ARQUEOLOGIA RENACENTISTA

a) Italia renacentista
b) Arqueología renacentista italian
a
c) Arquitecturas renacentistas italianas
d) Piezas arqueológicas renacentistas italianas

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a) Italia renacentista

            Ya en el Trecento, algunas personas habían sentado precedentes de nuevas modas que desde la literatura y talleres gremiales habían empezado a surgir. En el mundo de la cultura, y sin precedente previo alguno, también vino a consumarse el surgimiento de nuevas modas[1], de la mano de:

-Cennino Cennini[2], con rasgos de gestación de un nuevo naturalismo,
-Lorenzo Ghiberti
[3], con una nueva sensibilidad hacia la Antigüedad.

            Con la llegada del Quatrocentto y la generación de Brunelleschi[4], Donatello[5] y Masaccio[6], Italia experimentó cómo un nuevo estilo había empezado a emerger, con los ingredientes de:

-nuevo modo de entender el mundo,
-optimismo en el hombre,
-confianza en la razón.

            A este cambio en la práctica arqueológica acompañó una modificación paralela de las teorías en que aquella se apoyaba. Se trató, a forma de comienzos, de un naturalismo basado en los nuevos medios de la perspectiva y anatomía.

            Pero donde quedaron plasmadas estas ideas de una manera más acabada fue, sin lugar a dudas, en los escritos de León Battista Alberti, representante de una doctrina, la “renacentista”, que abrazará todas las ramas de la actividad humana.

a.1) Alberti

            León Battista Alberti (Génova 1404-Roma 1472) fue sacerdote del Vaticano[7], abogado[8], matemático y arquitecto italiano. Fue criptógrafo, lingüista, filósofo y el primer arqueólogo en sentido estricto y moderno.

            Se trata del primer teórico del Renacimiento, figura emblemática en Italia[9], buscador incansable de nuevas reglas sobre el cuerpo humano, inventor de la perspectiva científica[10], inaugurador de la arquitectura moderna.

            Proyectó numerosas obras arquitectónicas por toda Italia[11], trabajando para el papado de Roma, los Este de Ferrara, los Gonzaga de Mantua, los Malatesta de Rímini, así como para la alta burguesía italiana y la clase nobiliaria florentina.

            Las ideas de Alberti están íntimamente relacionadas con su concepción de la ciudad-estado italiana. Para él, el interés público racional era la forma suprema del bien: las leyes de la ciudad, la paz de la ciudad… con firmeza, con el uso de la tortura.

            En consecuencia, lo que había de interesar al “renacentista” era el ciudadano, tanto el particular como el príncipe. Y lo que debía interesar al individuo era el servicio a sus compatriotas, con la búsqueda sistemática de la virtud[12], mediante la voluntad.

            Alberti profesó la filosofía pagana, compatibilizada con los dogmas cristianos, y a forma de religión humanizada. Trató a los antiguos por encima de los contemporáneos, pero sin obligación alguna de seguir sus preceptos.

            Las ideas de Alberti quedaron recogidas en su trilogía De Pictura-1435, De Reaedificatoria-1450[13], De Statua-1464. Su definición del sabio era la de “un hombre comprometido en la tarea científica, con las matemáticas y la geometría, la historia y los demás géneros, para mostrar la auténtica imagen de ese momento”.

            Pronto se percató Alberti de que en Florencia todo era controlado por los Médicis, y de que los neoplatónicos, bajo la dirección de Ficino[14] y Mirandola[15], dominaban la cultura y la Academia platónica. Y es que Alberti no simpatizó nunca con el misticismo neoplatónico, sino con la vida activa.

a.2) Desarrollo de Italia renacentista

            El Renacimiento[16] supuso la 1ª vez en que Italia miró hacia atrás:

-haciéndolo cada uno a su manera,
-creando cada escuela su propia interpretación.

            Se trató de una cultura, la renacentista, que supuso[17]:

-el nacimiento del estado local italiano,
-el desarrollo del individuo
[18],
-el resurgir de la Antigüedad clásica
[19],
-el descubrimiento del mundo a nivel cultural
[20].

            Los antecedentes del Renacimiento hay que buscarlos en el s. XIV, cuando las ciudades-estado italianas empezaron a multiplicar las cortes locales, buscando cada una sus intereses locales, culturales, literarios… y con una proyección hacia el futuro.

