SEÑORITAS DE AVIGNON DE PICASSO

a) Pintura cubista

b) Picasso

c) Pintura de Señoritas de Avignon de Picasso

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a) Pintura cubista

            Tuvo su origen en las Señoritas de Avignon-1907 de Picasso y en las Casas de L’Estaque-1908 de Braque[1], siendo ambos reconocidos como sus padres fundadores, tanto para el mundo de los artistas como para las Academias de Bellas Artes.

Lanzó su 1ª exposición en el Salón de los Independientes-1911, y en 1912 recibe definitivamente el nombre de pintura cubista por parte de Apollinaire, como adjetivo despectivo que descalificaba las extrañas formas cúbicas dadas a las casas humanas.

De 1907 a 1909 se desarrolla la pintura cubista temprana, donde los dos co-fundadores y amigos deciden analizar lo que han pintado[2], reflexionar sobre los puntos en común[3], romper oficialmente con la pintura precedente[4] y recurrir a[5]:

-unas temáticas, en torno a personas u objetos,

-unas formas, que no querían perder,

-unos puntos de vista, no únicos sino múltiples,

-la planitud, sin salirse de la bi-dimensionalidad[6].

            De 1909 a 1912 se desarrolla la pintura cubista analítica, por medio de entusiastas seguidores que se ponen a debatir en torno a cómo exponer el cubismo[7], así como defender:

-temáticas neutras, como bodegones, retratos…

-personajes que muestren lo único que se sabe de ellos,

-figuras fragmentadas, y sugeridas mediante mínimas pistas[8],

-objetos reducidos, fragmentados y abstractos,

-colores restringidos, tendentes a la monocromía[9],

-planitud, a forma de una red superficial de intersección de líneas,

-distintos puntos de vista, entre zonas del cuadro y partes del propio objeto,

-ruptura de la profundidad, con espacios echados hacia atrás, arriba, adelante…

            Es el momento en que se intenta dar plasticidad a la pintura cubista, pero sin negar la bi-dimensionalidad del plano. Lo cual se consigue al fragmentar por igual cada cuerpo[10]:

-no imitando la realidad,

-sí representando la verdadera realidad[11].

De 1912 a 1914 se desarrolla la pintura cubista sintética, en un intento por impersonalizar las obras. Es el momento en que se introducen al cuadro letras, números, recortes de periódico[12]… Pues ya no se trata de fragmentar objetos, sino de reconstruir elementos fragmentados, para hacer reconocible una imagen distinta[13].

b) Picasso

            Pintor español, Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) fue uno de los fundadores del Cubismo, junto a Georges Braque y en menor medida Juan Gris.

            Hijo de comunistas y comunista hasta su muerte, Picasso participó en todo tipo de movimientos culturales de su época, abordando los géneros del diseño, escultura, cerámica y grabado.

Compuso más de 2.000 obras de arte, que hoy están repartidas por todo el mundo, y que le convirtieron en el mayor artista mundial del s. XX.

c) Pintura de Señoritas de Avignon de Picasso

            Fueron pintadas por Picasso en 1907, permaneciendo hoy en el Museo de Arte Moderno de New York[14]. En ellas se aprecia:

-temática contemporánea[15] y exhibicionista,

-personajes irreales[16] y con mascaras[17],

-fragmentación total[18],

-ausencia de jerarquía, proporciones[19] y disposición espacial,

-planitud,

-varios puntos de vista,

-variaciones en las luces-sombras[20],

-inspiración primitiva[21].

ed. Mercaba

Diócesis de Cartagena-Murcia

Indice general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm

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[1] De hecho, el cuadro de BRAQUE fue el que dio origen al término cubismo, por unos comentarios que hizo HENRI MATISSE sobre él en la exposición del Salón de Otoño-1908, a la hora de hablar de “los pequeños cubos” con que el francés pintó sus casas.

[2] Viviendo en común hasta 1914.

[3] A forma de:

-dos escaladores que se han encordado juntos, como decía GEORGES BRAQUE,

-un matrimonio artístico, como decía PABLO RUIZ PICASSO.

