, por el que correspondían 2 puntos de azul ultramar).

                No obstante, se trataba de una unidad constante de puntos al principio, pues luego se iba variando dinámicamente la pincelada.

[23] Poniendo la punta del pincel en el lienzo, pero reconstruyendo la imagen por el ojo, desde la distancia.

[24] Para corregir así la estética especulativa y metafísica del Romanticismo.

[25] Desarrollado entre 1898 y 1908.

[26] De la que tendrá 5 hijos.

[27] Dado el desplome que venía sufriendo desde años atrás, y que ahora le deja en el paro.

[28] Que le permite exponer sus obras en su galería de arte, a cambio de acompañar en esos años a su hermano VINCENT VAN GOGH, enfermo de locura en la sureña Provenza.

[29] Colonia de artistas que empezó a reunirse en la Bretaña, alejada de la cara París, y donde empezaron a inspirarse en la vida sencilla de sus gentes (así como en su religión, vestidos pintorescos, costumbres ancestrales...).

[30] En efecto, se trataba de una corriente cuasi-simbólica que:

-huía de la realidad,

-rechazaba la naturaleza tal y como se ve,

-huía de la civilización e industrialización moderna,

-miraba al pasado, y sus tradiciones primitivas y ancestrales,

-miraba al presente, pero éste alejado de Occidente.

Y qué mejor manera que evadirse y meterse en el mundo de la imaginación que…sirviéndose de la iconografía cristiana, xilografías japonesas, escultura egipcia, arqueología primitiva maya... tal y como se pudo contemplar en la Exposición universal de París-1889.

[31] Tal y como sale del tubo. Pues lo que importa no es representar la naturaleza, sino hacer que el color salga del tubo tal cual, y se plasme y exprese por sí mismo, de forma arbitraria.

[32] Y es que el amarillo se había convertido en el color preferido para la Escuela de Pont-Aven.

[33] La de los feligreses de Misa, que muestran sus sentimientos tras escuchar el sermón. Así como la simplicidad rústica y supersticiosa (no del todo del agrado de GAUGUIN).

[34] El sacerdote y las campesinas (unas absortas, otras rezando, otras con los ojos cerrados…) con sus cofias blancas para el pelo.

[35] Jacob, y el ángel que se la aparece.

[36] Con perspectivas yuxtapuestas

[37] Con factura lisa de colores marcados.

[38] Mediante la rama del manzano, que atraviesa la composición en diagonal y divide el escenario en dos:

-el real, de las campesinas al salir de Misa,

-el irreal, de Jacob teniendo la aparición de las escaleras, a forma de fetiche.

[39] Como se ve en el tapiz rojo brillante usado de escenario, en el que se insertan como pegados los personajes.

[40] Mostrada tan sólo por los diferentes tamaños de figuras y por la superposición de cuerpos.

[41] Tanto más cuanto mayor es la superficie que cubre (de ahí el pintar un prado de color rojo). Pues el color debe ser puro (tal y como sale del tubo), y estar lo más aglutinado posible.

[42] De las xilografías del maestro KATSUSHIKA HOKUSAI, grabador japonés del periodo artístico ukiyo-e, donde se pintaban estampas con figuras flotantes).

[43] Como se ve en los personajes, los cuales están independizados:

-no por medio de los efectos lumínicos, como hacían los impresionistas,

-sí por medio de sus colores y contornos, como hacen los post-impresionistas.

                O como se ve en el rechazo de:

-buscar la sensación del aire,

-prescindir de las sombras y claros-oscuros.

[44] La de los rezos toscos y populares de la Bretaña, como icono primitivo de la fe. Y es que la Bretaña donde vivía GAUGUIN era fanáticamente religiosa.

[45] Como se ve en su hieratismo medieval…

[46] Las 3 mujeres reverentes del pueblo, que van rezando por el camino (imagen de las 3 Marías del evangelio). Junto a 1 negro que salta la valla para evadirse (imagen de Pedro).

[47] Cristo, mitad escultura (clavada en el campo) y mitad visión (según lo ven las mujeres). Pues se trata para GAUGUIN de un fetiche, o manifestación escultórica sobrenatural (sobre la que no se pronuncia, para mantener la ambigüedad).

[48] Tal y como sale del tubo, para expresarse por sí mismo. De ahí el pintar de amarillo el cuerpo de Jesús.