            Fue también fundamental para su despegue:

-la introducción de la lengua vernácula, aún siendo todavía oficial el latín,
-la proliferación de novedades literarias, obra de Dante, Petrarca, Boccaccio…
-la multiplicación de gremios artesanales, y su individualismo profesional,
-las exigencias comerciales de la época.

            Con el Renacimiento, la perspectiva:

-lineal empieza a racionalizar la visión, en una búsqueda de experimentación continua,
-aérea empieza a desarrollarse de la mano de la geometría.

            Se puede decir que, a nivel general:

-el Quatrocentto fue un laboratorio florentino de experimentos,
-el Cinquecento llevó a la cultura al idealismo del clasicismo.

b) Arqueología renacentista italiana

            Mostró principalmente 3 factores:

            -Humanismo. Fue el código de conducta del ciudadano, con teoría educativa sobre cómo tenía que ser el hombre. Su centro de pensamiento fue el hombre clásico de Roma, y su modelo Augusto, Cicerón, Quintiliano…

            -Papel del arqueólogo. Es el momento en que surgen las biografías sobre arqueólogos[21], sus comentarios[22] y sus propios descubrimientos[23]. Empieza a aumentar, pues, la consideración del arqueólogo, y sus diferencias entre:

-arqueólogo de corte, más cualificados[24] y más reclamados por la burguesía,
-arqueólogo de gremio, con su trabajo mecánico y manual
[25], forjado en los viejos Trivium y Quadrivium.

            -Papel del mecenas. Que empieza a mostrar interés por la arqueología, como medio de propaganda de su poder político. Hubo competición de mecenas entre sí, y siempre existió en todos ellos el intento de mostrarse como el recogedor y transmisor de la virtus romana clásica, dando ejemplo de ciudadano modélico.

b.1) Arqueología emuladora de la Antigüedad

            La Antigüedad ya había sido rescatada por la Iglesia y transmitida por ella misma a lo largo de 1.300 años. Luego no se trató de una arqueología que partía de cero, sino de lo que había transmitido la Iglesia. Eso sí, la Italia renacentista supo darle una nueva mirada, y entenderla con una conciencia distinta.

            Fueron 3 las formas con que la arqueología renacentista miró la Antigüedad clásica:

            -Imitatio y Aemulatio. Consistía en imitar-copiar y emular-superar las obras antiguas[26]. Y aquí radicó toda la interpretación arqueológica:

-más filosófica en algunos lugares,
-más historicista en otros lugares.

            La arquitectura y escultura lo tuvieron más fácil en ese sentido[27], mientras la pintura necesitó recurrir a los textos para intentar mantener la fidelidad al espíritu clásico[28].

            -Academias platónicas renacentistas. Surgieron de la fundación de la Academia platónica de Florencia[29], y tuvieron a Plotino[30] como su modelo.

            -Filosofía clásica, cristianizada. Utilizó la filosofía clásica[31] para explicar las ideas cristianas[32]. Luego el arqueólogo debía estar inspirado por Dios.

b.2) Nuevos sistemas de representación

            Trataron de aplicar sistemáticamente un sistema de leyes geométricas al problema de las representaciones arqueológicas:

-mediante la matemática,
-mediante la geometría.

            Se trató de dar una nueva perspectiva[33], pero siempre como un redescubrimiento de lo clásico[34], y no como evolución de lo medieval[35].

            Por ello, podía construirse un espacio ficticio-ilusorio, pero éste tenía que:

-ser convincente,
-no salirse de la superficie bi-dimensional,
-unificar todos los objetos en un único sistema espacial.

            Como consecuencia, fue generalizada en el Renacimiento la teoría de las proporciones, por la que:

-el ojo tiende a centrarse en el centro, dentro de una línea de horizonte, y a forma de punto de fuga[36],
-a partir del punto de fuga se han de configurar las ortogonales, formando retículas para la posición de cada objeto .

            Fue Botticelli el principal impulsor de esta perspectiva[37], tratando de:

-aplicar la geometría euclidea a la visión[38],
-trabajar la línea, la superficie y el volumen.