[4] Sobre todo con un Impresionismo que buscaba la fugacidad, mientras que el cubismo buscaba lo único permanente (salvo la excepción de CEZANNE, que fue el que hizo de puente para los cubistas).

                Y es que el cubismo optó por los descubrimientos de una nueva ciencia de EINSTEIN que dejaba anticuados todos los planteamientos anteriores, y que empezaba a analizar una 4ª dimensión: el tiempo. Así, tratan PICASSO y BRAQUE de introducir en la historia del arte un nuevo concepto: el tiempo.

                En este sentido, tan sólo la filosofía de HENRI BERGSON fue aceptada por PICASSO y BRAQUE, por su:

-concepto de perdurabilidad, a pesar del fluir cambiante de objetos,

-emergencia del pasado en el presente, y del futuro en el presente.

[5] Lo que hace difícil distinguir el arte de ambos. Pues ambos se inspiran en el arte africano, se distancian respecto al objeto… Eso sí, se puede decir que como diferencia:

-BRAQUE se preocupa más de la masa y los cuerpos,

-PICASSO se preocupa más de la bi-dimensionalidad.

[6] Pues el Renacimiento había quitado esta cualidad a la pintura, y ahora el Cubismo quería reclamarlo alto y claro: el carácter plano de la pintura. Pues el cuadro, antes que ser un caballo o un desnudo femenino, es una superficie organizada de colores.

[7] Pues unos y otros se dividen entre exponer:

-en el Salón de los Independientes, a pesar de recibir todas las críticas parisinas,

-en galerías extranjeras, como ruptura definitiva con el Arte precedente.

[8] Para que el espectador las recomponga. Pistas que deben ser mínimas, no relatar nada, y ser el único punto donde no haya abstracción en el cuadro.

[9] Para evitar el carácter emocional y descriptivo del color, y resaltar solamente su composición formal.

[10] Técnica del facetado, o presentar el espacio por facetas-parcelas. La cual llevó al cubismo a organizar la composición mediante una red de líneas y figuras tal… que descompusiera la escena en facetas-parcelas distintas, cada una con su propio punto de vista.

[11] Consiguiendo así que el objeto pictórico no simulara ilusionistamente la realidad, sino que la hiciera verdadera.

[12] En un intento por:

-entremezclar los límites de lo pintado y lo real,

-dar materialidad constructiva a la obra.

                Pues las letras o números, al despojárseles su contenido objetivo… pasan a formar elementos formales compositivos, como otra línea abstracta más.

[13] No ya destruyendo el arte (como hacía el Impresionismo) sino construyendo un arte nuevo (a base de construir y encajar las piezas sueltas).

[14] Pero en su día conocido por poca gente. Pues hasta 1916 no se expuso ni puso a la venta.

[15] La de un burdel de la calle Avignon de Barcelona.

[16] Los 5 desnudos femeninos, sin relación entre sí. Las 5 son prostitutas, que se exhiben delante del espectador a través de una tela, y que levantan los brazos para mostrar la belleza de sus senos. 3 de ellas nos están mirando (1 de ellas violentamente), 1 abre la cortina y 1 es recién llegada a la escena.

                A lo que hay que unir el bodegón, sin referencia descriptiva ninguna, y que lo único que hace es corresponderse con el blanco, ocre, azul y naranja del resto del cuadro.

[17] Todas con rostros planos, ojos grandes, líneas redondas, contornos nítidos. Aunque cada una dejando entrever a una persona conocida.

                Y es que las máscaras aportaban libertad formal al artista, le eximían de ser neutral y distante respecto a lo representado, y le permitía mostrar su emotividad por el asunto pintado.

[18] A través de planos irregulares, mediante líneas, y con tendencia a la triangulación. Y afectando de forma directa a lo esencial del cuadro: figuras, bodegón, fondo.

[19] Como se ve en los rostros planos.

[20] Dependiendo de cada figura representada, o de la parte de cada figura representada.

[21] Sobre todo del arte africano tribal (cuyas colecciones iba coleccionando PICASSO, junto a fotografías de mujeres negras), que descubrió a través de MATISSE. Y en menor medida del arte español pre-histórico y del arte oceánico.