ARTE
VANGUARDISTA
a)
Arte cubista
b)
Arte expresionista
c)
Arte dadá
d)
Arte expresionista abstracto
e)
Arte informalista
f)
Arte pop
g)
Arte minimalista
h)
Arte ambiental
i)
Arte conceptual
j)
Arte corporal
k)
Arte fotorrealista
l)
Arte pobre
Tuvo
su origen en las Señoritas de Avignon-1907
de Picasso y en las Casas de L’Estaque-1908
de Braque[1],
siendo ambos reconocidos como los padres
fundadores, tanto para el mundo de los artistas como para las
Academias de Bellas Artes.
La
1ª exposición cubista tuvo lugar en el Salón de los Independientes-1911, y en
1912 recibe definitivamente el nombre de cubismo por parte de Apollinaire, como
adjetivo despectivo que descalificaba las extrañas formas cúbicas dadas a las
casas humanas.
De
1907 a 1909 se desarrolla el cubismo
temprano, donde los dos co-fundadores y amigos deciden analizar lo
que han pintado[2],
reflexionar sobre los puntos en común[3],
romper oficialmente con el Arte precedente[4]
y recurrir a[5]:
-unas
temáticas, en torno a personas u objetos,
-unas
formas, que no querían perder,
-unos
puntos de vista, no únicos sino múltiples,
-la
planitud, sin salirse de la bi-dimensionalidad
De 1909 a 1912 se desarrolla el cubismo
analítico, por medio de entusiastas seguidores que se ponen a
debatir en torno a cómo exponer el cubismo[7],
así como defender:
-temáticas
neutras, como bodegones, retratos…
-figuras
fragmentadas, y sugeridas mediante mínimas pistas
-objetos
reducidos, fragmentados y abstractos,
-colores
restringidos, tendentes a la monocromía
-planitud,
a forma de una red superficial de intersección de líneas,
-distintos
puntos de vista, entre zonas del cuadro y partes del propio objeto,
-ruptura
de la profundidad, con espacios echados hacia atrás, arriba, adelante…
Es el momento en que se intenta dar plasticidad al cubismo, pero sin
negar la bi-dimensionalidad del plano. Lo cual se consigue al fragmentar por
igual cada cuerpo[10]:
-no
imitando la realidad,
-sí
representando la verdadera realidad
De
1912 a 1914 se desarrolla el cubismo
sintético, en un intento por impersonalizar las obras. Es el momento
en que se introducen al cuadro letras, números, recortes de periódico[12]…
Pues ya no se trata de fragmentar objetos, sino de reconstruir elementos
fragmentados, para hacer reconocible una imagen distinta[13].
Pintor francés, Georges Braque (1882-1963) fue uno de los fundadores del
Cubismo, junto a Picasso y en menor medida Juan Gris.
De familia acomodada, fue artista desde su niñez, estudiando arte en la
Academia Humbert y Escuela de Bellas Artes de París. Se inició en el fauvismo,
y empezó utilizando colores rosas y violetas. Hasta que conoce a Otón Friesz y
viaja con él a la marsellesa L’Estaque, lugar en que conoce a Cezanne
y decide hacer su estilo paisajístico más lineal[14].
En una exposición parisina de 1908 conoce a Picasso,
el cual le habla de sus Señoritas de
Avignon-1907, y ambos deciden ponerse de acuerdo para construir en común un
nuevo estilo artístico.
Participó en la I y II Guerra Mundial, saliendo herido de ambas y
pasando a un estilo más serio y austero.
Destaca su Casas de L’Estaque-1908, hoy en
el Museo de Arte de Berna[15],
donde se muestra:
-iconografía
contemporánea[16],
-composición
esquemática
-inspiración
post-impresionista
Destaca su Gran desnudo-1908, hoy en el
Museo de Arte moderno de París[19],
donde se muestra:
-color
desvinculado de lo pintado,
-belleza
formal
-deformaciones
lineales y corporales
-influencia
primitiva
Destaca
su Naturaleza
muerta con violín y jarra-1910, hoy en el Museo de Arte de Basilea,
donde se muestra:
-figuras
reconocibles[23],
-composición
a base de tectónica de aristas
-fusión
de líneas, de las figuras y composicionales.
Pintor español, Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) fue uno de los fundadores
del Cubismo, junto a Georges Braque y en menor medida Juan Gris.
Hijo de comunistas y comunista
hasta su muerte, Picasso participó en todo tipo de movimientos culturales de su
época, abordando los géneros del diseño, escultura, cerámica y grabado.
Compuso
más de 2.000 obras de arte, que hoy están repartidas por todo el mundo, y que
le convirtieron en el mayor
artista mundial del s. XX.
Destaca
su Señoritas
de Avignon-1907, hoy en el Museo de Arte Moderno de New York[25],
donde se muestra:
-temática
contemporánea[26]
y exhibicionista,
-personajes
irreales
-fragmentación
total
-ausencia
de jerarquía, proporciones
-planitud,
-varios
puntos de vista,
-variaciones
en las luces-sombras
-inspiración
primitiva
Destaca su Depósito de agua de Horta del Ebro-1909,
hoy en una Colección particular, donde se muestra:
-figuras
irreconocibles[33],
-colores
ocres, y el negro para dar volumen,
-distintos
puntos de fuga
-abstracción
casi total.
Destaca su Ambroise Vollard-1910, hoy en el
Museo Pushkin de Moscú, donde se
muestra:
-personajes
des-figurados y des-dibujados,
-confusión
de fondo-figuras,
-arbitrariedad
de puntos de vista
-luz
y volumen, pero sin romper la planitud.
Destaca
su Naturaleza
muerta con silla de rejilla-1912, hoy en una Colección particular,
donde se muestra:
-figuras
abstractas y ensambladas,
-pegada
de elementos fragmentados
-planitud
y materialidad, paradójicamente juntas,
-ruptura
de la formalidad clásica.
ARTE
EXPRESIONISTA
Tuvo
su primer referente en Munch[37],
y fue una corriente artística muy criticada de principio a fin. Se trataba de
un movimiento absolutamente revolucionario y cambiante, con novedosas formas de
hacer pintura que les llevó a mostrar su identidad a través de la luz.
Coincidió
con un periodo gobernado por Guillermo
II de Alemania, que intentaba convertir su reino en una potencia
mundial que dominara al resto, y cuya política de Paz
Armada estaba a punto de desembocar en la I Guerra Mundial.
Inauguró
un conjunto de exposiciones
itinerantes[38]
bajo el nombre de Arte degenerado,
reuniendo en ella a los mejores artistas de la época y tratando de manifestar:
-el
gran arte alemán, de apariencia grecorromana y exaltador de la figura del héroe
alemán[39],
-el
pésimo arte extranjero, sobre todo el de los negros
Tuvo
2 tipos de
Arte expresionista:
-el
Die Brucke-Puente, donde destaca
Kirchner,
Nació
en 1905 en Dresde, mediante un grupo de universitarios
de arquitectura[43]
que se unieron con el objetivo de buscar lo revolucionario y lo progresista del
Arte[44],
y establecer a nivel multidisciplinar[45]
puentes entre ambos. Hacia 1913 fue disuelto por propia decisión de sus
integrantes.
En
su Manifiesto
no ofrecen una programación artística, pero sí una toma de postura filosófica,
en gran medida nietzschiana y contraria a todo lo establecido. Aceptan en su
grupo a todo aquel joven que “refleje directamente y sin falsearlo, aquello
que le impulsa a crear”, con la idea de cambiar el mundo a través de la
pintura.
Su
término
fue decidido por influencia de Niezsche, que en Así hablaba Zaratustra hablaba de la grandeza del hombre, “consistente en ser un puente y no meta,
ser tránsito y no ocaso”. Se trató de una frase con la que los jóvenes
artistas quisieron lanzar cuerdas a toda la juventud mundial para cambiar el
mundo, siendo puentes hacia un mundo mejor.
Influyó
en la pintura[46],
escultura[47]
y cine[48]
posterior, así como asumió influencias
de:
-Durero,
y las técnicas que utiliza para el grabado[49],
-Van
Gogh, y su dramatismo transferido a través del color, la pincelada agresiva
y los ambientes lúgubres
-Matisse,
padre del fauvismo
-Munch,
al que interpretan.
Se
oponen a exponer en galerías de arte[52],
pero organizan 2 exposiciones
conjuntas, en 1906 y en 1907, y en un lugar que nada tuviera que ver con el
arte: la fábrica de lámparas de Dresde[53].
A partir de entonces Herwarth Walden se convierte en su principal mecenas, prestándoles
su Galería Der Sturm de Berlín para
cuando quisieran exponer, y dejándoles participar en la revista de su galería.
Se
trata de un grupo de acción y creación, que definió una nueva forma de
entender el arte y la vida: el trabajo
intenso, pensado y en equipo.
Muchas
de sus obras las hicieron en
grupo, desde una zapatería de Dresde que tenían alquilada y en la
que vivían a forma de comuna. Allí uno leía[54],
los demás escuchaban, y al final todos discutían lo que se había leído.
Se
trata de un arte atormentado
y subjetivo, que muestra al mundo las vivencias interiores del
artista. En ese sentido, buscan más la verdad interna que la belleza externa.
Se defiende la libertad creadora. Se potencia la búsqueda honesta de la libertad, y la posterior reacción ante ella. Pues la obra nace en el momento en que uno tiene una idea personal, pero luego hay que ejecutarla.
Desde
el punto de vista formal, comparte los rasgos de:
-pinceladas
gruesas y muy definidas,
-intensidad
de siluetas,
que están dibujadas con dureza para resaltar su figura,
-colorido
fauvista, con estridencia de colores y gamas cromáticas oscuras,
-trazos
dislocados, con los que intenta trasmitir la tensión y angustia del hombre
contemporáneo,
-facetación
cubista, del cubismo analítico,
-distorsión
espacial, sin interés por la línea de tierra, pues todo está flotando en un
espacio etéreo,
-ejercicio
absoluto de la espontaneidad,
liberando el dibujo, agudizando el ojo a pinturas rápidas...
En
cuanto a las temáticas,
se recupera el género:
-del
paisaje, como medio para expresar el estado anímico del individuo[55],
-del
desnudo, sobre todo Schmidt-Rottluf,
-de
la calle, con todo tipo de escenas circenses, cabarets, nocturnidad, grupos
urbanos…
Nació
en 1911 en Munich, y se extendió hasta 1916, año en que murió su impulsor Marc.
Duró, pues, escasos 5 años, pero con tiempo suficiente como para revolucionar
el arte contemporáneo, como movimiento más impactante de las primeras
vanguardias, y el encargado de dar el paso de la figuración a la abstracción.
Su
término
viene de que tanto a Marc como a Kandinsky les gustaba el azul, a Marc los
caballos y a Kandinsky los jinetes.
Se
trata de una pintura en apariencia intrascendente, pero con una intelectualidad
que supera la conciencia del arte de género. Aporta, además, pautas teóricas
para que el resto de los artistas puedan ironizar y superar:
-los
acontecimientos políticos de Alemania,
-los
paradigmas artísticos que estaban establecidos.
Se
fue extendiendo a través de las exposiciones
que realizó:
-en
la Galería Thannhauser de Munich-1911[56],
-en
la Galería Goltz de Praga-1912
Así
como por sus propios escritos,
como su anario Der Blaue Reitter[58]
y el libro De lo espiritual en el arte
de Kandinsky, donde se defiende la espiritualidad del hombre en la pintura, así
como la pintura como medio para llegar al alma del hombre[59].
Ejerció
influencia
en:
-el
Surrealismo, sobre todo en las Constelaciones
de Miró[60],
-el
Secesionismo
-el
Expresionismo abstracto, de los Estados Unidos
No
tuvo la pretensión
de cambiar el mundo que sí pretendía su colega El Puente[63],
pero sí la de:
-cambiar
la forma de pintar,
-relacionar
pintura y música
-relacionar
intelecto y emoción,
-tender
a lo trascendental, metafísico y místico
Se
interesa por el arte primitivo, arte infantil y arte creado por los esquizofrénicos.
Desde
el punto de vista formal, no tiene un estilo propio[66],
sino la defensa de la libertad
creadora del artista. Pretenden expresar su visión personal sin ningún
tipo de trabas, cosa que acusó en defecto su colega El Puente.
Alcanza
la abstracción
lírica, que rechaza la figuración y el valor de las formas como sistema para
conectar con lo más profundo del alma.
Defiende
la geometrización,
no de corte vertical o cuadrangular, sino aquella que quede difuminada por el
color. Pues una mera geometrización cuadrada limitaría las sensaciones.
Busca
la voluptuosidad
a través de las formas, con gran protagonismo para la curva.
El
color
tiene tanto peso y tanto poder que crea la forma, destacando en especial los
colores claros.
Pintor
noruego, Edvard Munch (1863-1944) fue un artista admirado y reconocido en
Europa. Amigo de Nietzsche y las corrientes nihilistas, tuvo formación científica
y quiso ser ingeniero.
Su
infancia
familiar fue dramática, pues su hermano mayor murió sin él conocerlo, su
hermana Sophie murió de tuberculosis con 15 años, a su otra hermana la
metieron a un manicomio y sus padres murieron cuando él contaba 10 años. Esto
le sumergió en la depresión hasta los 18 años, en que exclamó que “los ángeles
que vigilaban mi cuna eran la enfermedad, la locura y la muerte, y desde
entonces me han acompañado toda la vida”.
En
su adultez
se enamoró de Tulla, mujer casada de difícil relación que poco después le
abandona. No obstante, a Munch le enseñó que la belleza y el dolor del mundo
se dan la mano[67].
Empezó
su obra pictórica
imitando a los impresionistas, con un estilo agradable y amable, y queriendo
expresar al máximo lo que le estaba sucediendo[68].
Aborrece al máximo el uso de la cámara fotográfica[69],
y se decide por una pincelada tenue, desvaída y desgarrada, predominantemente
en color negro y rojo sangre[70].
Destaca
su Grito-1893,
hoy en el Museo Munch de Oslo. Se
trata de su obra más contundente, símbolo de la angustia, la soledad del
hombre y su propia angustia existencial. Es el cuadro más expresivo, más
homenajeado[71]
y más veces robado del arte contemporáneo, y fue posiblemente inspirado en las
momias peruanas de la Exposición Universal de París-1889[72].
Representa un rostro angustiado, que está solo y que se tapa los oídos. Al
fondo hay una serie de lenguas de colores que conforman el paisaje[73].
Destaca
su Danza de la
vida-1899, hoy en el Museo Munch
de Oslo. Se trata de un panegírico a los estados personales del hombre.
Presenta dos figuras contrapuestas: una blanca y muy sonriente (símbolo de la
vida), y otra vestida de negro y seria (imagen de la muerte). En medio se
insertan dos figuras bailando, más cerca de la muerte que de la vida, y
produciendo la sensación de estar flotando y sin control.
Pintor
alemán, Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) fue el fundador del movimiento
expresionista, aunque eso mismo le llevó a la frustración, a ver cómo sus
compañeros le defraudaban y al suicidio.
Durante
su infancia
“tuvo miedo de muchas personas”, como él mismo reconoció después. Ya de
joven empezó a estudiar arquitectura en Dresde, carrera que abandonó por la de
Bellas Artes en Munich. En su adultez
se alistó en el cuerpo de artillería para la I Guerra Mundial, y en 1915 sufrió
un colapso por el cual ingresó en un manicomio hasta 1921. Nada más salir de
ella le atropelló un autobús, que le dejó paralítico en adelante.
Su
obra pictórica
corrió paralela a sus depresiones, desde 1926 en adelante. Su exposición de
1937 fue catalogada como degenerada, sus caras de meras máscaras, y todos sus
cuadros destruidos. Kirchner explicó que él nunca había sido explícito a la
hora de mostrar el amor, y que su pintura era una forma de dar cariño pero sin
molestar a la gente. “Mis cuadros son alegorías, no retratos”, aclaraba el
expresionista alemán.
Destaca
su Franzi ante
una silla tallada-1910, hoy en el Museo Thyssen de Madrid. Se trata de un retrato de niña, sobre la que
realiza numerosas pruebas aunque utilizando en todas el color de forma
arbitraria.