            Y Brunelleschi su principal seguidor, con las 2 tablas que hizo sobre el Baptisterio y Plaza de la Señoría de Florencia, cuando iba a construir la cúpula de la Catedral de Florencia, y en un intento de hacer ver de los canónigos:

-la perspectiva,
-la forma de espejo hacia el espectador,
-la silueta de los edificios sobre el cielo.

b.3) Ciudad renacentista italiana

            Ya tuvieron su primer intento de plasmación práctica con Brunelleschi, cuando intentó representar en 1401-1409 y en 2 tablas de madera la Plaza del Duomo y la Plaza de la Señoría de Florencia

            Así como la ciudad griega había sido de planta hipodámica, y la romana creada en torno al cardo y decumano… ahora la ciudad renacentista se va a convertir en:

-el centro de la vida pública,
-proyección y demostración del poder del príncipe,
-un fondo sobre el que se van a representar distintas escenas escultóricas,
-producto de las nuevas leyes de la perspectiva, estética e imaginación teórica.

            Se trataba de compaginar:

-la commoditas, o elemento funcional,
-la voluptas, o belleza.

            Su prototipo fue:

-Roma cuadrada, para Alberti[39] y la gran mayoría,
-un foro romano circular, como modelo para circular en torno a él, para otros,
-Sforzinda, de Antonio Berlino
[40], combinadora de lo cuadrado y lo circular.

b.4) Palacio renacentista italiano

            No fue un mero castillo-fortaleza medieval, sino una edificación promocional, administrativa y lucrativa de los nobles y grandes familias comerciales.

            Se trataba de “una ciudad en pequeño”[41], “una ciudad en forma de palacio”[42], “un organismo arquitectónico autosuficiente y polifuncional”[43].

            Tuvo su punto de referencia en el florentino Palacio Piti de Brunelleschi.

c) Arquitecturas renacentistas italianas

c.1) Cúpula de la Catedral de Florencia

            De 1420. Ya había empezado a ser estudiada desde 1417, decidiendo el colegio de canónigos su encomienda a Brunelleschi en 1420, con todo tipo de maquinaria inventada[44] o necesaria para el caso[45].

            Brunelleschi decide llevarla a cabo mediante el arco apuntado ojival[46], para repartir el peso y reducir la presión hacia fuera. Con una cimbra circular como andamio, empieza a diseñar una cúpula[47] de doble casquete[48]:

-de 28 nervios hacia dentro, y 8 hacia fuera,
-anclado todo en una linterna pesada,
-levantando casquete a casquete mediante el aparejo de espina de pez.

c.2) Palacio Médicis-Riccardi de Florencia

            De 1444. Fue construido por Alberti para Cosme de Médicis[49] en pleno centro de Florencia, siendo comprado después por la familia Riccardi.

            Copió el estilo de Brunelleschi[50], con planta rectangular y:

-patio con columnata, como centro neurálgico,
-jardín trasero enorme,
-arcos de medio punto.

            Su fachada consta de 3 pisos y uno 4º para la cornisa superior, todos con bastimento rústico[51]:

-romano, sin tallaje, rugoso y no liso ni pulido, en el 1º piso,
-rústico suavizado, en el 2º piso,
-sin almohadillado, en el 3º piso,
-clásica corintia, en la cornisa superior.

c.3) Palacio Rucellai de Florencia

            De 1452. Construido en piedra caliza por Alberti en plena efervescencia constructiva[52] florentina, a petición y costeo del rico banquero florentino Rucellai[53].

            Tiene 3 pisos:

-con superposición de órdenes[54],
-con una cornisa rematadora,
-separados cada uno de ellos verticalmente por medio de pilastras adosadas
[55].

            Enfatiza la bi-dimensionalidad, combinando los vanos de las ventanas con los pilares, todo a forma de cuadrado.

c.4) Basílica Santa María Novella de Florencia

            De 1470. Fue rediseñada en mármol por Alberti respecto a la iglesia gótica pre-existente desde el s. XIII, e introduciendo una fachada telón[56] totalmente nueva.

            Introduce la policromía, con mármoles en taracea[57] y colores toscanos[58].

            Tuvo como sustentación:

-6 arcos apuntados[59], tratando de hacer un envoltorio,
-1 puerta, con molduras decorativas y milimetradas, y casetones clásicos romanos.

            Sigue el modelo del cuadrado[60], que divide la fachada en 2 mitades en total armonía[61]:

-la parte inferior[62], más ancha que la superior,
-la parte superior
[63], con 2 volutas[64], y 1 frontón clásico rematador.

c.5) Templete San Pedro in Montorio de Roma

            De 1502. Construido por Bramante entre la necrópolis y circo de Nerón y la vieja San Pedro del Vaticano. Fue encargado por el rey de España, en honor a la crucifixión de Pedro, a modo de arquitectura conmemorativa[65].