[49] En una talla del s. XVII de la Iglesia de Trémalo-Bretaña, a la que GAUGUIN dio un tamaño gigantesco y dejó como flotando:

-hacia el interior, en la parte de los pies de abajo,

-hacia el exterior, en la zona del travesaño de arriba,

[50] Como se ve en las figuras contorneadas.

[51] La de la Anunciación, algo evocadora de la adoración de los pastores.

[52] Las 2 tahitianas, que se acercan hacia el niño en actitud de adoración, y con una ofrenda pagana a Cristo (los frutos y vegetación exótica).

Además, la Virgen parece ser identificada con la bretona y 1ª mujer de GAUGUIN, MARIA HIERY.

[53] La Virgen con niño, ambos con nimbo de santidad, y muy destacados por su tamaño, grandes pies, vestidos rojos, rasgos étnicos.

Así como el Ángel, escondido entre los árboles, con vestido rosa y una palma del martirio (subrayando la ambigüedad de la aparición).

[54] Como se ve en la posición de Cristo, extraña e improbable.

[55] Como se ve en las 2 indígenas, tomadas del Encuentro de Buda con los 3 monjes, del budista Templo de Borobudur-Isla de Java. O en el título original de la obra, Ia Orana (lit. hola).

[56] La de los espíritus de los muertos. Pues un día GAUGUIN se encontró a su amante tahitiana muerta de miedo, por creer que se le había aparecido un espíritu del más allá (espíritu del más allá que era GAUGUIN, gastándole una broma).

[57] Como se ve en el título original de la obra, Manao Tupapau (lit. ella piensa en el Aparecido).

[58] La de los rituales religiosos, realizada con ofrendas sobre la cabeza y baile alrededor del dios.

[59] Como se ve en el dios, fetiche inventado por GAUGUIN (pues no existía en la realidad) que centraliza la composición.

                O como se ve en las analogías, de izquierda a derecha, del:

-nacer, en una salida de agua,

-crecer, en unos pies remojados al agua,

-morir, en una figura en forma de momia peruana.

                No obstante, separa la alegoría de lo divino de la alegoría de lo real por medio del espectador, que separa una cosa de otra.

[60] Como se ve en el título original de la obra, Mahana no atúa (lit. el día del dios).

[61] Pero en su día pintado en Tahití, a forma de testimonio póstumo (como se aprecia en los 2 ángulos superiores amarillos, a forma de fresco sobre una pared dorada). Pues, como decía GAUGUIN, “nuestro origen y el futuro representa lo incomprensible e indefinido”.

[62] Como puede seguirse en la lectura, de derecha a izquierda, de:

-el Edén perfecto, mediante 1 bebé,

-la Caída original, mediante:

-1 mujer comiendo el fruto prohibido (sin connotaciones sexuales),

-varias personas con túnicas que discuten (imagen del dolor y del conocimiento),

-1 persona que se rasca la cabeza (imagen de la felicidad inconsciente),

-la Muerte, mediante:

-1 estatua hindú (Ina, la diosa lunar de la regeneración),

 

-1 figura tahitiana reclinada (Vairaumati, la engendradora del Airoi, orden religiosa secreta tahitiana por la cual venía la salvación), que se debate entre:

 

-las palabras esperanzadoras de Ina,

 

-la muerte (encarnada en 1 anciana en posición fetal, que se tapa los oídos a las palabras de la diosa),

-1 pájaro blanco que lleva todo a su final (agarrando a una lagartija, símbolo del pecado).

                Lectura que se hace de derecha a izquierda:

-para desmarcarse de la literatura,

-para recorrer la vida al revés, desde el dolor de la experiencia hacia la autenticidad primigenia.

[63] Las 3 mujeres en cuclillas y 1 bebé dormido, junto a 2 figuras vestidas de púrpura que discuten. A lo que hay que añadir 1 cabra, 2 gatos y 1 pájaro blanco con 1 lagartija en sus patas.

[64] Según el propio GAUGUIN, que dice que se inspiró en el evangelio. Aunque también se inspiró en la Iglesia Católica y sus 3 edades del hombre (inocencia original, caída del pecado, consecuencias actuales).

[65] La de los rituales religiosos en torno al dios tahitiano.

[66] Los de 2 tahitianas, más sensuales y cercanas al espectador que en anteriores ocasiones. Que muestras sus ofrendas y pechos al dios. Junto al ídolo tahitiano, que no aparece porque es el espectador, que recibe las ofrendas.

[67] Como se ve en la dignidad de las figuras, con gran serenidad.

[68] Saltándose la trasposición fiel de la realidad.