Destaca
su Cinco
mujeres en la calle-1914, hoy en el Museo Wallraf de Colonia. Se trata de una escena berlinesa, posiblemente
de prostitutas vestidas con sus mejores galas[74],
aunque transmitiendo tensión en la escena[75]
y siniestra crítica social[76].
Destaca
su Cocina
alpina-1918, hoy en el Museo Thyssen
de Madrid. Se trata de una obra que termina en 1921, año en que es atropellado
y se retira a Davos para vivir en una pequeña cabaña para rehabilitarse de su
parálisis. En este caso, se presenta el propio autor trabajando en una cocina.
Destaca
su Paisaje con
Castaño-1923, hoy en el Museo Thyssen de Madrid. Se trata de un paisaje colorista, que se
corresponde con su actitud optimista ante la expectativa de volver a caminar.
Pintor
alemán, Franz Marc (1880-1916) fue ferviente seguidor de las corrientes
nihilistas de Nietzsche, aunque eso le llevó a fijarse excesivamente en las
imperfecciones del mundo.
Su
infancia
transcurrió en Munich, y aprendió a pintar de su padre. Ya de joven ingresó
en la universidad de Bellas Artes, y en 1902 huyó de su casa un día antes de
su boda. En su adultez
fue alistado para la I Guerra Mundial, donde murió en uno de los bombardeos.
Su
obra pictórica
fue autodidacta, y estuvo marcada por una facetación tendente a la abstracción[77]
y personalidad depresiva. En 1903 visitó París, y allí conoció a Durand
Rouel[78]
y la obra de Van Gogh, que le dio mucha paz y pronto enfatizó con él. A partir
de 1907 convierte a los animales en protagonistas de sus cuadros[79],
desde el estilo más luminista hasta un expresionismo más puro.
Destaca
su Grandes
caballos azules-1911, hoy en la Galería Walker de Minneapolis. Se trata de percibir los colores con toda su
carga simbólica[80],
y mostrar el azul como sinestésicamente oloroso, sabroso y auditivo. Además,
los caballos no representan sino ideas alegóricas, y lo material a algo
superado por lo espiritual[81].
Pintor
ruso, Wassily Kandinsky (1866-1944) fue el fundador de la abstracción artística
total, el máximo representante de la versión espiritual del arte y el pintor
contemporáneo más estudiado e imitado.
Su
infancia
transcurrió en Moscú, tocando el violonchelo, dejándose cautivar por el Lohengrin
de Wagner[82]
y frecuentando las exposiciones del Museo Hermitage
de San Petersburgo[83].
Ya de joven estudió Derecho y Economía en la Universidad de Moscú
En su adultez fue nombrado profesor en Universidad de Bauhaus, como encargado de formar a los jóvenes en las distintas disciplinas, con conciencia teórica y práctica fuerte. En 1889 tuvo que viajar al norte de Rusia para resolver ciertos litigios agrarios, lo que le valió descubrir el arte popular ruso y empezar a inclinarse por la pintura.
Su
obra pictórica
evolucionó desde una pintura académica y popular basada en el dibujo, figuración
y realismo, hasta la abstracción. Y es que en un viaje a París descubrió la
estética puntillista, que al día siguiente descartó cuando descubrió a Van
Gogh, sus nocturnos y su forma de pintar. Tras descubrir el color fauvista de
Matisse y las formas fragmentadas y planimétricas de Picasso, se vuelve a Moscú
y empieza a elaborar una pintura viva y efervescente, sin que necesariamente sus
formas fuesen algo concreto[84].
Destaca
su Primera
acuarela abstracta-1913, hoy en el Museo Pompidou de París. Se trata de la primera acuarela abstracta de la
historia del arte. Presenta líneas y formas conectadas armónicamente entre sí,
pero que no se pueden identificar. Pinta colores para llamar la atención del
alma humana, y da forma a los colores para ejercer una influencia directa sobre
ella.
Destaca
su Pintura con
tres manchas-1914, hoy en el Museo Thyssen de Madrid. Se trata de una obra realizada tras regresar a
Rusia para la I Guerra Mundial. Transmite
movimiento, vacío, reposo, zonas dramáticas... como algo que empuja hacia un
lado. Plasma un juego de armonía y desarticulación del color, a base de
manchas irregulares de color y diferentes consistencias.
Nació
en 1915 en Zurich, por parte de un numeroso grupo
de poetas[85]
que recitaban sus poesías y ensayaban gestos emblemáticos[86]
en el Café Voltaire. Se trataba de
cambiar las tipografías, y resaltar un resto que no dijese nada, a base de
palabras sin sentido. Así conseguían creativamente embelesar a la gente, sin
que les entendieran.
Se
trata de un movimiento intercisciplinar confeccionado expresamente para no ser
comprendido[87],
entre otras cosas porque muchos de sus artistas participaron en la I
Guerra Mundial y sufrieron el hambre, la orfandad y las enfermedades[88].
Tenía
como objetivos:
-destruir
las decepciones humanas[89],
-protestar
contra todo el orden establecido
-recuperar
el azar del orden natural
-eliminar
la trascendencia del Arte
-promover
todo lo irracional, absurdo y falto de sentido
Su término viene de Tzara, que en su Manifiesto dadá-1918 vino a explicar que dadá no significaba nada, pues “dadá es o todo o nada”. No obstante, ya en 1916 los dadaístas habían ojeado el diccionario y elegido al azar 2 palabras que empezaran con da[94]. Pues lo importante era el estado de ánimo, y a lo mucho el primer sonido de un niño que dice papá, como algo nuevo que parte desde cero.
Recibió
influencia
del:
-futurismo
italiano, que defendía el progreso y la velocidad[95],
así como sus nuevas tipografías[96]
y el fotodinamismo,
-cubismo,
del que se interesan por sus collages
y facetación,
-constructivismo
ruso, movimiento comunista que aplicaba la técnica del fotomontaje en base
a distintas imágenes.
Ejerció
influencia
sobre muchos movimientos[97],
tales como:
-el
surrealismo, de André Bretón,
-el
neodadaísmo, de Rauschenberg y Jasper Jones,
-el
happening, de Fluxus,
-el
arte conceptual, de Joseph Kosuth,
-el
arte postmoderno, de Bárbara Kruger,
-el
apropiacionismo, de Cindy Sherman.
Su
difusión vino sobre todo a través de sus escritos:
-Manifiesto
dadá-1918, libro de Tzara en que se burla de los compendios de
Arte,
-Dadá,
Almanaque dadá, 391 y Camera
Work, revistas en las que explican su pretensión artística.
Así
como por una nueva forma de darse a conocer: creando escándalo:
-teatralizando
la obra de arte ante el público[98],
-tocando
instrumentos, cantando y bailando
-provocando
a los políticos en sus exposiciones
Hubo 3 tipos de Arte dadá:
-dadaísmo
berlinés, donde destacó Heartfield y Hausmann,
-dadaísmo
hannoveriano, donde destacó Schwitters,
-dadaísmo
neoyorkino, donde destacó Ray, Prin y Duchamp.
El
movimiento dadá es más cercano a un modo de vida que a un estilo artístico.
De hecho, se trata de un arte anárquico,
que pone en entredicho:
-el
objeto artístico, burlándose de su utilidad a través del humor,
-el
sujeto artístico, ironizando sobre su papel en la sociedad.
Mantiene
una actitud iconoclasta
que afecta a todas las artes. Así, busca nuevas tipologías para la obra de
arte: los ready mades. Un ready
made que viene a presentar como obra de arte a un mero objeto industrial o
de uso corriente. Sigue así, también, la estela del arte decorativo,
haciendo de un objeto cotidiano un objeto estético.
De esta forma, para el dadaísmo es el artista quien decide si su obra es una obra de arte o no. Pues lo importante del arte es la idea del artista.
Se trata de un arte de mal gusto, componiendo collages con objetos de desecho y de la basura. Pues lo que se busca es una reacción ante el cuadro[101], que no genere indiferencia visual.
Utiliza
una tipografía libre y sin
reglas, sin signos de puntuación[102]
y tratando de colocar casualmente los objetos e imágenes.
Pintor alemán, Hearfield (1891-1968) fue el mecánico del arte dadá[103], aparte del inventor del fotomontaje con finalidad política[104].
En
cuanto a su vida
laboral, estuvo vinculado incansablemente a la política. Con su
hermano y otro pintor creó en 1918 el partido comunista alemán. En 1933 huye
de su natal Berlín y se va a Praga hasta 1938, año en que tiene que exiliarse
definitivamente a Londres.
En
cuanto a su obra
pictórica, sus collages
estuvieron dotados de una crítica política enorme nivel. Odió a los fotógrafos,
y sobre todo aquellas fotografías en las que no se podían distinguir los
matices. No respetó, así mismo, las unidades de textura, estilo y espacio de
las fotografías que utilizaba, sino que jugaba constantemente con ellas.
Destaca
su Adolfo el
superhombre traga oro y larga chatarra-1932. Se trata de un cartel
bromista respecto a lo hueco de los discursos de Hitler, pero que acabó en una
crítica inaceptable que le valió el destierro de Berlín. Tras irse de Berlín
hizo una reproducción del cartel y lo pegó por toda Alemania, pero produciendo
el efecto contrario que buscaba: que Hitler fuese más conocido, y sus
seguidores se posicionasen de forma más radical.
Restaurador
austriaco, Raoul Hausmann (1886-1971) fue hijo de padre pintor, destacando
por sus tendencias plásticas de escritor y fotomontador.
Pasó
su vida
laboral en Berlín, donde escribe Hyde
a partir de las fotografías que hizo en su viaje a Sylt. Conoce al pintor
expresionista Hezkel, y se va introduciendo por su medio en el arte
vanguardista. En 1915 conoce a Hanna Höch, su amante e introductora en el arte
dadá. Dentro de su labor restauradora inventó el optófono, instrumento que
convertía en luz de color los sonidos musicales.
En
cuanto a su obra
pictórica, supo dar a sus fotomontajes un fundamento de crítica política.
En 1921 hace una gira por toda Europa con Heartfield, con la idea de hacer
conocer el movimiento dadá. Y en 1926 funda la revista Der
Dada, bajo el formato de panfleto político. En 1958 escribió Coumier
Dadá.
Destaca
su Crítico de
arte-1919, donde convierte al crítico de arte en un ser idiota,
vendido al nuevo burgués y cuyas críticas están al servicio del mejor postor.
En efecto, coloca en el cerebro de un crítico de arte un zapato, un portaminas
a forma de espada gigante en su mano, y un avión de papel bancario en la
espalda.
Destaca
su Tatlin
en casa-1920, hoy en el Museo Moderno
de Estocolmo. Se trata de caricaturizar la sociedad contemporánea, representada
por el arquitecto ruso Tatlin y su diseño arquitectónico para la III
Internacional Socialista[105].
Aparece bajo el lema “el arte ha muerto, viva la máquina de Tatlin”,
mostrando que a partir de ese momento la gente sólo tiene máquinas en la
cabeza, ha perdido el sentido de la razón y sigue siendo igual de pobre que
antes[106].
Destaca
su Cabeza mecánica-1920,
donde reflexiona ácidamente sobre el falso rigor del racionalismo, que había
llevado a la I Guerra Mundial y a la total despersonalización e imposición
irracional de sistemas artificiales. Representa a un burgués sin atributos,
rodeado de elementos que lo controlan y sin indicio alguno de que pueda pensar
por sí mismo. Se trata de una talla en madera a la que incorpora objetos de
medición: regla, cinta métrica, maquinaria de reloj... Tiene también un
estuche abierto con artilugio con tipos de letras, como imagen del espíritu de
nuestro tiempo.
Destaca
su Sombras-1932,
serie en la que hace un análisis a caballo entre el surrealismo y el dadaísmo.
Se trata de fotomontajes que juegan con lo real e irreal, elaborados a través
de fotografías académicas, con búsqueda de rigor en la técnica pero espacios
poco comunes para ser objetivo fotográfico.
Pintor
alemán, Kurt Schwitters (1887-1948) fue profesor de
dibujo académico, aparte de dar conferencias por toda Alemania bajo el lema
“adhiérase a dadá”.
En
cuanto a su vida
laboral inventó el pegamento schwitters
y los merz, mezcla de forma pictórica
y escultórica.
En
cuanto a su obra
pictórica, odia utilizar materiales lujosos o los ya empleados en la
historia del arte, y defiende que la obra que no debe tener valor en sí misma.
El procedimiento también ha de ser descuidado, no perdurable en el tiempo y únicamente
empleado para dar toques de atención. “Lo eterno es lo que más dura”, y
“la idea debe predominar sobre la obra”, concluía Schwitters.
Destaca
su Merzbild I-1919,
ensamblaje dadaísta a base de basuras recogidas de la calle, con las que
muestra su absoluto rechazo por la representación mimética. Muestra el retrato
de un alienista-psiquiatra de forma conceptual, utilizando la técnica mixta
sobre tela y varios objetos pegados sobre ella.
Destaca
su Merzbau de
Hannover-1930, su propia casa familiar, compuesta a base de cavernas
con estalactitas[107].
En cada caverna se representa un pequeño homenaje a cada uno de sus amigos
artistas, muchos de ellos pertenecientes al constructivismo ruso.
Fotógrafo
norteamericano, Man Ray (1890-1976) ocupó todo su arte en buscar la libertad y
el placer, formando junto a Duchamp y Picabea la rama norteamericana del Arte
dadá. Dejó llamarse siempre por ese apodo, y fue a la vez cineasta, cantante y
bailarín[108].
En
cuanto a su vida
laboral, trabajó en el estudio de fotografía de Stieglitz, retrató
desde diversos ángulos a sus amantes Kiki y Miller, y expuso parte de sus
fotografías para algunas revistas de moda. Descubrió, así mismo, el
procedimiento de la solarización[109],
que le dio gran fama.
En
cuanto a su obra
pictórica, todos sus retratos tuvieron influencia de Ingres, el
cubismo y el futurismo. Utilizó mucho los rayos-gramas[110],
técnica que para crear imágenes surrealistas no necesitaba de la cámara de
fotos.
Destaca
su Plancha con
clavos-1921, donde se dota de nueva identidad al objeto cotidiano, y
se le convierte en un objeto sin uso, de simple disfrute estético. Objeto
llamado por Ray objeto sádico.
Destaca
su Objeto
indestructible[111]-1923.
Se trata de un ready made: un objeto
encontrado que Ray modifica para destacar lo absurdo y trivial. En efecto, nos
encontramos con metrónomo, marcador del compás, que es utilizado por Ray como
burlesco sistema de precisión. Así, coloca un ojo (el de su amante Miller) en
su aguja, apuntando a que alguien te está siempre controlando.
Destaca
su Violín de
Ingres-1924. Se trata de una fotografía de su amante Kiki, retratada
de espaldas y emulando a la Odalisca
de Ingres (añadiéndole con tinta china las dos “f” de los violines). No
trató de crear admiración ni excelencias técnicas, sino tratar de divertir,
molestar y desconectar. Eso sí, al convertir el desnudo en un vuelo, invita a
ser tocado[112].
Pintor
francés, Marcel Duchamp (1887-1968) fue el artista más polémico del s. XX,
marcando un antes y un después en el arte vanguardista. Fue homosexual y famoso
por sus peinados.
No
tuvo apenas vida
laboral, pues fue suspendido y expulsado de la Academia de Bellas
Artes, nunca fue admitido en ningún círculo académico y se ganó la vida
autodidactamente. En 1913 expone sus cuadros en la Galería Armory Show de New York en el Armory Show, bajo el título “I
don’t believe in art”, como lema que le convertía en el primer artista que
negaba el arte.
En
cuanto a su obra
pictórica, admiró mucho a Picasso y Matisse, investigó la pintura
impresionista y cubista, y su obra estuvo próxima a la obra de Cezanne. Se
interesó por el lado creativo de las cosas, mostrando asqueamiento por toda la
terminología intelectual[113]
y admiración por el arte conceptual[114].
Duchamp entiende que lo que se ha visto a lo largo de la historia del arte es
solo una mínima parte del mundo. Él busca el mundo invisible, el que todavía
no se ha mostrado. Para él el arte es la única forma de actividad mediante la
cual el ser humano:
-supera
la fase animal,
-se
manifiesta como verdadero individuo,
-se
sumerge en regiones donde no domina ni el tiempo ni el espacio.
Destaca
su Rueda de
bicicleta-1913[115].