            De planta circular clásica, con patio circular interior y con la idea de verse su interior desde el exterior[66].

            Con columnata clásica, arquitrabe, tambor en la 2ª planta[67]… y todo tipo de referencias clásicas.

c.6) Basílica papal San Pedro del Vaticano

            De 1506. Comenzó a ser construida por Bramante con roca travertina[68] el 18 abril 1506[69], bajo Julio II y sobre 3 capas inferiores: los restos de la tumba de San Pedro, grutas y criptas[70] y la vieja Basílica Constantiniana-326. Dividió el trabajo por equipos:

-de arquitectura, al mando de Bramante y Rossellino,
-de escultura, al mando de Bernini y Buonvicino,
-de pintura, al mando de Rafael
[71].

            Se trata de la interior planta más grande del mundo, con 218 m. longitud x 136 m. altura, y una superficie interna de 2,3 hectáreas, en la que se esparcían:

-el altar mayor, junto a 45 altares más y 11 capillas artísticas,
-la fachada principal, de 115 m. ancho, y 2 estatuas equestres
[72],
-el ático, con esculturas de 5,7 m. altura y 6 campanas de 9 toneladas cada una,
-la plaza de San Pedro, la Scala regia…

c.7) Otras arquitecturas renacentistas italianas

            Destaca el Hospital de los Inocentes de Florencia-1419 de Brunelleschi, para los niños abandonados de Florencia, con la idea de hacer una fachada porticada para la gigantesca plaza. Se trata de la máxima perfección de proporciones[73] y del arte racionalista[74], permitiendo la fachada la máxima luz y el mínimo peso sustentante.

            Destaca la Iglesia San Lorenzo de Florencia-1423 de Brunelleschi, donde se vuelve al paleocristianismo romano[75], y empieza a tender a un modelo básico. Apuesta por el techo plano, arquerías simétricas, líneas rectas, simetría casi de espejo.

            Destaca la Iglesia Espíritu Santo de Florencia-1436 de Brunelleschi, que da tratamiento[76] a la planta de cruz latina como si fuera (por efecto óptico) una especie de planta centralizada romana[77]. Alargó las capillas laterales por la cabecera, todo el exterior y la fachada[78], con la idea de unificarlas mediante 4 puertas de entrada. Dotó de luz[79] todo el conjunto.

            Destaca la Capilla Pazzi[80] de Florencia-1440 de Brunelleschi, donde se introduce ya directamente la planta rectangular centralizadora, con 1 cúpula centralizadora[81] y 2 bóvedas circunstanciales de cañón. Desprecia el narthex, e introduce un ábside semicircular[82] de pies cuadrados[83].

            Destaca el Templo San Francisco de Rímini-1450 de Alberti, por encargo de Segismundo Malatesta y como capilla funeraria paleocristiana[84]. Envuelve a forma de cáscara el edificio gótico anterior, con elementos emuladores de los arcos del triunfo romanos[85].

            Destaca la Iglesia San Andrés de Mantua-1470 de Alberti, encargada en ladrillo por Ludovico Gonzaga para guardar las reliquias de la sangre de Cristo, y albergar gran afluencia de peregrinos. De nave central impresionante, naves laterales de cañón no paralelas a la central, impronta etrusca y monumental, fachada de 4 altas pilastras, ombrelone superior[86] y cabecitas en el arquitrabe-cubrimiento.

            Destaca la Villa Médicis de Poggio a Caiano-1480 de Giulano da Sangallo, en forma de villa romana[87] campestre. Con muralla exterior de 4 torres-fortaleza, une naturaleza y arte, e introduce el frontón clásico de los templos, a forma de sacralizar el campo. Incluye un salón abovedado.

            Destaca el Palacio Ca’Vendramin-Calergi de Venecia-1481 de Mauro Codussi, para la familia Loredan. Con 3 pisos, arquitrabes, columnas, regusto gótico, pisos con ventanales de vidrio[88], loggia[89] abierta…

            Destaca el Palacio Strozzi[90] de Florencia-1490 de Giulano da Sangallo, tras una planificación previa en madera. Con 3 pisos y uno 4º de cornisa, almohadillado rústico, plano y ausente en sus 3 niveles, arcos de medio punto y capiteles.

            Destaca el Palacio Diamanti de Ferrara-1492 de Rosetti, en modelo florentino pero muy decorativo[91]. Con 2 pilastras y arquitrabe en la puerta central, arcos de medio punto y esquinas con balcón[92] y pilastras.

d) Piezas arqueológicas renacentistas italianas

d.1) Puerta norte del Baptisterio de Florencia

            De 1401. Completó los 28 paneles que habían sido presentados para el concurso de la Catedral de Florencia-1401, y que el mismo Ghiberti había ganado[93].

            Fue encargada por el gremio pañero Arte de Calima a Ghiberti:

-sobre escenas del AT[94] fundidas en bronce dorado,
-con cada escena enmarcada en un cuadrifolio
[95],
-con composiciones relacionadas con el gótico tardío.

            Se trata de imágenes verticales, con curvas, movimiento dinámico, perspectiva lineal, cierta difusión del horizonte, suelo que sale hacia el espectador, arquitectura totalmente clásica, cabezas sueltas que decoran los marcos, personajes clásicos y otros de la época…

d.2) David de Catedral de Florencia

            De 1408. Hecho en mármol por Donatello para la Catedral de Florencia[96], con todo el significado[97] que eso tenía. Se trata de un David joven, totalmente anti-medieval, con la cabeza de Goliat a sus pies y una cinta original en la mano derecha, en la que estaban escritos los héroes de la patria.

d.3) Figuras del Huerto San Miguel de Florencia

            De 1413. Fueron hechas por Donatello para un edificio gótico cuadrado[98], lleno de esculturas del s. XIV puestas encima de hornacinas de los muros, y que constituía la sede y granero de los gremios florentinos[99].

            Destacaron las aportaciones de Donatello, con su:

-San Marcos[100]-1413, de 2,5 m. alto, encargado por el gremio de la lana, mostrando la sandalia clásica, mirada al frente, movimiento en reposo, contraposto[101]

-San Jorge[102]-1417, en mármol, mostrando el orgullo de la juventud caballeresca, que vive sus ideas, con mirada idealizada en la eternidad. Está San Jorge en contraposto, con texturas bien acabadas en mármol, relieve en la parte inferior y planos súper bajos.

d.4) Puertas del Paraíso de Catedral de Florencia

            De 1426. Llamadas así por el mismo Miguel Angel[103], y calificadas de belleza por el resto de artistas[104], fueron esculpidas por Ghiberti en bronce dorado perfecto para la Catedral de Florencia[105], siendo la obra más importante de Ghiberti. Fue llevada a cabo con total libertad de ejecución, y trató de distanciarse de la práctica y arte oficial de los gremios.

            Contiene paneles[106] sobre escenas del AT, que producen un gran efecto pictórico[107]:

-saliendo más hacia el espectador, la parte inferior del panel,
-manteniendo un cincelado más suave y difuso, la parte superior del panel.

            Completan los paneles los profetas de los laterales, a modo exento.

            Se trata de una narración histórica[108], que utiliza Ghiberti para:

-evocar las técnicas pictóricas renacentistas,
-colocar espacios arquitectónicos, como telón de fondo digno para lo que hay delante.

            Emplea la perspectiva:

-lineal, con 1 solo punto de fuga, en las losas del suelo,
-cuasi aérea, con el fondo casi plano y las extremidades casi exentas
[109].

            Rompe la teoría de las 10 figuras por escena, juega con la visión del espectador y trata de educar la manera de ver.

d.5) Tuma Aragazzi de Montepulciano

            De 1430. Esculpida por Michelozzo en mármol de Carrara, por encargo de Bartolomé Aragazzi[110] para la catedral de Montepulciano.

            Con afán arqueologicista[111] y realismo de las mascarillas romanas republicanas, representa las virtudes teologales con gran expresividad, al igual que la recepción en el cielo a Aragazzi, por parte de la Virgen y su familia.

d.6) Tumba Bruni de Florencia

            De 1444. Esculpida por Rossellino[112] en mármol, por encargo de Leonardo Bruni[113] para la Basílica Santa Cruz de Florencia.

            Con afán centralizador en la esfinge central, deja sencillo todo lo demás[114], incluido el arco superior[115].