Se trata de un ready made formado por
un taburete de cocina (sensación de reposo) y una rueda de bicicleta (símbolo
del movimiento), ambos colocados de forma indiferente y con la idea de no
generar ningún tipo de reacción ni sentimiento. Reta así a una sociedad que
se estaba acostumbrando a venerar las obras de arte, mediante un arte cinético[116]
que desacralizaba al arte y la figura del artista.
Destaca
su Botellero
de hierro-1914, ready made
“no interesante ni en la forma ni en nada, sino indiferente”. Eso sí, y
como describió el propio Duchamp, realizado “para criticar devastadoramente a
las obras de arte, y tratar de fetiche a todo objeto artístico”.
Destaca
su Fuente-1917,
ready made que muestra un orinal de
porcelana invertido, bajo la firma seudónima de R. M. Mutt[117].
Descontextualiza así el objeto presente: título, inversión de la forma, marca
del urinario… La crítica fue feroz[118],
y la pieza fue comprada por un crítico importante del momento para ponerla como
ejemplo de arte absurdo, y acusar así a la vanguardia de estar convirtiéndose
en academicista.
Nació
en 1942 en Estados Unidos, cuando llegan noticias del expresionismo alemán y
del surrealismo[119].
Se desarrolla en plena Guerra
Fría, y convirtió a New York en la nueva París del momento, como
ciudad cosmopolita y referencia mundial del arte.
Fue
desarrollado por un grupo de artistas[120],
posiblemente protegidos por la CIA[121],
que comparten unos mismos preceptos, una conciencia de grupo, y ausencia de una
misma formalidad técnica[122].
Su término proviene del crítico Coates, que en su columna del The New Yorker afirmó que “algunos lo califican como una escuela de manchas y borrones, mientras yo lo considero como expresionismo abstracto”.
Recibió
influencia
del:
-cubismo,
sobre todo de Picasso,
-surrealismo,
sobre todo de Miró,
-psicoanálisis,
sobre todo de Carl Jung
-existencialismo,
sobre todo de Sartre[124],
-muralismo,
sobre todo el mexicano,
-Proyecto
de Arte federal, que animó a los jóvenes pintores a decorar los edificios
neoyorkinos.
Ejerció
influencia
sobre muchos movimientos, tales como:
-el
arte abstracto post-pictórico,
-el
arte de las performances,
-el
arte minimalista.
Su difusión corrió a cargo de los escritos:
-de
Rosenberg y Greenberg, que escribieron libros y concedieron entrevistas,
-del
The New York Times, que fue publicando
desde 1942 las cartas Rothko y Gottlieb acerca de los objetivos del movimiento
Así
como por las exposiciones:
-del
MoMA[126],
inaugurado en 1942 por Barr[127],
-de
la Galería Art of this century de New
York-1942, a cargo de Peggy Guggenheim,
-de
la Galería Artistas en el exilio de
New York-1943, a cargo de Pierre Matisse.
Hay
3 tipos de
Arte expresionista abstracto:
-expresionismo
de la Pintura Acción, donde
destacan Pollock y Kooning. Aquí prima el gesto y acción del
artista, para luego ser interpretadas;
-expresionismo
del Campo de Color, donde destaca
Rothko. Aquí lo importante son los paisajes que sinteticen la naturaleza;
-expresionismo
de los Independientes, donde
destaca Gorky y Kline.
Todos
sus miembros compartían una idea: expresar las verdades eternas, captando lo
sublime, aprehendiendo la metafísica, deseando la heroicidad[128].
Rechaza
las técnicas
clásicas y su acabado perfecto[129],
experimenta las viejas innovaciones de las primeras vanguardias, e incorpora las
nuevas técnicas y pinturas comerciales. En ese sentido, explota los aspectos
del proceso: gesto, color, textura y forma, por ese mismo orden y con total
ferocidad y agresividad.
Busca
ante todo la libertad
e individualización,
de forma rebelde, franca, inconformista, inmediata e improvisada. Pues así el
inconsciente estará libre de la contaminación social, y se podrá pintar de
forma inconsciente.
No
obstante, también trata de descifrar los mitos y símbolos colectivos de los
que participa el subconsciente
colectivo.
Intenta que el espectador sienta lo que sienten los artistas. De ahí que sus cuadros sean cuadros-terapia[130], registros de una lucha existencial, de una autodefinición personal, de la conciencia de pequeñez humana.
Utiliza
grandes
formatos, como mejor medio para magnificar la pequeñez humana. Así
las obras podían verse desde lejos, podían impresionar y lanzar desafíos al
espectador[131].
Pintor
norteamericano, Jackson Pollock (1912-1956) fue el artista más automático del
arte vanguardista norteamericano. De joven estudió Bellas Artes en New York,
casándose con la pintora Krasner e intentado suicidarse varias veces, hasta que
murió en accidente de tráfico.
Su
vida laboral
se desarrolló por completo en el mundo de la composición y venta autodidacta
de sus piezas de arte, de grandes dimensiones y cuyas telas eran pintadas
directamente sobre el suelo[132],
a forma de pintura acción[133]
y rituales gestuales[134].
En
cuanto a su obra
pictórica, tuvo gran influencia de la pintura muralista mexicana[135]
y cine californiano, aparte de ser gran admirador del Guernica de Picasso. Pretendió conectar su pensamiento con la
propia vida de la obra, a través de una estética que dotase de lógica interna
y azar controlado al lienzo. Trató que su arte fuese la expresión de su época
y entorno, civilizados y reglamentados[136],
arriesgando el cuadro si era necesario y rompiendo definitivamente la vía
europea del arte.
Destaca
su Cinco
brazas de profundidad-1947, inspirada en los versos de Shakespeare[137]
y que tras las radiografías aplicadas descubrió en su trasfondo la silueta
perfecta de una persona, algunos botones y una llave, como si estuvieran sobre
el cuerpo. Es decir, no había anulado para nada la figuración.
Pintor
holandés americanizado, Willem de Kooning (1904-1997) había llegado
a Estados Unidos como polizón en un barco. Fue amante del Jazz, alcanzó la
fama y se enriqueció de forma muy rápida.
Desarrolló
su vida
laboral dando clases en varias escuelas y universidades de arte,
aportando una formación teórica profunda. También compartió estudio con
Gorky, debatiendo con él las claves del arte expresionista abstracto.
Su
obra pictórica
fue cromática, colorista y agresiva, reflejando el giro, el movimiento y la
armonía en la pincelada. Se sirvió de toda clase de imágenes eclécticas,
vistas bajo el prisma del cubismo y sin abandonar por completo la figuración.
Muestra también cierta influencia del informalismo y arte japonés. Su
abstracción se centró en el tema de la desesperación, porque es el que más
le pegaba y porque él a veces también se sentía desesperado.
Destaca
su Women-1950,
serie de pinturas muy criticadas por dar una imagen terrorífica de la mujer,
llena de gestos violentos y groseros, aunque con gran vitalidad. Fueron
realizadas tras un largo proceso de creación, y pudo tener la intención de
menospreciar la crítica artística.
Pintor
ruso americanizado, Mark Rothko (1903-1970) fue hijo de familia judía emigrada
de Rusia[138]
a Estados Unidos, lugar donde aprendió[139],
ejerció su carrera de arte, y se suicidó[140].
Ejerció
su vida
laboral por todo Estados Unidos, diseñando alfombras y moquetas con
su propio estilo, así como pintando óleos en trípticos y paneles de grandes
dimensiones. También decoró la Capilla Menil
de Houston[141],
dentro de la universidad texana, bajo el mecenazgo de la familia Menil, y con la
máxima expresión de su energía arbitraria y espiritualidad contemplativa[142].
Su
obra pictórica
alcanzó la abstracción pura, no pintando nunca ni una sola línea definida[143].
Así, buscó el mundo puro y auténtico a través del color, con el que juega[144],
da forma a sus obras, crea dimensiones con su masa pictórica y retoma el
recurso al esfumato. Sus cuadros representaban posiblemente paisajes, y trataban
de transmitir sensaciones[145].
Evolucionaron poco a poco hacia las pequeñas dimensiones y colores menos vivos,
al tiempo que la penuria personal del artista era cada vez mayor[146].
Pintor
armenio americanizado, Arshile Gorky (1904-1948) fue hijo de familia emigrada de
Rusia[147]
a Estados Unidos[148],
lugar donde se cambió el nombre[149],
ejerció su carrera de arte y se suicidó.
Ejerció
su vida
laboral de forma trágica. Convirtió su granero de la granja en su
propio estudio, pero un incendio en 1946 destruyó el 90%
de su obra y biblioteca. Además, al mes siguiente se le diagnosticó cáncer y
fue desahuciado.
Su
obra pictórica
quedó plasmada en el único cuadro que sobrevivió al incendio, y que fue
trabajando toda su vida desde 1918, año en que se hizo una fotografía con su
madre para enviársela a su padre, y ocasión que tuvo Gorky para volcar todos
sus sentimientos (pues ese mismo 1918 murió su madre de inación en sus
brazos). Para él, el arte era su salvación.
Destaca
su Artista y
su madre-1920, imagen conmovedora y representación máxima del amor
y nostalgia hacia ella. Trata de emular a los iconos religiosos, como si
representara a la Virgen con el niño. Así, su madre quedó entronizada como símbolo
universal, y él quedó plasmado como oferente con una ofrenda de flores en las
manos, para ofrecer a su madre. Contó con cientos de bocetos, siempre con mucho
cuidado, y en su diario explicó que echaba de menos poder tocar el mandil de su
madre.
Destaca su Agua del molino florido-1944, imagen obtenida de la observación de la naturaleza. Se trata de una obra ambigua, la última que pinta y tras haberse ido a vivir a una casa de campo a Virginia. Intenta mostrar el estado vital de las plantas e insectos, convirtiéndose en un pintor biomórfico, que da vida a las formas a través de un arte abstracto orgánico. Representa paisajes de la memoria, que reviven de nuevo en su memoria y le dan un sentimiento vitalista.
Nació en 1945 en Francia, como movimiento paralelo al expresionismo abstracto americano, aunque no de una forma teórica sino esclusivamente pictórica. Su pretensión era mejorar y cambiar el mundo por medio de las manos, y no tanto del pensamiento[150].
Fue
fundado por el pintor Jean Fautrier, que imprimió al movimiento las coordenadas
de:
-el
nacimiento, y los mecanismos de la vida
-la
muerte, definitiva y sin nada más después,
-lo
irracional, con puentes hacia la deficiencia mental y esquizofrenia.
Recibió
inspiración
de:
-el
existencialismo, tanto de Sartre[151]
como de Heidegger[152],
-la
paranoia crítica, sobre todo de Dalí
Se
opuso al expresionismo del Campo de Color,
por entender que toda su sublimidad y armonía debían tener mucha más agresividad.
Hubo
2 tipos de
Arte informalista:
-el
informalismo puro, donde destacan Tapies y Saura,
-el
espacialismo, fundado por Fontana,
-el
brutalismo, fundado por Dubuffet.
Se
trata de un arte
gestual, donde la mano se convierte en la herramienta esencial. Eso sí:
-siguiendo
las leyes del azar, con tendencia a la máxima indeterminación y dispersión,
-abandonando
la armonía de colores, y convirtiéndose en mero muestrario de materiales.
Baraja 3 ideas artísticas:
-construcción
autómata e irreflexiva,
-ausencia
de referente real,
Eso
sí, siempre deja latentes fragmentos
tangibles de la realidad, por muy minúsculos e imperceptibles que éstos
sean. Pues la obra de arte ha de ser legible, iluminar su significado, abrir la
percepción estética.
Emplea un lenguaje abstracto y no figurativo, por lo general. Así, no boceta ni concibe nada, emulando la escritura automática de los surrealistas.
Sus
artistas ya no pintan, sino que tan sólo dejan su huella personal:
-no
a forma de firma o estilo,
-sí
a forma de meterse el artista en la obra
Nació en 1946 en Buenos Aires, de la mano del argentino Lucio Fontana.
Su término proviene del mismo
Fontana, que llamó a su arte movimento
spaziale, como forma de crear un arte para la nueva era, y en el que se
mostrara el auténtico espacio del mundo.
Recibe influencia del Arte dadá, Arte
concreto y tachismo.
Ejerció influencia en el Arte conceptual
y Arte ambiental, sobre todo por sus ideas de trascender el lienzo y entrar en
el reino de la realidad.
Entre sus escritos destaca el Manifiesto
blanco-1946 de Fontana.
Y
entre sus exposiciones
destaca su I Exposición espacialista-1949.
Entre
sus características,
trató el Arte espacial de:
-erradicar
el caballete, e incluso la misma pintura, para intentar captar el
movimiento,
-cortar
la tela, con incisiones
Nació en 1946 en París, cuando el francés Jean Dubuffet
empezó a reunir colecciones de gentes ajenas al mundo artístico[156]
y formación artística[157],
y a difundirlas con la idea de demostrar que no estaban enfermos mentales[158].
Su término fue acuñado por el
propio Dubuffet, que se refirió al Outsider
Art y Brut Art a la hora de hablar
del arte surgido fuera de la cultura oficial.
Entre
sus exposiciones,
destaca:
-la
Compañía del Arte bruto-1948, que reunió 5.000 obras,
-la
I Exposición brutalista de París-1967, de ancianos, solitarios y autodidactas,
-la
II Exposición brutalista de Lausana-1976, de enfermos psiquiátricos.
Entre sus características, trató el Arte
bruto de:
-reflejar
estados mentales extremos, sobre todo tras la II Guerra mundial,
-elaborar
mundos de fantasía, con sus propias idiosincrasias particulares,
-retomar
el primitivismo artístico, como contrapuesto a la modernidad.
Escultor
argentino, Lucio Fontana (1899-1968) fue hijo de familia emigrada de Argentina a
Italia en 1904, y fundador del movimiento espacialista en 1948.
En
su vida
laboral llevó a cabo todo tipo de esculturas espaciales,
incorporando piedras, vidrios y lentejuelas a la tela, y casi siempre luz negra
a todas sus ambientaciones. En 1930 rompió con la tradición académica y se
unió al movimiento abstracto de Milán. De 1934 a 1939 residió en París,
donde realizó relieves en terracota, lápidas grabadas en cemento coloreado y
esculturas cerámicas. En 1939 visitó brevemente Argentina, y allí realizó
escultura figurativa como la que había visto en París. En 1949 realizó sus
primeros buchi[159],
y de 1951 a 1958 realizó la serie Pietra,
en la que incorporó cristal de Murano.
Su
obra escultórica
es instintiva, renovadora, optimista y vital, empleando los adelantos que imponía
la ciencia y la técnica, con total libertad de expresión y para nada fácil de
entender. En su Manifiesto Blanco-1946
defiende su ruptura con la clásica pintura de caballete y su intención de
superar los límites asignados a la obra de arte. Sostuvo la necesidad de
integrar todos los elementos físicos (color, sonido, movimiento y espacio) en
una unidad ideal y material.
Destaca
su Naturaleza-1959,
donde hay una búsqueda de lo matérico, en un intento por indagar cómo
evoluciona la naturaleza. Así, lo más inerte de la naturaleza pasa a ser una
piedra.
Destaca su Fin de Dios-1964, donde insinúa que el espacio que se le ha dado a Dios desde la antigüedad ha sido la esfera, que es la forma perfecta. En la obra se deforma a propósito la esfera, adoptando la forma de ovoide perforado.
Destaca
su Concepto
espacial-1962, buchi de acuarela sobre tela que trata de investigar
lo que hay interiormente en la realidad.
Escultor francés, Jean Dubuffet (1901-1985) fue el que mejor transmitió la imagen inocente del mundo infantil y los enfermos mentales.
En su vida laboral fundó la Compañía del Arte bruto en 1948 (reuniendo más de 5.000 obras), convocó la I Exposición brutalista de París-1967 para exponer obras de ancianos, solitarios y autodidactas, y en la II Exposición brutalista de Lausana-1976 abrió las puertas del arte a los enfermos psiquiátricos.
Su obra escultórica percibió perfectamente la esencia de las cosas, simples, sin perspectivas, sombras ni claroscuros, y con pocos elementos a representar. Casi siempre utiliza los colores blanco, azul y rojo, grandes tamaños escultóricos y una movilidad sin una forma predeterminada.