            Innovó las 3 bandas de colores[116], y puso al difunto yacente sobre una losa sujetada por 2 águilas[117], con libro en la mano y panel laudatorio[118].

d.7) Tumba Marsupini de Florencia

            De 1453. Esculpida por Settignano[119] en mármol porfírico blanco, por encargo de Carlo Marsupini[120] para la Basílica Santa Cruz de Florencia.

            Con sepulcro en forma de urna, y flanqueamiento de puti-niños en vez de ángeles, muestra gran clasicismo[121] y dinamismo, con texto laudatorio incluido.

d.8) Tumba del Cardenal portugués de Florencia

            De 1460. Esculpida por Rossellino[122] en mármol porfírico rojo[123], por encargo de la familia del cardenal[124] para la Iglesia San Miniato de Florencia.

            De gran unidad decorativa, bajo arco hecho con profundidad y rosetones, fondo combinado con el rojo[125], y una cortina que permite ver la escena.

            Aludiendo a los viejos panteones romanos[126], introduce la iconografía cristiana:

-centralizándolo todo con la Virgen del fondo,
-continuando la tradición de los ángeles adultos, adosados al sarcófago,
-continuando la tradición de los niños
[127].

d.9) Otras piezas renacentistas italianas

            Destaca la Tumba Hilaria del Carreto de Lucca-1406 de Jacopo della Quercia, para la Catedral de Lucca. En ella se muestra:

-sarcófago exento totalmente en mármol,
-severidad y parquedad,
-los modelos yacentes romanos,
-el inicio de la moda de ángeles con guirnaldas
[128].

            Destaca la Fuente Gaia de Siena-1409 de Jacopo della Quercia, para la plaza del Campo de Siena[129]. En ella se muestra:

-forma cuadrangular con 5 caños de agua,
-mezcla de los paños con los gestos,
-el desnudo de 2 mujeres clásicas
[130],
-la iconografía cristiana
[131].

            Destaca el Zuccone-1423 de Donatello, en piedra, para el campanile de la Catedral de Florencia[132]. Muestra a un profeta mortificado, inspirando su rostro en las mascarillas funerarias romanas[133], con niveles de incisión increíble. Incluye gran desarrollo en los pliegues.

            Destaca el Banquete de Herodes-1425 de Donatello, en bronce dorado para la fuente bautismal de la Catedral de Siena, mostrando el horror de la escena[134] y su consecuente explosión psíquica[135]. Rompe con el clasicismo idealista[136] y deforma las proporciones en pro de la expresividad[137], sensación de realidad y coherencia de sentimientos. Introduce, no obstante, elementos renacentistas, como la perspectiva clásica, los arcos de medio punto, el plegado de paños…

            Destacan los Relieves de San Petronio de Bolonia-1425 de Jacopo della Quercia, para la puerta de la Iglesia San Petronio de Bolonia. En ellos se muestra:

-escasa pulición,
-búsqueda de características claras
[138],
-fondos neutros
[139],
-dignidad al desnudo, y anatomía,
-efusividad
[140], gesticulación[141], dinamismo[142] y dramatismo[143],
-labores del trabajo de la tierra,
-la iconografía cristiana
[144].

            Destaca el David palaciego-1428 de Donatello, en bronce clásico para el Palacio de los Médicis[145]. Muestra un David adolescente y desnudo, de 1,5 m, con curva praxiteliana, suavidad en la piel, contraposto del Doríforo, con la cabeza de Goliat a sus pies, piedra en la mano y casco desafiante. Llega al realismo desde el lirismo.

            Destaca el Hércules y Anteo-1431 de Pollaiuolo, en bronce y con aires pictóricos[146]. En él se muestra:

-multiplicidad de  puntos de vista[147],
-ruptura de todas las reglas estatuarias
[148],
-movimiento hasta la violencia
[149],
-la anatomía clásica en Hércules
[150] y Anteo[151],
-personajes con energías de una eléctrica escultura.

            Destaca la Cantoría de la Catedral de Florencia-1431, de Luca della Robbia, en mármol para la entrada de la sacristía de la Catedral florentina[152]. En ella se muestra:

-más clasicismo que la Cantoría de Donatello[153],
-cantores a lo largo de 2 pisos
[154],
-cierto idealismo augusteo
[155],
-la elegancia romana imperial
[156], pero sin llegar a perder el realismo.