ARTE
POP
Nació
en 1955 en Estados Unidos, como reacción al expresionismo abstracto
norteamericano[160]
y como arte que recogía los nuevos símbolos
del país[161],
así como la vida y
objetos cotidianos y comunes de la sociedad[162].
Vivió
el boom de 1960, en medio de una oleada de prosperidad económica que hacía que
la gente olvidara la posguerra y se ilusionara en un mundo maravilloso, en que
todo el mundo era feliz y capaz de consumir.
Creó
división de
opiniones. Pues para muchos supuso un movimiento atrayente[163]
y cercano[164],
pero para otros supuso:
-una
tomadura de pelo, respecto a la gente común y sus vidas privadas,
-rebajar
la cultura artística, a lo más barato de la sociedad.
Su
término
proviene de la abreviatura inglesa pop
utilizada por Alloway, director del Museo Guggenheim
de New York, al hablar del nuevo estilo del Popular Art.
Recibió
influencias
de:
-los
neodadaístas, que habían empezado a hacer fotomontajes con imágenes
banales,
-la
publicidad, que prometía que todo podía ser posible.
Ejerció influencias sobre:
-el
arte conceptual, de Bárbara Kruger[165],
-la
escultura contemporánea, de Jeff Koons
Hubo
2 tipos de
Arte pop:
-populismo
norteamericano, donde destacaron Warhol, Lichtenstein y Oldenburg,
-populismo
británico, donde destacaron Hamilton y Hockney.
Se
trata de un arte formalista y
frío, que rehuye la expresión íntima de los artistas, elimina las
emociones personales y desprecia cualquier vestigio de pensamiento humano. No va
dirigido directamente al pueblo, sino que toma del pueblo sus temáticas.
Impone
una estética común en el arte y en la calle, pero de forma trivial, reflejo
de la ciudad y ajena a la naturaleza.
Muestra un talante optimista, vital, sobre un mundo feliz y libre en que todo es posible, y un futuro todavía más prometedor. Trata de hacer ver que cualquiera es capaz de cualquier cosa, incitando a que todos intenten hacer de todo.
Utiliza
los nuevos materiales
de los años 60, tales como pinturas acrílicas, plásticos, fotografías,
colores fluorescentes, pinturas metálicas... todos ellos no habituales para la
pintura de caballete, sino para la calle y la ciudad[167].
Opta
por composiciones
adaptadas a los diseños comerciales, con bordes marcados para carteleras,
murales, revistas, diarios...
Difumina
la línea entre las bellas artes y el diseño, como forma de reivindicar una nueva
forma de comunicación artística.
Pintor
inglés, Richard Hamilton (1922-2011) fue el iniciador del arte pop, desde una
postura ultra-conservadora de la cultura británica.
Desarrolló
su vida
laboral haciendo collages
de carácter pseudo-fotográfico para ilustrar en un catálogo los problemas
urbanísticos y arquitectónicos de Inglaterra.
En
cuanto a su obra
pictórica, trata de mostrar la nueva modernidad de los años 60
ingleses, combinando los objetos tradicionales con los de nueva comercialización.
Destaca
su Esto es Mañana-1961,
donde pretende definir la nueva época moderna. Así, presenta a un hombre
preocupado por su cuerpo (con una raqueta en la que además se incluye la
palabra raqueta), a una mujer preocupada por su cuerpo (tomando el sol), los
objetos comerciales del momento (cómics, latas de conserva) y los avances
tecnológicos del momento (aspiradora, magnetófono, televisión). Se trata de
la obra iniciadora del movimiento pop.
Pintor
norteamericano, Andy Warhol (1928-1987) creció en una Pittsburg llena de fábricas
de hierro y ferrocarriles, casi siempre en la calle.
Durante
su enferma infancia
fue coleccionando estampas de famosos de la revista Life[168],
hasta que le regalaron con 12 años una cámara de fotos y adquirió un
asombroso dominio plástico. Nunca dejó de asistir diariamente a la misa católica
de rito bizantino[169],
y empezó a moverse en los ambientes andróginos.
Desarrolló
su vida
laboral en New York, como diseñador de revistas de moda desde 1949[170]
y poco después como publicista comercial de zapatos y cineasta de películas
porno, siempre de forma excéntrica y ególatra, y con afán de protagonismo y
estética muy provocativa. Desde 1964 alcanza fama internacional, y empieza a
hacer exposiciones por todo el mundo. Murió en 1987 a consecuencia de las
secuelas que le produjo un atentado de mano de uno de sus fans.
Su
obra pictórica
vislumbra un gran legado religioso a lo largo de su carrera artística, que le
hizo ser experto en pinturas icónicas e ilustraciones decorativas. Utiliza la
serigrafía[171],
la repetición[172],
la música[173],
y recoge elementos cotidianos a los que les da la categoría de artísticos,
apropiándolos como obra de arte. Utiliza colores muy planos, densos y
llamativos, generalmente apoyándose sobre el suelo.
Destaca
su Latas de
Sopa-1962, en que Warhol defiende la genialidad de que en América
los consumidores más ricos compren esencialmente las mismas cosas para comer
que los más pobres. Reproduce además las etiquetas de la marca Campbell.
Destaca
su Coca Cola 4-1963,
vendido por 30 millones $ y donde Warhol defiende que comprar es más americano
que pensar.
Destaca
su Marilyn
Monroe-1967, realizado 4 años después de la muerte de la actriz, y
más famosa de todas las series serigráficas que realizó sobre Elvis Presley,
Joseph Boys, Leo Castelli...
Pintor
norteamericano, Roy Lichtenstein (1923-1997) fue el gran diseñador gráfico del
arte del cómic, tras haberse doctorado en Bellas Artes bajo la especialidad de
expresionismo abstracto.
Desarrolló
su vida
laboral como profesor en la universidad de Ohio. En 1957 comenzó a
experimentar con imágenes tomadas de los papeles de envolver chicles, y a
partir de 1961 se dedicó a producir viñetas de cómics mediante imágenes
comerciales de producción masiva. Contó con un estudio lleno de libros,
revistas, recortes y anuncios.
Su
obra pictórica
consistió en ampliar dibujos animados a mano, y con la misma técnica de puntos
y colores brillantes que se utilizaban para imprimirlos. Utilizó colores
primarios en mate[174]
y los negros en brillante. Muestra gran virtuosismo a la hora de trabajar[175],
manteniéndose él al margen de la obra. Aplicó un lenguaje irónico e
impersonal, grandes formatos e imágenes vulgares de:
-personajes
populares del cine, radio, televisión, música y espectáculos,
-elementos
banales de la sociedad de consumo, publicidad y realidad cotidiana.
Destaca
su Buenos días,
querida-1964, cómic comercial centrado en las chicas rubias y
perversas y la guerra heroica. Marca una escenografía a la que el espectador
está acostumbrado, aplicándole una gran capacidad narrativa. No deja un solo
punto sin unificar, importándole más que los personajes transmitan sus
sentimientos a que representen un papel.
Escultor
sueco, Claes Oldenburg (1929- ) fue el primero en declarar que el Arte pop
constituía el primer arte propio de los Estados Unidos[176].
Desarrolló
su vida
laboral como reportero para el Art Institute de Chicago. En 1959
realizó su primera exposición individual en la Galería Hudson de New York, haciéndose famoso por sus esculturas blandas.
En 1961 abrió la Galería The Store
de New York, donde vendía réplicas en escayola pintada de alimentos y objetos
domésticos. Tuvo mucho éxito, por lo que pronto empezó a hacer esos objetos
en grandes dimensiones.
Su
obra escultórica
utilizó materiales tan novedosos como el vinilo (al que inyectaba espuma de
caucho) y muselina (arpilleras empapadas en escayola y pintadas con esmalte), y
rellenó todas sus esculturas con goma espuma (para que estuvieran encerrada su
forma bajo un material rígido). Trató de convertir cualquier objeto en un símbolo
de la época, rebasando sus funciones y significados habituales.
Destaca
su Hogar-1974,
obra de carácter social y por ello expuesta en la calle.
Su tamaño y la conversión del material (blando en duro y viceversa) tratan de
dotar de nueva vida a los objetos cotidianos de un hogar, trastocando así el
concepto de escultura tradicional[177].
Nació
en 1957 en Estados Unidos, y se desarrolló en la década
de 1960 bajo la influencia rusa del primer satélite Sputnik, la crisis de
los misiles de Cuba, el desarme nuclear planteado en Ginebra, el surgimiento de
la terrorista palestina OLP, la Guerra en Vietnam, la Guerra de los siete días,
la francesa Revolución de Mayo, el festival de rock de Woodstock y la llegada
del hombre a la Luna.
Sus
conceptos artísticos parten de la filosofía
de Wittgenstein plasmada en su Tractatus-1922,
y critican la banalidad de la sociedad de consumo. No obstante, y aunque sus
integrantes se conocen, cada uno actúa con independencia.
Su
término
fue acuñado por el filósofo Wolheim en 1965, pues hasta entonces había
recibido las nomenclaturas de Arte ABC, Arte frío, Arte literal, Arte
reduccionista, Arte de la 3ª corriente…
Recibió
influencia
del:
-Suprematismo
de Malevich[178],
donde el objetivo era dar supremacía al color y forma (significados por sí mismos) sobre la mera representación de los objetos
del mundo visible,
-Constructivismo
de Lisitsky[179],
donde el diseño gráfico, la arquitectura, el cine, el cartelismo y la fotografía
son reclamados para la nueva sociedad comunista,
-Neoplasticismo
de Schoenmaekers[180],
donde la pintura trasciende la realidad material mediante formas geométricas y
colores puros (blanco, amarillo y azul).
Y ejerció influencia en el Arte conceptual.
Se
trató de un arte que se planteó hacer
algo que desmaterializara la obra de arte y representara al mismo
tiempo la nueva identidad norteamericana. Para lo que rechazaba
de plano:
-la
pintura, amabilidad y mundo ideal del Arte pop,
-los
excesivos simbolismos del expresionismo abstracto.
Se
trata de un arte
teatral, donde es más importante seleccionar el dónde y cómo
colocar la obra, y lo que hay alrededor suyo[181],
que la propia obra en sí. Así, se busca la coherencia entre las piezas y el
espacio circundante, casi siempre al aire libre y con gran austeridad.
Sus
obras
son esculturas originales, simples y a gran escala, y concebidas como objetos
específicos de diseño gráfico e industrial.
Su característica teórica más importante es que lo que ves es, eliminando viejos vicios artísticos de varias lecturas, trampantojos de vidas y momentos, simbologías y analogías, puras apariencias... y dotando al arte de su verdadera identidad: lo que se ve.
Se
mueve bajo el lema de menos
es más, mostrando interés por:
-el
placer de la vista, para lo que reduce los elementos al mínimo,
-la
mera intervención en el espacio, sin nada más y sin introducciones
subjetivas de uno mismo,
-la
accesibilidad de todos a la pieza, mediante la autonomía respecto a lo demás,
-la
insignificancia del objeto, para no decir ni provocar nada,
-la
repetición del motivo, pues la repetición lleva a la neutralidad.
Su simplicidad geométrica está basada en el orden y el rigor conceptual, predominando los rectángulos y cubos. El volumen de las piezas envuelve a otras obras y a los espectadores.
Utiliza colores planos, sintéticos e industriales. En general bajo superficies monocromáticas, con tratamientos repetidos e indiferenciados. Y siempre mediante un acabado industrial, sin dejar ninguna huella del artista.
Se trata de la abstracción llevada al extremo,
con construcciones de objetos que no representan nada, y lo único que tiene
valor es el montaje de la obra.
Escultor
norteamericano, Donald Judd (1928-1994) fue el máximo representante de la
abstracción a medio hacer, tras los estudios que realizó en la universidad de
Columbia.
Su
vida laboral
estuvo ligada a la guerra de Corea, en la que participó. Hasta 1959 se dedicó
a la pintura, exponiendo sin bastante éxito sus obras. En 1960 se convirtió en
crítico de arte, y en 1963 empezó a hacer sus primeras cajas escultóricas,
junto a una pareja de hermanos artistas que le ayudaban.
Su
obra escultórica
supuso el minimalismo geométrico más elegante. Mostró preocupación por el
espacio[182],
y supuso el reencuentro no reduccionista con el objeto específico[183].
Insertó a veces las obras en la pared, pero siempre manteniendo la sensación
de totalidad del objeto.
Destaca
su Stack,-1967,
excelente ejemplo de non-art de vanguardia que trata de lograr un significado a
través de una pretenciosa falta de significado. Se trata de una forma, con su
volumen, color y superficie, que significa algo por sí misma, algo ciertamente
diferente, algo que no puede quedar oculto dentro de la totalidad.
Ingeniero
norteamericano, Robert Morris (1931- ) fue el único vanguardista en utilizar la
línea escultórica curva, así como los juegos ópticos del espejo[184].
Desarrolló
su vida
laboral en Brancusi y California, tanto en encargos profesionales de
ingeniería cuanto en peripecias artísticas que de vez en cuando se permitía[185].
Su
obra escultórica
utilizó la madera[186],
colores grises[187]
y formas geométricas simples. Buscó ambiguamente la tri-dimensionalidad, y
trató de mostrar la distorsión que la vista siempre produce en las
perspectivas planas. Algunas veces firmaba con la letra I (yo en inglés), o metía
un autorretrato suyo desnudo y sonriendo, como forma de crear debates y polémica.
Destaca
su Caja con
Sonido-1961, cubo
de nogal que en el interior tenía un reproductor de sonido, que se emitía
mientras el espectador circulaba alrededor suyo. Muestra preocupación por el
proceso creativo.
Destaca
su Viga en L-1965,
ganchos en forma de L colocados en diferentes posiciones. Incita al espectador a
ser consciente de lo dependiente que está de su percepción del concepto, pues
aunque se sabían que eran exactos los ganchos, las distintas posiciones que
ocupaban hacían que parecieran diferentes.
Escultor
norteamericano, Carl André (1935- ) fue el introductor de la escultura sin
pedestales, no distinguible del resto de objetos externos, sin principio ni fin[188].
Pasó
su vida
laboral haciendo plañis[189],
esculturas de madera sobre el suelo e implicadas sobre el entorno, cubos
tridimensionales entre la pared y el suelo, figuras con figuras en su
interior…
En cuanto a su obra escultórica, buscó la escultura como lugar[190], remitiéndose a la idea ancestral de Stonenheim. Eso sí, sin ningún significado profundo.
Destaca
su Planta de
Magnesio-1969, damero de ajedrez de 36 m2 y ejemplo de
materialismo[191],
comunismo[192]
y ateísmo[193],
como al propio André le gustaba jocosamente decir.
ARTE
AMBIENTAL
Nació
en 1968 en Estados Unidos, y contó con una vertiente paralela británica. Se
expandió en la década
de 1970 a través de la Galería Dwan
de New York, desde la 1ª exposición que realizó en 1968.
Su
término
vino de los apelativos que se le dieron de Earth Works (en Estados Unidos) y
Land Art (en Europa).
Surgió
como un intento de ampliar
los límites del arte, sobre todo en lo relativo a materiales y
localizaciones.
Se
adentra en el mundo
de la naturaleza, buscando lienzos vírgenes que no sean telas ni
superficies de madera, sino la propia naturaleza, en la que se aplicarán
directamente todos los recursos artísticos.
Realiza,
así mismo, una
crítica ecologista a ultranza, criticando el deterioro del espacio
natural, los peligros de la contaminación, el consumismo desmedido… Pretende
preservar el planeta y elevar al propio planeta a obra de arte.
Busca
el aislamiento,
tanto personal del artista como del lugar a pintar. Las obras se hacen en
espacios naturales aislados, inviolados, llenos de paz y religiosidad. Se pinta
en el agua, en la tierra, en el horizonte… Los paisajes no son ya el telón de
fondo, sino una nueva identidad y la clave interpretativa de la obra.
Persigue
una religiosidad de comunión
entre hombre y tierra, mediante la adaptación que tiene que hacer el
hombre de la naturaleza creada por Dios en naturaleza creada a su propia imagen,
a forma de creador demiurgo. El paisaje es algo que crea el artista.
Predominan
las creaciones
efímeras. Algunas de ellas conceptuales, de difícil desciframiento
o chamánicas, indigenistas, ritualistas y prehistóricas, pero todas tendentes
a desaparecer. Y es que precisamente busca eso, que la obra se auto-erosione, se
pierda, se descomponga, acabe siendo borrada.
Muchas
de sus obras emplean el lenguaje
geométrico minimalista, para su propia medida de la tierra (de geo-tierra
y metría-medida).
Ingeniero
norteamericano, Robert Smithson (1938-1973) fue el creador del denominado
“estilo de frontera” o “gestos del oeste”, muriendo en un accidente de
avión cuando volvía de hacer una de sus obras.
Desarrolló
su vida
laboral como profesor de dibujo en New York, al mismo tiempo que
empleaba para sus dibujos diferentes espacios suburbanos que quería reconvertir[194].
Fue también asesor para obras públicas de los EE.UU.
En
cuanto a su obra
pictórica, trató de interferir directamente en la naturaleza,
dejando plasmada su firma con su propio cuerpo. Usó el caballete y difuminó el
paisaje, sin líneas ni división alguna, ampliando y abriendo sus perspectivas.
En su Artforum-1968 reclamó que
dentro del mundo natural se incluyera un propio testimonio poético, a forma de
frase moralizante que nos hiciera conscientes de este mundo que se está
fracturando. También utilizó sus obras para homenajear a otros artistas.
Destaca su Malecón-1970, pintura de 4,5 m. realizada en un lago de agua salada de Utah. Se trata de una iconografía de carácter espiritual, donde la forma de espiral aporta el sentido del eterno retorno. Muestra el momento creativo y forma que la piedra produce sobre el lago, a forma de registro fotográfico.
Destaca
su Rampa
Amarilla-1973, meandro de piedra de un lugar recóndito de Texas,
cerca del aeropuerto de Dallas. Trata de demostrar que el sentido artístico
puede combinarse con la ingeniería. Explota las posibilidades del paisaje,
dando a entender que los accidentes naturales no sólo se producen en la
naturaleza, sino que también en la mente humana, e incluso con dimensiones
inmensas.
Historiador
norteamericano, Walter de María (1935-2013) fue el primero en utilizar la
naturaleza como soporte potencial para la obra pictórica, en su intento por no
separar arte, naturaleza y espacio.
Desarrolló
su vida
laboral como profesor de arte en la universidad de California, y
ejecutó todos sus trabajos artísticos con estructuras primarias y
minimalistas.
En
cuanto a su obra
pictórica, trató de alcanzar la idea artística de lo sublime.
También incorporó matices auditivos en sus obras, siempre que se le presentó
la ocasión.
Destaca
su Una milla,
dibujo de tiza-1968, dos líneas paralelas a una distancia de 3,6 m,
pintadas con arcilla arenosa. Están en medio de un desierto y no hay nada
alrededor, lo que invita a contemplar lo infinito e inalterable. El propio De
María se retrató boca abajo en el centro, par ver si podía tocar ambas líneas.
Destaca
su Campo de
relámpagos-1977, tormenta eléctrica de verano. Para ello se trasladó
De María a este lugar, esperó a que lloviera, y mientras tanto fue colocando
una serie de pararrayos de punta afilada, alrededor de una superficie de 1 x 1,6
km. Ese espacio debía ser el lienzo sobre el que trabajar, una vez empezara a
llover. En efecto, los pararrayos se convirtieron en transmisores entre las
nubes y la tierra, provocando un circuito eléctrico. Lo bello quedó así
sumergido en lo sublime: era imposible pintar un rayo de forma natural, pero no
imposible provocarlo y estar preparado. El proceso quedó registrado en las
fotografías.
Escultor
búlgaro americanizado, Christo Claude (1935-2009) fue el primero en utilizar la
naturaleza como soporte potencial para la obra escultórica[195],
junto a su inseparable mujer Jean[196].
Desarrolló
su vida
laboral planificando y ejecutando originales y costosos proyectos[197]
de decoración medio-ambiental, que la gente pudo contemplar tanto en Estados
Unidos como en Europa y Extremo Oriente.
Su
obra escultórica
consistió en utilizar lienzos sintéticos para cubrir superficies de carácter
natural, dejando además que los espectadores participaran en ella[198].
Destaca
su Islas
Solitarias-1983, que cubrió una isla natural de la bahía de Miami
con una tela sintética de color rosa. Estuvo expuesta durante dos semanas, y
protegida por equipos de salvamento. Convirtió las islas en manchas de color en
medio del mar.
Destaca
su Sombrillas-1991,
enormes sombrillas de 8 m. diámetro que provocó dos accidentes con dos muertos[199],
y cuyo proyecto se llevó a cabo de forma paralela en:
-California,
donde se colocaron 1.760 sombrillas amarillas sobre paisajes abiertos y áridos,
-Japón,
donde se colocaron casi 1.000 sombrillas azules sobre paisaje verde y montañoso.
Destaca
su Puertas-2005,
en el Central Park de New York. Se trata de 7.053 entradas de puerta al parque,
compuestas por grandes columnas de metal y grandes colgaduras de color azafrán
en su parte superior. Intenta, así, convertir el parque en un espacio místico
zen:
-al
repetir reiteradamente el número de puertas iguales,
Nació
en 1965 en Estados Unidos, y se desarrolló en la década
de 1970 como una forma de convertir el arte en lenguaje. Fue difundido a
través de la Galería Castelli de New
York.
Tuvo
su referente
intelectual en Grimber, Dalton y Duchamp[200],
y se fue elucubrando a través de los principios “yo no creo en el arte” y
“el nacimiento del anti-arte”.
Su
término
fue acuñado por Alloway, director del Museo Guggenheim de New York, aunque anteriormente había recibido los
apelativos Arte de la idea, Arte de la información, Arte procesual y Arte
antiforma.
Ejerció
influencia
en el Neopop.
Desde
el plano teórico,
dentro del Conceptualismo:
-el
análisis es elaborado por el artista,
-el
pensamiento debe estar expresado mediante palabras,
-su
carácter debe ser propagandístico y anti-aburguesado,
-todo
está dirigido a la mente y no a los ojos del espectador.
Se
trata de un arte
reflexivo, que reflexiona más sobre la propia pintura que sobre la
propia obra en sí. Pues estamos ante un arte que no hace obras de arte, sino
que publica gestos con reflexiones intelectuales[201].
Recupera
el interés formal y reflexivo por el arte, no desde una preocupación por el qué
es o no es arte, sino por el por
qué es una obra de arte y qué es lo que puede llegar a ser. Pues
arte ya puede ser cualquier cosa, y lo que ahora se necesita es pensar filosóficamente
sobre ello.
Investiga
sobre el arte pero no a través de las obras de arte, sino de los procesos que
la han originado. Así, la obra no necesita realizarse físicamente, pero sí
utilizar un lenguaje escrito.
Todo
se proyecta y decide de antemano, antes de ejecutar la obra. Así, la idea
preconcebida es la que fabrica el arte.
Es
un movimiento que provoca al espectador, exponiéndolo a algo que le resulta
incómodo para que piense. Así, aunque el espectador no esté a gusto viendo la
pieza de arte, habrá reflexionado sobre ella y sobre el arte en general.
Utiliza
el negro como color, visualiza la indefinición, cambia las dimensiones dentro
del cuadro, repite las cosas
sin sentido.
Trabaja
con significados
y no con formas, colores, manualidades ni materialidades. Su
preocupación es el componente mental del arte, y su captación por parte del
espectador.
Pintor
norteamericano, Joseph Kosuth (1945- ) fue el gran reflexionador del arte, y el
que más insistió en volver al aspecto filosófico que todo arte lleva implícito,
y que se había ido olvidando.
Dentro
de su vida
laboral trabajó con materiales cotidianos, conocidos y ya elaborados[202],
tratando de continuar el trabajo realizado por Duchamp.
Su
obra pictórica
investigó la naturaleza del arte, desmaterializándolo y haciendo que pudiera
contemplarse como idea[203].
Escribió Arte después de la filosofía-1960,
donde animó a pasar de la apariencia al concepto, a modo de arte tautológico[204].
Pues el lenguaje es el que nos hace entender la realidad[205],
y sólo hablando y teorizando sobre el arte se puede mejorar el arte.
Destaca
su Cuatro
colores, cuatro palabras-1966, pintura donde el objeto
representa exactamente lo mismo que los datos aportados por la imagen. Trabaja
con significados y no con formas ni colores. Se trata, pues, de un nuevo
lenguaje plástico, creado a base de ambientes cromáticos luminosos.
Pintor
japonés, On Kawara (1933- ) fue el artista más enigmático, pues no dejó
siquiera que se le fotografiase.
Desarrolló
su vida
laboral en New York, exponiendo[206]
y vendiendo pequeños cuadros, al ritmo de 60-240 obras anuales, pintados a mano[207]
y con pinturas acrílicas.
En
cuanto a su obra
pictórica, fue poco a poco cambiando los colores para el fondo[208].
Utiliza dos lenguajes:
-el
lenguaje del lugar donde él está, en el momento en que pinta la obra,
-el
lenguaje del lugar donde el espectador está, suponiendo que en ese lugar no
haya alfabeto romano.
Destacas
su Junio.16.1966-1966,
cuadro en el que sobre fondo negro pinta a mano la fecha del día en que lo pintó.
Se trata de abrir la inteligencia y curiosidad del hombre, para indagar qué
acontecimientos ocurrieron ese día en la vida del hombre.
Destaca
su Cien años,
Calendario 1-1967, en el que trata de mostrar el archivo donde
registra todos los cuadros que va haciendo, todos los colores que ha utilizado
en cada cuadro y la noticia que ha seleccionado parar acompañar al cuadro.
Nació
como grupo
fluxus[209]
en 1958 en Estados Unidos, y se expandió por todas las partes del mundo a
partir de su Fluxus Festival-1963. Surge con la idea de purgar el mundo de la
locura burguesa, de la cultura intelectual y de las profesiones comercializadas.
Fue
impulsado por su fundador Maciunas, junto a los músicos Cage y Satié y los
artistas Vostell y Beuys. La mayoría de sus seguidores
fueron anónimos y se unieron para publicar juntos sus trabajos[210],
pero nunca con la idea de conformar algo consensuado ni organizado. Iban todos
muy bien vestidos, pretendían dar de qué hablar y enfocaron sus
manifestaciones plásticas hacia personas cultas.
Su
término
fue escogido por George Maciunas, cuando en 1960 tuvo que titular una revista
del movimiento artístico[211],
abrió el diccionario y escogió una palabra, la menos oportuna[212].
Recibió
influencias
de Eric Satié, Duchamp y Russolo, de los que se consideran sus nietos, hijos y
hermanos.
Contó
con la rama
del Arte corporal, o decoración artística del cuerpo humano, de
Bruss, Gilbert y George.
Se
trata de un arte
libre, de una forma de pintar que no piensa ni elige nada, sin
imitación ni artificialidad, y que hace reflexionar sobre las formas de
configurar el arte actual.
Tiene
un carácter
abierto e indeterminado en cuanto a la hora de recrear espacios y
tiempos. No tiene principio ni fin, sino puro arte y diversión, de forma
simple, entretenida y sin pretensión alguna.
Muestra
situaciones
repentinas sin argumentos, haciendo experimentable la música[213]
y la pintura. Eso sí:
-los
happening de forma improvisada[214],
-los
performances de forma preparada
Pintor
alemán, Joseph Beuys (1921-1986) llevó una vida paradójica vida, que dio
lugar a su paradójico arte[216].
Su
vida laboral
transcurrió en el campo político, fundando un partido en el que el poder
reside en la base de su estructura piramidal, y se defiende la triple división
del organismo social. Todos sus happenings,
así, albergaban críticas contra los sistemas y a veces reivindican causas
ecologistas.
En
cuanto a su obra
pictórica, elaboró un complejo programa teórico. Para él el arte
estaba muerto, y la crítica no servía para hacerlo vivir. Invita con su obra,
al máximo de personas[217]
y siempre mediante la acción, a reflexionar sobre el ser humano, educación
escolar, cristianismo, capitalismo, manipulación política, salario femenino,
energía atómica... concluyendo que cada individuo constituye una obra de arte
en sí mismo. Para él, la vida es una composición artística total.
Destaca
su Me gusta América
y a América le gusto-1974, happening realizado tras una experiencia inventada para el caso[218],
con la idea de elaborar una filosofía natural sobre el mundo originario y
armonioso, perjudicado por el hombre moderno. Une arte y vida, y al no querer
pisar suelo americano pone en entredicho lo que hizo el pueblo americano con los
indios y animales salvajes que vivían en su territorio. Destaca, así mismo, la
función mágica del arte para protestar el acelerado proceso de industrialización
y civilización tecnócrata, en detrimento de la civilización insertada en el
mundo natural.
Pintor
francés, Yves Klein (1928-1962) fue el primero en utilizar el cuerpo como
receptor de energía espiritual, como un nuevo soporte material en que arrojar
toda la pintura azul[219].
Dedicó
su vida
laboral a realizar performances,
tratando de concebir el cuerpo como arte. Continuó así el inédito trabajo de
Duchamp, consistente con conformar banderas y todo tipo de objetos con sus
cortes de pelo.
En
cuanto a su obra
pictórica, partió de la idea de que el cuerpo humano era en sí una
obra de arte, y también una superficie en la que se podía intervenir. Buscó
como temáticas los rituales ancestrales, las actuales culturas africanas y el
desnudo femenino occidental. Incluyó, además, una ridiculización del mercado
del arte, firmando y fechando en diversos colores la obra, según se hubiera
hecho de una manera u otra[220].
Destaca
su Antropometría-1960
llena de volumen, color, forma y movimiento. Muestra el arte como salud, una
salud que debe hacernos sentir que estamos vivos, relacionarnos con el bienestar
físico, volver a nacer de nuevo[221]
y esquivar todas las obsesiones de la inmaterialidad y del vacío.
ARTE
FOTORREALISTA
Nació
en 1970 en Estados Unidos, como corriente que recuperaba la tradición
histórica artística[222]
y critica todos los movimientos de vanguardia[223].
Trataba
de mostrar la vida
del hombre contemporáneo, a través de una fotografía que hacía de
puente mediador entre los hombres y el mundo circundante.
Representa
fundamentalmente paisajes
urbanos, donde todos los objetos cercanos y lejanos están tratados
por igual y se ven del mismo modo, a forma de instantánea y sin carga narrativa
alguna.
Utiliza
pinceles de todo tipo, pero casi siempre se decide por el aerógrafo, pluma a cuyo extremo
podían acoplarse distintas cabecillas, y que al conectarse a un conector de
aire permitía salir más o menos tinta.
Presenta
imágenes
exactas, lisas y meticulosas, configuradas a través de un artista
cuyo ojo se ha convertido en el objetivo de una cámara fotográfica.
No
suele pintar al natural, sino a través de una fotografía. Lo que produce imágenes
aburridas y sin alma, y sin el más mínimo rastro subjetivo del
artista en la obra.
Pintor
inglés, Malcolm Morley (1931- ) fue el padre del arte manual, tras haber sido
formado en las mejores universidades británicas.
Su
vida laboral
estuvo dedicada por completo a la elaboración de ilustraciones comerciales,
tanto en las temáticas de barcos, naves espaciales, aviones… como en las
deportivas y de temas históricos.
Su
obra pictórica
estuvo siempre impregnada de una viva escenografía, tratando siempre de no
aburrir y de supervalorar los elementos cotidianos.
Destaca su Edad de las catástrofes-1976, pieza característica de una etapa en que su temática era siempre espectacular... Se trata de una imagen viva que trataba de imitar a las postales, no de forma exacta sino con ciertas licencias e independencia.
Pintor
norteamericano, Chuck Close (1940- ) fue el gran retratista de bustos, y eso que
un ictus cerebral le dejó inválido y muchas veces tenía que pintar con la
boca o pinceles atados a las manos.
Su
vida laboral
estuvo muy cercana a la fotografía, a la que trató de superar mediante imágenes
bidimensionales y de formato gigante, casi siempre pintadas sobre el suelo.
En
cuanto a su obra
pictórica, pintó en blanco y negro hasta 1971. En 1972 empieza a
introducir el color en sus cuadros, siempre en gamas de colores básicos. En
1973 introduce la técnica puntillista[224],
pero dando paso a una inédita pintura nuclear[225].
En sus últimos años trabajó con ordenador, colocando sobre el objetivo de una
cámara una retícula y luego pintando siguiendo la cuadrícula.
Destaca
su Gran
Autorretrato-1970, de 2,7 x 2,2 m, en blanco y negro. Trata de
mostrar al individuo sin penetrar en él ni deshumanizarlo. Se trata del único
retrato que no lleva por título el nombre del retratado, pues en este caso el
retratado era él.
Escultor
australiano, Ron Mueck (1958- ) fue el iniciador del post-hiperrealismo, giro
extremo dado al hiperrealismo.
En
su vida
laboral se dedicó siempre a fabricar piezas humanas, para exponer en
galerías o para uso cineasta y animado. Se trató de figuras de bebé,
enfermos, ancianos, desnudos... a tamaño natural o incluso en dimensiones
gigantescas.
En
cuanto a su obra
escultórica, trabajó siempre a la antigua, modelando con barro,
sacando los moldes en escayola, haciendo vaciados en escayola, haciendo fibras
de vidrio, pintando las obras a mano, implantando y peinando a mano el pelo
natural…
Destaca
su Hombre
grande-1998, de 2 m. altura, donde trata de representar la soledad
humana, imagen de la ancianidad. Trata de transmitir la verdadera identidad
humana, así como abrir una reflexión sobre la vida y la muerte, como nunca se
haya visto en el arte.
ARTE
POBRE
Nació
en 1967 en Italia, extendiéndose
desde Milán, Génova y Turín hasta las revueltas
estudiantiles de París, Madrid y California, y proponiendo conocer
el mundo a través de la vida artística. Criticó, así, la náufraga cultura
europea, por no defender lo sensorial, mostrar neutralidad referencial,
permanecer desnuda en expresividad y ser ambigua en sus relaciones con Estados
Unidos.
Nació
del Manifiesto-1967
de Celant,
que adosó al catálogo de su exposición para la Galería Bertesca de Génova-1967, y que más tarde repitió en sus
exposiciones en New York. En líneas generales, se trataba de:
-crear
artistas guerrilleros, que ejecutaran la táctica de la sorpresa,
-romper
todo lazo con la estructura social y sistema cultural,
-poner
al hombre en el centro del mensaje a transmitir.
Lo
cual fue llevado a la práctica por Manzoni,
al proponer el rechazo de los materiales y de la veneración y comercialización
artística, así como incitar a los pouveristas a un extremo activismo.
Recibió
influencias
del Arte material y Arte corporal, así como del viejo activismo futurista.
Se
trata del arte
metafórico de la naturaleza, creación que supera todas las
creaciones humanas.
A
nivel artístico, se puede decir que el Pouverismo:
-rechazó
los iconos de los mass media, sin tener nada que ver con las nuevas
modernidades,
-fue
contrario a las imágenes reductivistas e industriales,
-buscó
lo no tecnológico
ni mecanizado, prefiriendo el contacto
directo con lo físico,
-desató
al artista de cualquier prototipación, a forma de nómada que lo cuestiona
todo,
-defendió
la concepción
ahistórica de lo artístico,
-valoró
la dimensión humana, logros humanos, heroicidades humanas,
-buscó
una creatividad
espontánea, provocadora de energía, poder, placer, ilusión...
-empleó
un lenguaje
objetual, no pictórico,
-siguió
una estética
del desperdicio, oponiéndose a los objeto burgueses y costosos,
-apostó
por los valores
marginales de la pobreza, cambiando la idea de un arte para ricos o
con materiales ricos.
Escultor
italiano, Mario Merz (1925-2003) empezó su carrera como pintor, y para nada
vinculado al arte póvera.
Comenzó
su vida
laboral como pintor, componiendo obras que trataban de superar a
Picasso. Hasta que en 1960 decide abandonar la pintura y empezar a trabajar en
espacios abiertos:
-los
iglú, como sistema racional más elemental,
-la
hemiesfera, vivienda nómada y efímera que relaciona los mundos exterior e
interior,
-las
espirales, laberinto que huye del centro al infinito, y retorna míticamente
al origen de todo,
-materiales
insólitos, como los tubos de neón, paraguas y botellas de deshecho.
Su
obra escultórica
indaga sobre el paso de la opacidad a la transparencia. Defiende que la
construcción depende del clima, del lugar y del que va a vivir. Habla del
espacio[226],
de la intersección continua y constante entre espacios. Pretende que su estilo
mezcle los contrastes entre lo natural y lo artificial[227].
Y explica la progresión del arte a través de fórmulas matemáticas[228],
en un intento por hacer del arte y del reflejo numérico algo perdurable en el
tiempo.
Destaca su Iglú de Giap-1968, hecho a base de sacos de tierra. Sobre él, luces de neón donde explica epigráficamente su sentido[229]. Incluye ranuras para comunicar el interior con el exterior, y quiere provocar sensaciones entrañables y desagradables (como juego adivinatorio de sentidos). Se trata de una pieza de carácter casi religioso, que hace trascender de un espacio a otro.
Pintor
griego, Jannis Kounellis (1936- ) fue un poeta asonante, con metáforas
naturales (de la vid, el fuego, etc) que trataron de enseñar su verdad. Fue
tachado también de minimalista sucio, dada la influencia que ejerció en ese
movimiento.
En
su vida
laboral trabajó directamente con animales vivos. En 1969 expuso en
la Galería Attico de Roma con 12
caballos vivos[230].
Su
obra pictórica
rompe con la inmovilidad absoluta del arte, y lo convierte en algo vivo. Busca
continuamente identidades que están en el pasado, pero buscando al mismo tiempo
una identidad nueva que traspase fronteras. Provoca también que el hombre
sienta inseguridad al contemplar sus obras.
Destaca
su Margarita
de fuego-1969, que representa la apariencia de lo que sería una flor
pintada sobre un soporte de tela o madera. Se trata de una flor de metal,
apoyada sobre una plancha de acero. En
la zona central de la margarita hay una bombona de gas, que al aplicarle fuego
hace que estalle y salga fuego. Así, la margarita parece viva, produce calor,
olor y luz.
Escultor
italiano, Michel Angelo Pistoletto (1933- ) fue el máximo referente del arte
metafísico, en juegos continuos con espejos y cristales.
En
su vida
laboral diseccionó todo tipo de elementos naturales (árboles…)
para descubrir su interior y reflejar el espejismo que en ese lugar resulta ser
el hombre.
En
cuanto a su obra
escultórica, Pistoletto decía que la obra residía en el interior
del mármol, y que el artista lo único que hacía era sacarla a la luz. Su idea
principal era buscar la esencia interior de la obra, desbrozando para eso todo
lo demás. El espejo fue el material principal de su obra.
Destaca su Venus de los Trapos-1968, su obra más conocida y emblemática. Representa a la Venus capitolina hecha en polispan blanco, como forma de denunciar a la sociedad. Está acompañada por una montaña de ropa de segunda mano, ropa que nadie quería y que permitía incluir muchas experiencias íntimas del hombre.
Manuel
Arnaldos
Mercabá,
diócesis de Cartagena-Murcia
más
información
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Mercabá de Arte
Indice general de Enciclopedia Mercabá de Historia
___________
[1]
De hecho, el cuadro de BRAQUE fue el que dio origen al término cubismo, por
unos comentarios que hizo HENRI MATISSE sobre él en la exposición del Salón
de Otoño-1908, a la hora de hablar de “los pequeños cubos” con que el
francés pintó sus casas.
[2]
Viviendo en común hasta 1914.
[3]
A forma de:
-dos
escaladores que se han encordado juntos, como decía GEORGES BRAQUE,
-un
matrimonio artístico, como decía PABLO RUIZ PICASSO.
[4]
Sobre todo con un Impresionismo que buscaba la fugacidad, mientras
que el cubismo buscaba lo único permanente (salvo la excepción de CEZANNE,
que fue el que hizo de puente para los cubistas).
Y es que el cubismo optó por los descubrimientos de una nueva
ciencia de EINSTEIN que dejaba anticuados todos los planteamientos
anteriores, y que empezaba a analizar una 4ª dimensión: el tiempo. Así,
tratan PICASSO y BRAQUE de introducir en la historia del arte un nuevo
concepto: el tiempo.
En este sentido, tan sólo la filosofía de HENRI BERGSON fue
aceptada por PICASSO y BRAQUE, por su:
-concepto
de perdurabilidad, a pesar del fluir cambiante de objetos,
[5]
Lo que hace difícil distinguir el arte de ambos. Pues ambos se inspiran en
el arte africano, se distancian respecto al objeto… Eso sí, se puede
decir que como diferencia:
-BRAQUE
se preocupa más de la masa y los cuerpos,
-PICASSO
se preocupa más de la bi-dimensionalidad.
[6]
Pues el Renacimiento había quitado esta cualidad a la pintura, y ahora el
Cubismo quería reclamarlo alto y claro: el carácter plano de la pintura.
[7]
Pues unos y otros se dividen entre exponer:
-en
el Salón de los Independientes, a pesar de recibir todas las críticas
parisinas,
-en
galerías extranjeras, como ruptura definitiva con el Arte precedente.
[8]
Para que el espectador las recomponga. Pistas que deben ser mínimas,
no relatar nada, y ser el único punto donde no haya abstracción en el
cuadro.
[9]
Para evitar el carácter emocional y descriptivo del color, y resaltar
solamente su composición formal.
[10]
Técnica del facetado, o presentar el espacio por facetas-parcelas. La cual
llevó al cubismo a organizar la composición mediante una red de líneas y
figuras tal… que descompusiera la escena en facetas-parcelas distintas,
cada una con su propio punto de vista.
[11]
Consiguiendo así que el objeto pictórico no simulara
ilusionistamente la realidad, sino que la hiciera verdadera.
[12]
En un intento por:
-entremezclar
los límites de lo pintado y lo real,
-dar
materialidad constructiva a la obra.
Pues las letras o números, al despojárseles su contenido
objetivo… pasan a formar elementos formales compositivos, como otra línea
abstracta más.
[13]
No ya destruyendo el arte (como hacía el Impresionismo) sino construyendo
un arte nuevo (a base de construir y encajar las piezas sueltas).
[14]
Mediante superficies superpuestas y planos angulares, a base de cubos.
[15]
Pero en su día presentado al Salón de Otoño-1908, cuando recibe la crítica
de HENRI MATISSE (que habla de las casas en forma de cubo de BRAQUE) y LOUIS
VAUXCELLES (que habló de los cubos geometrizados de BRAQUE).
[16]
Con 1 árbol atravesado, 1 colina (a base de superficies de tonos verdes),
tejados y casas (sin ventanas).
[17]
Que es la que produce la superposición de cuerpos y el color.
[18]
Sobre todo de CEZANNE, para BRAQUE “el iniciador de su estilo, y el que le
enseñó a desviarse de la perspectiva mecanizada”.
[19]
Pero en su día muy criticado, y calificado de “monstruo de
caballete” y “ser femenino con vientre en forma de globo y pecho con
forma de jarra”.
[20]
Que no desprecia la belleza femenina, sino que hace un alegato en pro
de una belleza volumétrica, de masa y peso. Es lo que valoró MAURICE, que
hablaba de “una relación de líneas con sus correspondientes valores cromáticos”.
[21]
Como se ve en los músculos sobredimensionados, vientre hinchado, pechos
anormales, masa corporal demasiado marcada…
[22]
Sobre todo del arte africano tribal, pues trató de completar las Señoritas
de Avignon-1907 de PICASSO.
[23]
Tales como 1 mástil, 1 voluta, 1 puente, 1 jarra, 4 cuerdas… Salvo 1a
escarpia con su sombra, ilusoria y sin nada que ver con el resto de la obra
(a forma de simulacro).
[24]
Mediante formas reconocibles por la experiencia, pero pertenecientes a la
geometría no figurada.
[25]
Pero en su día conocido por poca gente. Pues hasta 1916 no se expuso ni
puso a la venta.
[26]
La de un burdel de la Calle Avignon de Barcelona.
[27]
Los 5 desnudos femeninos, sin relación entre sí. Las 5 son
prostitutas, que se exhiben delante del espectador a través de una tela, y
que levantan los brazos para mostrar la belleza de sus senos. 3 de ellas nos
están mirando (1 de ellas violentamente), 1 abre la cortina y 1 es recién
llegada a la escena.
A lo que hay que unir el bodegón, sin referencia descriptiva
ninguna, y que lo único que hace es corresponderse con el blanco, ocre,
azul y naranja del resto del cuadro.
[28]
Todas con rostros planos, ojos grandes, líneas redondas, contornos nítidos.
Aunque cada una dejando entrever a una persona conocida.
Y es que las máscaras aportaban libertad formal al artista, le eximían
de ser neutral y distante respecto a lo representado, y le permitía mostrar
su emotividad por el asunto pintado.
[29]
A través de planos irregulares, mediante líneas, y con tendencia a
la triangulación. Y afectando de forma directa a lo esencial del cuadro:
figuras, bodegón, fondo.
[30]
Como se ve en los rostros planos.
[31]
Dependiendo de cada figura representada, o de la parte de cada figura
representada.
[32]
Sobre todo del arte africano tribal (cuyas colecciones iba coleccionando
PICASSO, junto a fotografías de mujeres negras), que descubrió a través
de MATISSE. Y en menor medida del arte español pre-histórico y del arte
oceánico.
[33]
Supuestamente los reflejos de los estanques en el agua.
[34]
Como se ve en cada edificio, con un punto de fuga distinto al de otro
edificio.
[35]
Sin que ninguno de ellos sea el privilegiado.
[36]
Sobre la superficie pictórica, para mostrar que se han representado con
fidelidad los objetos. Es lo que se hace aquí con un trozo de hule, que se
usa para mostrar el diseño de una silla de rejilla.
[37]
Que recogió el testigo de VAN GOGH, CEZANNE, TOULOUSSE y GAUGUIN, introduciéndolos
en el s. XX y creando mediante ellos un arte propio, tras haberlos
asimilado.
[38]
A lo largo de muchas ciudades de Alemania. Exposiciones itinerantes que
luego se subastaban a bajos precios, para patrocinar el movimiento.
[39]
Con imágenes colosales de águilas imperiales...
[40]
Cuyo odio llevó a los alemanes, por ejemplo, a odiar el Jazz (por ser la música
de los negros).
[41]
Mediante carteles anunciadores de la exposición en los que se presenta a un
mono con la estrella de David.
[42]
Con obras en las que se integraban imágenes de personas mutiladas y con
deformidades, de forma peyorativa.
[43]
Tales como KIRCHNER (su padre y fundador), SCHMIDT-ROTTLUF, OTTO MUELLER,
EMILE NOLDE…
[44]
Dado todo lo que iban percibiendo en sus visitas al Museo Etnológico
de Dresde.
[45]
De pintura, escultura, xilografías, grabados...
[46]
Sobre todo en el expresionismo abstracto y neoimpresionismo.
[47]
Como en el Adán y Eva de KIRCHNER…
O
en el esculpimiento de sus mujeres desnudas (casi todas las novias de los
miembros del grupo), de gran parecido con las esculturas de la Polinesia, y
en un intento por acercarse a la naturaleza pura y simple.
[48]
Como se ve en la película El gabinete del doctor Caligari de WIENE (que cuenta la historia de
un autómata que es dirigido por los circos por medio de un mago. Y donde la
estética expresionista y los propios decorados hechos por expresionistas…
pasan a ocupar el centro del argumento, en torno a la distorsión espacial,
líneas angulosas, ninguna forma geométrica pura...).
O
como se ve en la película Metrópolis
de FRIEDLANDCH (doble historia contada en dos mundos antagónicos).
[49]
De las que intentarán obtener xilografías figurativas, para exponerlas con
toda su dureza expresiva.
[50]
Estética y temática de VAN GOGH que van a ser recogidas por El
Puente, aunque trasladadas a un mundo mucho más inestable, en que las
cosas flotan más que se asientan.
[51]
Del término fauv (lit.
fiera), acuñado tras una exposición en la que había una escultura de
DONATELLO (no el renacentista) y cuadros alrededor, y un crítico exclamó
“pobre Donatello entre las fieras”.
[52]
Porque en ellas “ganaba mucho dinero el galerista y poco el artista”. Y
es que los artistas tenían que entregar a los galeristas sus obras en
carpetas, generalmente en grabados de xilografías y litografías, antes de
ser aceptadas o rechazadas para su exposición.
[53]
Ya que para ellos la lámpara era el símbolo de la luz, un lugar iluminado
que abría de iluminar sus obras en el futuro. No obstante, después de
exponer en Dresde sus obras fueron invitadas a ser expuestas en Berlín y en
otros lugares de Europa.
[54]
Obras del filósofo alemán NIETZSCHE, del poeta norteamericano
WHITEMAN, del dramaturgo escandaloso HENRIK IBSEN, del literato ruso
DOSTOIEVSKI...
[55]
De ahí sus colores totalmente arbitrarios.
[56]
I Exposición expresionista que de Munich dio el salto a la Galería Der
Sturm de Berlín (del coleccionista WALDEN), y finalmente acabó
convirtiéndose en una exposición itinerante que recorrió todo el centro
europeo.
[57]
II Exposición Expresionista en la que expusieron conjuntamente
expresionistas del Puente y del Jinete
Azul, así como constructivistas y cubistas.
[58]
En el que se explicaban los nuevos ensayos de SCHOMBERG, MARC y
KANDINSKY, así como se insertaban introducciones acerca de todos los
periodos artísticos.
[59]
De hecho, para KANDINSKY el arte surge de una necesidad interior, con
pretensión de comunicarse con Dios.
[60]
Que plasman al completo al último KANDINSKY (de cuadros abstractos,
fondo azul, grafismos pequeños y planos, rojos y amarillos recortados sobre
líneas negras….).
[61]
De gusto por el oro, sentido decorativo y trascedencia de la pintura.
[62]
Donde GORKY será el encargado de recoger las manchas de color de KANDINSKY.
[63]
Como se ve en MARC, que decía que “el arte se preocupa tan poco de los
problemas de los otros como del propósito de unificar la humanidad”.
[64]
Pues, como decía KANDINSKY, “la pintura es una traducción de las notas
musicales, y debe ser tan expresiva como la música”. O, como decía MARC
“la pintura y la música son básicamente lo mismo, y solo hay que tener
la capacidad de captarlos”.
[65]
Concibiendo la pintura a forma de sacramento, como un signo externo,
vital y visible de una gracia espiritual interior. Así, los cuadros se
convierten en una “confesión personal” del individuo (lo que les hace
ser incriticables, y apreciables aunque no sean comprendidos).
[66]
De hecho, sólo tienen vinculación común a nivel de las ideas.
[67]
Lo que le llevó a retratarla como vampiresa, y a darse cuenta de que
él “estaba hecho para sentir la infelicidad del amor, la locura, la cara
horrible de la enfermedad mental, la total desesperanza de poder un día
amar”.
[68]
Como él mismo decía: “al pintar una silla, lo que debe pintarse no es la
silla sino la emoción sentida ante ella”. Y es que en los artistas
post-impresionistas la silla se había convertido en una especie de
autorretrato.
[69]
Pues “la fotografía nunca podrá competir con el pincel y la
paleta, mientras no pueda utilizarse en el infierno”. Además, para MUNCH
“la fotografía no puede mostrar de forma tan veraz como la pintura el
interior del alma humana”.
[70]
Sobre todo en autorretratos, y ambos colores como símbolo de la muerte.
[71]
Desde el mismo WARHOL hasta los neofuturistas, los Simpson, los graffiti y
películas actuales...
[72]
A la hora de trazar el rostro, enmarcado entre las dos manos.
[73]
Como él mismo dice: “Iba caminando con dos amigos por el paseo, el solo
se ponía, el cielo se volvió de pronto rojo. Yo me paré, no veía sino
sangre y lenguas de fuego. Mis amigos me habían dejado y, solo, temblando
de angustia me di cuenta del inmenso, infinito grito de la naturaleza”.
[74]
Como se ve en los grandes sombreros de plumas negras, identificativo de las
prostitutas de Berlín.
[75] Posiblemente porque anteriormente habían sido esposas de soldados militarizados para la I Guerra Mundial, y que tras la desaparición de sus maridos no habían tenido más remedio que prostituirse para poder sobrevivir.
[76]
Pues, así en el cuadro como en general, “la tensión de la guerra y la
superficialidad pesan más que todo lo demás. De ahí que la sensación del
cuadro sea la de un sangriento carnaval”.
[77]
Al igual que le ocurría a PICASSO.
[78]
Protector de los artistas impresionistas MONET, VAN GOGH y CEZANNE.
[79]
A forma de ver en la naturaleza de los animales un espíritu puro, un alma
panteísta que le permitiera captar el ritmo orgánico de las cosas, la
armonía y el flujo de la savia de la naturaleza”.
[80]
Como se ve en:
-el
amarillo, principio femenino, gentil y alegre,
-el
rojo, materia bruta y pesada, y siempre superado por el resto,
[81]
Como el mismo MARC defendía, pues “en esta lucha por un arte nuevo
combatimos, como salvajes desorganizados, contra un arte académico. Y es
que los asuntos espirituales nunca se perciben por el número sino por el
poder de las ideas”.
[82]
Pieza musical de la que más adelante dirá KANDINSKY que, “escuchándola,
podía ver todos mis colores, me daba cuenta de que la pintura tenía la
misma fuerza que la música”.
[83]
Donde un día se quedó impactado ante el Almiares
de MONET, al no entender lo que era ni lo que significaba.
[84]
“Pinto cuadros del interior, imágenes mentales, formas procedentes
de la necesidad interior, imágenes personales que transmitan el estado del
alma”, llegó a decir el propio KANDINSKY.
[85]
Tales como HUGO BALL, EMMY HENINGS, TRISTAN TZARA, HANS ARP, JEAN RICHTER…
[86]
Como el de BALL en 1917, en que se viste con un traje cubista diseñado por
MARCEL JANKO para leer su poema Karawane.
[87]
Pues, como decía el crítico dadaísta HUELSENBECK, lo que se
intenta es “que no se pueda, y tampoco se deba, entender al dadaísmo”.
[88]
Como ya declaraba el propio ARP, uno de los componentes del grupo, y
que venía a concluir que “asqueados por la carnicería de la guerra…
nos dedicábamos a las Bellas Artes en Zurich, buscando un arte elemental
que curara a los hombres de la locura, y un orden nuevo que restableciera el
equilibrio entre el cielo y el infierno”.
[89]
Como bien explicaba JANKO, que venía a decir que “estábamos fuera de sí,
ante los sufrimientos y el envilecimiento de la humanidad… Así, no queríamos
ser como los hombres, porque éstos estaban envilecidos”.
[90]
Respondiendo, así, al absurdo de la guerra con un movimiento absurdo.
[91]
Como explicaba RICHER, que decía que “el dadaísmo trata de
destruir nuestra convencional manera de pensar, por el único camino del sí
o no, en una radical supresión del dualismo fe-razón, materia-espíritu…”.
[92]
En un intento por destruir el arte, al igual que Europa estaba destruida.
[93]
A forma de protesta nihilista contra toda la cultura occidental.
[94]
Como decía HUELSENBENCK, “para que sólo los imbéciles o los
profesores españoles pudieran interesarse por los datos. Pues lo que a
nosotros nos interesa es el espíritu dadaísta, y todos nosotros éramos
dadaístas antes de la existencia de Dadá”.
[95]
Conceptos que para los futuristas aludían a la libertad.
[96]
Basadas en que se seleccionaba una palabra y se le daba una forma artística
determinada.
[97]
Lo cual es paradójico, teniendo en cuenta que el dadaísmo quería acabar
con el arte.
[98]
A forma de interactuar el artista dentro de su obra de arte.
[99]
De hecho, a los dadaístas les importaba más el gesto y la provocación que
la propia obra de arte.
[100]
Como ocurrió en su I Exposición Dadá de Berlín-1920, en que colgaron del
techo un maniquí con una careta de cerdo y un uniforme alemán, provocando
a las autoridades.
[101]
Y no una sensación, lo que es inédito en el Arte.
[102]
Porque sería una forma de ordenar el cuadro.
[103]
Dado que siempre iba vestido con un traje de mecánico.
[104]
Pues en el aspecto artístico ya se venía utilizando el fotomontaje, a
forma de collages realizados con
recortes y yuxtaposiciones de fragmentos fotográficos de diversa
procedencia (copias propias, recortes de prensa y de revistas…).
[105]
Como estructura arquitectónica en movimiento, con toda su maquinaria
interior (que nunca llegó a realizarse).
[106]
Pues el hombre que está al fondo de la escena se voltea los bolsillos vacíos.
[107]
Idea que poco después le pidieron reproducir en Inglaterra, cuando tras los
bombardeos de la II Guerra Mundial ésta quedó destruida al completo.
[108]
Siendo sus películas más famosas Estela del mar y Emak Bakia,
ambas surrealistas.
[109]
Efecto por el cual la luz parecía estar dentro de los cuerpos, haciéndolos
fluorescentes.
[110]
Consistente en colocar sobre el papel de revelado objetos opacos, y luego
someterlos a la luz. Lo que producía como resultado imágenes surrealistas.
[111]
Aunque fue llamado inicialmente Objeto para ser destruido (lo que había hecho que unos gamberros lo
destrozaran, y RAY tuviera que volver a hacerlo bajo el nombre Objeto
indestructible).
[112]
Pues KIKI era francesa, y en francés “el violín de Ingres” se traduce
como “pasatiempo favorito”. En este caso, RAY deja claro que su
pasatiempo favorito era Kiki.
[113]
Afirmando que “cuando alguien dice sé, es que no sabe”. Pues,
para él, la intelectualidad es demasiado seca y desprovista de expresión.
[114]
A forma de sustituir la pintura-pintura por la pintura-idea, como decía de
él OCTAVIO PAZ.
[115]
Aunque la versión que se conserva es una réplica de 1964, pues la pieza
original desapareció.
[116]
Arte compuesto a base de esculturas estáticas pero dotadas de
movimiento (que ya había inventado ALEXANDER CALDER en sus Móviles).
[117]
Haciendo referencia a la empresa de urinarios Mott, y donde la R pudo
aludir tanto a RICHARD como a Rich-Art.
[118]
Lo que le hizo reafirmarse así mismo, pues “cuanto más dura es la
crítica, más incentivado me siento”, no paraba de decir DUCHAMP.
[119]
Iniciado por ANDRE BRETON, en su intento por descubrir los mundos del
inconsciente y del subconsciente a través de la escritura, la escultura, la
pintura...
[120]
Tales como ROTHKO, KOOONING, POLLOCK, GOTTLIEB, GORKY, REINHARDT, KLINE,
HOFFMAN, BARNETT NEWMAN...
[121]
Pues muchos de ellos emigraron de Europa a Estados Unidos por cuestiones políticas,
y no sólo por las económicas o personales. Fue el caso de DALI, ERNST,
BRETON, MASSON, TANGUY, MONDRIAN, LEGER, CHAGALL, DUCHAMP, GROPIUS...
[122]
Como ellos mismo decían, “estamos de acuerdo únicamente en que somos
diferentes”.
[123]
Y su teoría del subconsciente colectivo.
[124]
Que defendía el vacío, la nada, el hombre actual sin esperanza.
[125]
Tales como que su arte era:
-una
aventura hacia un mundo desconocido, a ser explorado por quienes estén
dispuestos a asumir los riesgos,
-imaginativo,
de libre de fantasía y violentamente opuesto al sentido común,
-una
simple expresión del complejo mundo del pensamiento,
-impactante
en lo inequívoco,
-artísticamente
favorable a la planitud, para revelar la verdad y destruir toda ilusión.
[126]
Museo de Arte Moderno de New York.
[127]
Y en el que se fueron exponiendo sus colecciones pictóricas, fotogramas y
diseños industriales.
[128]
Como decía el propio ROTHKO, “para nada me interesan las relaciones cromáticas
o formales, ni nada parecido. Pues sólo me interesa expresar las emociones
humanas básicas, la tragedia, el éxtasis, la fatalidad”.
[129]
Pues prefiere mostrar el proceso al acabado.
[130]
Como definió el propio POLLOCK, al defender que “la pintura es un
estado de ser, es un descubrimiento de uno mismo”.
[131]
Pues “siempre que pintas un cuadro grande estás dentro de él. No
es algo que tú controlas”, explicaban los expresionistas abstractos.
[132]
Donde él se sentía más cómodo, manteniéndose durante toda su
profesión al margen del caballete, la paleta y pinceles (a los que sustituyó
por palos, espátulas y pintura fluida). Como él mismo decía, “sólo
cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Y
si no lo pierdo, la pintura es pura armonía y sale muy bien”.
[133]
Que demuestra que la obra de arte debía mostrar el proceso creativo, y el
cuadro poseer vida propia, sin interesar tanto sus aspectos simbólicos.
[134]
Tratando de conseguir que la vida propia del cuadro saliera a la superficie,
a través de un flujo de energía que él mismo tenía que imprimirle. Así,
tras colocar la tela sobre el suelo, trabajaba como si fuera un brujo en
trance alrededor de ella, repitiendo movimientos y gestos alrededor de la
pintura.
[135]
Estableciendo para ello contacto con los mexicanos OROZCO y SIQUEIROS.
[136]
Representando sucesos e integrando a los personajes en sus argumentos.
[137]
“A cinco brazas de aquí yace el cuerpo de tu padre;
[138]
En cuya niñez había adquirido una cicatriz en la cara, fruto de un
navajazo que le había hecho un cosaco.
[139]
Como lector empedernido que era, siendo su autor favorito Esquilo, su filósofo
favorito Nietzsche y su músico favorito Beethoven.
[140]
Al sentirse manipulado por su marchante, que además le robaba (lo que le
provocó una depresión que acabó llevándole al suicidio).
[141]
Iglesia de planta octogonal, y remitente a la arquitectura paleocristiana.
Lugar que decoró ROTHKO como lugar y espacio para el encuentro y meditación
de los jóvenes, pero no con todas las características del arte católico.
[142]
Pues él mismo decía que su arte buscaba lo sublime, invitando de
forma poética a la contemplación espiritual.
[143]
De hecho, misteriosamente él mismo decía que sus cuadros debían colocarse
muy próximos al suelo.
[144]
Siendo el blanco muy excepcional en la obra de ROTHKO. Y siendo el rojo su
color estrella, como referente a ese recuerdo infantil que le llevaba a los
muchos muertos que vio sangrando en Rusia. Aparte de ayudarle el rojo a:
-expresar
su profundidad espiritual,
-pasar
el tono caliente de la sangre al tono frío que es el violeta.
[145]
Paisajes que evocaban estados anímicos, y que posiblemente estaban
inspirados en la fosa común donde en Rusia se lanzaban los cadáveres de
los judíos, que a él tanto le impactó (de hecho, él mismo decía que
nunca podría borrar esa imagen de su mente).
[146]
Como él mismo reconocía, al exclamar que “el arte es una anécdota
del espíritu, y quienes lloran ante mis pinturas están teniendo la misma
experiencia espiritual que yo tuve cuando las pinté”.
[147]
En cuya niñez había mostrado gran habilidad a la hora de tallar flautas,
modelar esculturas de arcilla, pintar desde los 6 años...
[148]
A causa de la masacre turca de 1914.
[149]
Que en ruso venía a significar Aquiles el Amargo. Pues se dio cuenta
de que ser armenio estaba mal visto en Estados Unidos, y así empezó a
decir que era ruso.
[150]
Como decía el propio TAPIES, que aludía a que él “se dedicaba a
filosofar con las manos”.
[151]
Que decía que “los individuos deben confiar en sus poderes creativos, más
que en la autoridad civil”.
[152]
Que decía que “no existe más que la temporalidad del ser, que es y se
revela existenciándose”.
[153]
Que decía que “pintaba sin saber lo que estaba pintando”.
[154]
De ahí el poner ellos sus manos, pies... en medio de la obra.
[155]
Mediante cúters, hojas de afeitar, clavos…
[156]
Como era el caso de multitud de autores autodidactas, sin contacto con las
instituciones y técnicas artísticas.
[157]
Sobre todo de los hospitales psiquiátricos (idea recogida por la UE en su
Premio Euward para
discapacitados).
[158]
Bajo el eslogan de que “no existe un arte de los locos”.
[159]
Grandes lienzos monocrómicos, que eran rallados para buscar la 4ª dimensión.
[160]
Como defendía BERG, al concluir que “los artistas pop hicieron imágenes
que cualquier persona de la calle podía reconocer en un segundo… y todas
aquellas cosas fantásticas de la modernidad que los expresionistas
abstractos se esforzaron tanto por no advertir en absoluto”.
Y
es que si el Arte expresionista abstracto se preocupaba por el hombre y
resaltaba sus sentimientos interiores, subrayaba la subjetividad del artista
y acababa aproximándose a los burgueses americanos… el Arte pop optó por
preocuparse por los objetos y su utilidad superficial, subrayando la
objetividad de la pieza artística y aproximándose a las clases bajas.
[161]
Como defendía WARHOL, que concluía que “cuando adquieres pop ya nunca más
puedes ver un signo de la misma manera. Y cuando has pensado de forma pop,
nunca más puedes ver a los Estados Unidos de la misma manera”.
[162]
Tales como propaganda publicitaria, bienes de consumo, celebridades famosas,
tiras de periódicos…
[163]
Sobre todo para las clases elitistas, que llegaron a subastar el Coca-Cola
IV por 31 millones $.
[164]
Sobre todo para las clases bajas, que vieron un arte próximo a su verdadera
realidad.
[165]
Que en su Untitled utilizó la
iconografía de la bandera de EE.UU, pero incluyendo un texto.
[166]
Autor de numerosas esculturas divertidas que decoraron las ciudades de
EE.UU.
[167]
Pudiendo adaptarse a las paredes, farolas, asfalto…
[168]
Pues desde los 8 años había contraído la enfermedad del Mal de San Vito,
provocándole espasmos en las articulaciones, impidiéndole ir a la escuela
y requiriendo llenar su tiempo libre con nuevas aficiones.
[169]
A la Iglesia de San Juan Crisóstomo, de la cual su familia también
era una asidua participante.
[170]
Desde su propio taller The Factory, que WARHOL fundó con diferentes sedes en los barrios
de moda de New York, y en el que iba reuniendo a cantantes y actores de
moda.
[171]
Técnica ancestral utilizada por los chinos (para hacer estampaciones sobre
papeles de arroz y seda), en la que se hace el dibujo por tricromías:
-untando
el papel de betún de Judea,
-creando
una pantalla de color blanco, naranja, verde…
-aplicando
primero los colores claros, y luego los oscuros,
-dándole
un baño de barniz posterior.
[172]
Sobre todo de eventos mediáticos, para criticar y dar un nuevo marco
a sus ideas culturales (como fue el ejemplo de retratar a JACKIE KENNEDY
tras la muerte de JFK, o retratar a MAO TSE TUNG como símbolo de la
superpoblación despersonalizada que sufría China).
[173]
Sobre todo del grupo Blue Velvet
Underground, y su cantante LOU REED, con quienes WARHOL se relacionó
constantemente.
[174]
Tales como el blanco, negro, azul, amarillo y rojo, casi siempre inspirándose
en la pintura mural egipcia.
[175]
Dibujando el boceto en un papel y pasándolo luego a un cartón grande
(donde marcaba las líneas negras de contorno con cinta adhesiva). Tras lo
cual pasaba el dibujo a la parte trasera del lienzo (para que se
transparentara lo que había debajo), tras haber aplicado a la tela una
imprimatura blanca. Tras haber proyectado el collage sobre la tela, repasaba con óleo el negro y con técnicas
magras los colores primarios, y empezada a colorear los puntos a distancia.
[176]
Pues hasta entonces el único tipo de arte autóctono había sido el
de los indios.
[177]
Pues, como él mismo decía, “soy partidario de un arte que debe su forma
directamente a la vida, que se tuerce y se extiende, que es pesado, macizo y
tosco, dulce y estúpido como la vida”.
[178]
Movimiento desarrollado entre 1915-1923 por obra del ruso KAZIMIR MALEVICH,
comisionado para la enseñanza del pueblo y director del bolchevique Diario
de la Comuna, que en su Suprematismo
o Mundo de la no representación-1920 va reuniendo a los artistas POPOVA,
RODCHENCKO, LISITSKY… bajo el nombre de Grupo Supremus (que luego se
integrará al completo en el Constructivismo ruso).
Respecto
a MALEVICH, destaca su Cuadrado negro
sobre fondo blanco-1923, donde:
-rechaza
la utilidad del arte y de la expresión grafica, pues el arte está en la
experiencia,
-trata
de plasmar el sueño de un mundo mejor y un ser humano más noble, por medio
de la religión.
Se
trató, pues, de un Suprematismo que tendía hacia lo absoluto, hacia el
infinito, hacia la mística, dejándose fascinar por la belleza de las
formas geométricas, las matemáticas, la grandiosidad del universo, lo que
se escapa a nuestro alcance. Buscaba una pintura liberada de referencias
objetivas, con los mínimos elementos, con toda la fuerza de lo
aparentemente en reposo, a imagen de lo que bien supo hacer el icono ruso.
[179]
Movimiento desarrollado a partir de la Revolución bolchevique-1917, por
obra del ruso LAZAR LISITSKY. Se trata de poner el diseño industrial, las
artes aplicadas y la comunicación visual al servicio del comunismo, desde
la convicción de crear un arte proletario y revolucionario. De ahí la
insistencia en carteles, y la reiteración en los colores negro, blanco y
rojo (golpeando a los blancos con la cuña roja).
Fue
el caso de ALEKSANDR RODCHENKO, diseñador cartelista que diseñó la torre
conmemorativa de la III Internacional Socialista-1919 (arquitectura férrea
de tres piezas: una pirámide, una esfera y un cilindro, moviéndose cada
una a su propio ritmo).
O
el caso de LIUBOV POPOVA, diseñadora de trajes y decorados para teatro,
aparte de impartir clases en el Instituto Artístico de Inkhuk, centro de
las teorías constructivistas.
Para
el Constructivismo, el estilo debía sustituirse por la técnica y el
artefacto, pues la pintura no es sino un paso intermedio hacia la
arquitectura.
[180]
Movimiento desarrollado entre 1917-1931 por obra del holandés MATHIEU
SCHOENMAEKERS, matemático que buscó la esencia de la tierra, la trama cósmica
y la trascendencia espiritual, así como desnudar a la naturaleza de todas
sus formas para que sólo quede el estilo.
Se
trata de una concepción esencialista de la pintura, que busca desvelar las
formas más puras de la naturaleza mediante la eliminación de lo superfluo
y desvirtuante. Así, parte de una imagen y poco a poco la va simplificando
en formas cubistas, hasta conseguir la abstracción pura.
En
cuanto a colores, utilizó:
-el
azul: signo de lo vertical y horizontal,
-el
rojo: signo de lo general y particular,
Pues
el verde estaba prohibido. De hecho, la separación entre sus miembros se
produjo porque unos querían utilizar el verde y la línea curva, y otros
no.
Destacó
en el Neoplasticismo THEO VAN DOESBURG. teosofista que argumentaba que para
conocer profundamente la naturaleza había que experimentarla de forma
profunda.
Así
como PIET MONDRIAN, que indagó en el espíritu absoluto con el fin de:
-encontrar
la estructura básica del universo, la supuesta retícula cósmica,
-representar
el no-color blanco, atravesado por una trama de líneas de no-color negro.
Así
como los medios de:
-planos
rectangulares, según el modelo urbano de New York,
-colores
primarios, en acrílicos o sistemas industriales,
-repudio
de las características sensoriales,
-eliminación
de las curvas,
-producción
en masa de obras de arte, para que todos se beneficien.
[181]
Pues no importa el propio movimiento, ya que las piezas deben mostrar
neutralidad y esto sólo es posible a través del estaticismo, monotonía y
composición serial.
[182]
Cosa que no le permitía hacer la pintura, pues “el espacio real es intrínsecamente
más poderoso y específico que la pintura en una superficie plana”.
[183]
Ella que él se sentía “totalmente contrario a la idea de reduccionismo.
Pues si mi obra es reduccionista, será porque no tiene elementos que la
gente cree que deberían estar en ella, no porque tenga elementos que a mí
me gustan”.
[184]
Como elemento que mostraba realidades que podía ser reales o no, “para
ver si la gente rechazaba la obra a continuaba aceptándola como un final
impuesto”.
[185]
De hecho, también sacó tiempo para estudiar la carrera de historia del
Arte.
[186]
Lo que le hizo ser despreciado por los demás artistas minimalistas, al
utilizar un material tan tradicional.
[187]
Como símbolo de la ausencia.
[188]
Como una serie de raíles, caminos esculpidos de tal manera que no puede
observarse su principio ni final, ni una posición preferente desde la cual
puedan ser observados.
[189]
Planos cuadrados pegados al suelo, que ocupaban un espacio y hacían que el
espectador se parara frente a ellos, pero sin pisarlos. Estaban hechos de
hierro y magnesio, y eran parecidos a un damero de ajedrez.
[190]
Pues él se había criado en una zona minera, y siempre quiso que la gente
experimentase esa sensación de pureza no manipulable.
[191]
Porque estaba hecho de sus propios materiales, sin pretensión de
tener otros diferentes.
[192]
Porque la obra era igualmente accesible a todo el mundo.
[193]
Porque carece de trascendencia, espiritualidad e intelectualidad.
[194]
Tales como la Bahía Hudson de New York o lagos del desierto californiano,
en los que pudo intervenir profesionalmente.
[195]
Idea que ya había ido desarrollando en Bulgaria, cuando se ganaba la vida
haciendo escaparates en los que cubría el mobiliario del escaparate con
telas.
[196]
Ciudadana marroquí que emigró a Alemania y luego a Estados Unidos, sin
conocer su propia identidad (dado que sus antepasados también habían sido
emigrantes).
[197]
Pues varias veces acabaron en la bancarrota, ya que casi todo el dinero que
generaban lo dedicaban a una fundación.
[198]
Entregando un trozo de tela de las piezas expuestas a las personas visitaban
el proyecto.
[199]
Uno porque se voló una sombrilla y se le echó encima, y otro en la
instalación de las sombrillas.
[200]
Un MARCEL DUCHAMP que reflexionaba sobre la construcción y el papel del
autor. Pues hasta el s. XIX la figura del artista seguía unos patrones, y
éstos cambiaron a partir de Duchamp. Según el artista y ajedrecista francés,
todo el mundo puede ser artista, y todo el mundo puede ser observador (y no
sólo los receptivos, adinerados y privilegiados de la clase pudiente). Pues
“ya se acabó eso de criticar la obra de arte, o de que lo hagan siempre
los mismos”.
Así, si hasta ahora la obra de arte mostraba todo su interior al espectador, ahora es el artista el que muestra todo su interior (rechazando así la obra de arte).
A
partir de Duchamp el arte ha muerto, no tiene sentido, se ríe de la crítica
artística, menoscaba la labor del observador, se burla de las técnicas artísticas.
[201]
Sobre el hombre, la vida… así como sobre obvias y tautológicas
definiciones sobre el propio arte.
[202]
Rechazando así la producción de obras artísticas, debido a su carga
ornamental.
[203]
Como se ve en el ejemplo de la silla, que KOSUTH siempre pinta junto a una
fotografía suya a su lado, y una definición del diccionario sobre lo que
significa. Así, consigue el pintor que el espectador se cuestione lo que el
arte vanguardista estaba perdiendo: ¿qué es una silla?, ¿qué es una
fotografía?, ¿qué es una definición?
[204]
Es decir, un arte lógico que describa las mismas cosas con lenguajes
diferentes y sin las mismas palabras. Pues, como decía KOSUTH, “no hay
que definir el arte, porque el arte es arte”.
[205]
Como se ve en el ejemplo de los nombres propios, componentes indispensables
con los que se presentan y proponen objetos.
[206]
La mayoría de las veces, pero no siempre. Pues muchas veces no exponía
sus cuadros, sino que los guardaba en su taller en cajas especiales, con un
recorte de periódico de ese día en su interior y una muestra del color que
ha utilizado (pues si en ese día no lograba terminar el cuadro, lo destruía
y no seguía trabajando al día siguiente).
[207]
Siguiendo los mismos procesos que se seguían en la pintura antigua
(de hecho, las letras las hace a mano alzada).
[208]
Desde los colores puros con los que empezó hasta el uso exclusivo del negro
a partir de 1980.
[209]
Como destacó el crítico GEORGE BRECHT, al recalcar que Fluxus:
-no
era ningún movimiento artístico, sino una actitud espiritual,
-no
era un grupo de artistas confabulados, sino una extremadamente laxa
vinculación de solitarios.
[210]
Como el joven japonés AY-O, que dedicó su obra a homenajear el
sonido de las máquinas de escribir de ADRIANO OLIVETTI, a forma de danza
contemporánea con sonidos del mundo contemporáneo.
[211]
Revista que nunca llegó a aparecer.
[212]
Pues “lo más importante de Fluxus es que nadie sepa lo que es, y que
produzca cosas que los expertos no entiendan”, según ROBERT WATTS.
[213]
Mediante su Flux Orchestra, que tocaba siguiendo escalas inexistentes,
inventándose notas y pentagramas, grabando sonidos de pis en el caldero...
Pero siempre con un piano de fondo, como su instrumento de trabajo.
[214]
Como se ve en los primeros happenings, en los que sólo actuaba una persona con un objeto en la
mano.
[215]
Haciendo obras sin materialidad, pero a través de medios expresivos, plásticos,
visuales, teatrales y olorosos.
[216]
Pues había participado como piloto en la II Guerra Mundial, cayendo herido
en un bombardeo cerca de Crimea. Tras lo cual fue rescatado, prácticamente
muerto, por unos nativos del lugar, que le untaron de grasa animal y fieltro
para devolverle a la vida (grasa animal y fieltro que aparecen en la mayoría
de sus performances).
[217]
Mediante la técnica del flashmob, actuaciones improvisadas en las que la gente actúa para
sorprender al público.
[218]
Consistente en llegar al aeropuerto de Dusseldorf con los ojos
tapados, volar hasta New York sin abrir los ojos y, sin llegar a pisar suelo
norteamericano, ser trasladado en una ambulancia, y tumbado en una camilla,
a un recinto cerrado y acristalado donde tiene que convivir durante una
temporada con un coyote, con el equipaje de un periódico, un bastón y una
manta.
Experiencia
en la que el coyote no lograba acercársele los primeros días, pero luego sí.
En un principio para atacarle (ante lo cual BEUYS se defiende con el bastón,
a forma de chamán que actúa contra un ser conducido por el instinto),
hasta que poco a poco el hombre logra dominar al animal, contándole lo que
pone el periódico. Tras lo cual BEUYS vuelve a taparse los ojos, es montado
de nuevo en una camilla, y devuelto en avión a Dusseldorf.
[219]
Un azul ultramar (o azul Kleine) con el que las modelos se embadurnaban al
completo, se apoyaban luego sobre papeles pegados a la pared, e iban
actuando a forma de pinceles por medio de su cuerpo. Mientras tanto, iba
sonando una sinfonía monótona, que repetía la misma nota durante 20
minutos y guardaba silencio en los 20 minutos siguientes.
[220]
Mostrando que era una obra de arte de cuerpo completo si se firmaba en rojo,
y que no había sido obra completa de arte si se firmaba en amarillo.
[221]
Como se ve en su Salto al vacío,
en que KLEIN se arroja al vacío desde un muro, y su cuerpo se convierte en
escultura que penetra el vacío, que elimina la no-materia del registro
central.
[222]
A
forma de pintura-pintura.
[223]
Sobre todo el Arte expresionista abstracto y el Arte pop.
[224]
Siguiendo en cierto modo la última pintura impresionista.
[225]
Introduciendo dentro de cada puntito del cuadro otro punto de otro color
diferente (lo que provocaba un juego inusual de complementariedad de
colores).
[226]
Siendo el espacio exterior el espacio del mundo, ante el que hay que tener
una actitud política comprometida.
[227]
Pues “el arte es un fenómeno que se ocupa del contraste y nunca de
realizaciones terminales, que es algo que compete a la ciencia”.
[228]
Diciendo que hay una serie de números que están muertos, y que lo que hay
que hacer es darles una nueva identidad. Así, para revivirlos habría que
seguir la progresión de FIBONACCI, que
afirma que en la secuencia numérica se alcanza el infinito.
[229]
Mediante una frase de un general de Vietnam del Norte que tras la guerra fue
nombrado ministro: “si el enemigo se dispersa pierde terreno; si el
enemigo se dispersa, pierde fuerza”.
[230]
Como ser que emblematizaba la perfección, siendo ésta la primera
vez en la historia en que un animal era colocado en una sala de
exposiciones.