            Destaca la Anunciación-1435 de Donatello, en piedra caliza dorada y terracota policromada para la Basílica Santa Cruz de Florencia. Muestra la parte más clasicista de Donatello, sin sorpresas ante el anuncio, con humildad de María, equilibro María-libro, ángel reposado, serena comunicación…

            Destaca el Gattamelata equestre-1450 de Donatello, en bronce para la Plaza del Santo de Padua. Representa al serio Erasmo de Narni[157], en 3,5 x 4 m, de cara contenida, fuerte disciplina e individualismo. Sobre pedestal elíptico, muestra el dominio del jinete y caballo[158] sobre la naturaleza[159], aunque sin llegar a la posición de corbeta.

            Destaca la Magdalena penitente[160]-1453 de Donatello, en madera para el baptisterio de la Catedral de Florencia[161]. Plasma la etapa más liberal y expresionista de Donatello. Muestra un cuerpo anciano, vertical, musculoso, sin rasgos humanos, sin dientes, con pelo asilvestrado.

            Destaca el Judit y Holofernes-1454 de Donatello, en bronce[162] para el patio del Palacio de los Médicis[163]. Muestra el gusto por los distintos puntos de vista, y no sólo por el penitencial. Plasma una Judit decidida, de 2,4 m, con rostro tenso e impresionante, que sostiene la cabeza de Holofernes.

            Destaca la Duda de Santo Tomás-1463 de Verrocchio, en bronce para el Huerto de San Miguel de Florencia[164]. En ella se muestra:

-una obra monumental de 2m. altura,
-una diagonal de fuera hacia dentro
[165],
-continuo estado no estático
[166],
-el centro en la llaga de Jesús
[167],
-a Tomás realista
[168] e incrédulo.

            Destaca la Fuente Putto con delfín de Florencia-1470 de Verrocchio, en bronce para el Palacio Vecchio de Florencia. En ella se muestra:

-giro ex-profeso[169],
-la multiplicidad de los puntos de vista,
-apariencia de autenticidad
[170].

            Destaca la Piedad-1499 de Miguel Angel, hoy en la Basílica San Pedro de Roma[171]. En ella se muestra:

-final de la 1ª etapa de Miguel Angel,
-riqueza en las texturas,
-melancolía y rostros clásicos,
-elegancia contenida,
-exploración de la piel, en Jesús,
-superación de las dificultades clásicas
[172],
-simbología de la muerte, con la mano caída de Jesús.

            Destaca el David-1504 de Miguel Angel, hoy en el Museo de la Academia de Florencia. En él se muestra:

-5,2 m. altura,
-superación de todas las piezas clásicas,
-iconografía clásica
[173],
-contraposto, en pies,
-carga emocional en todos los miembros
[174], como conciencia de su papel,
-partes ideales
[175] y partes no ideales[176].

 

Manuel Arnaldos   
Mercabá, diócesis de Cartagena-Murcia    

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Diccionario Mercabá de Arqueología

Indice general de Enciclopedia Mercabá de Historia   

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[1] La moda de que el sabio era un individuo autónomo, que necesitaba conocer todas las artes liberales y de la ciencia.

[2] Continuador de las innovaciones geniales de GIOTTO, destacando su De Artibus-1390, tratado en que abría un abanico de principios técnicos a las nuevas generaciones que iban viniendo, ya en el mismo Trecento.

[3] Fundador del primer gran taller cultural de Italia, educando allí a DONATELLO, MICHELOZZO, UCELLO, MASOLINO, FILARETE… Sus postreros Comentarii-1453 introducirán una valiosísima autobiografía.

[4] Arquitecto italiano, más conocido por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia, de elevada matemática y perspectiva cónica.

[5] Escultor italiano, más conocido por inventar la stiacciato o escultura monumental de máxima profundidad en un mínimo plano, a forma de relieve aplanado.

[6] Conocido por llevar a la práctica las leyes de la perspectiva científica.

[7] Trabajando exclusivamente para el papa (tras la llamada que le hizo el papa veneciano EUGENIO IV) y su proyecto vaticano, de 1434 a 1443.

[8] Cuya carrera de derecho había estudiado en Bolonia.

[9] Bajo su lema, que llegó a hacerse famoso por toda Italia, de “quid tum” (lit. y ahora qué).

[10] En su De Pictura-1435.

[11] Aunque siempre encargó su ejecución a otros, debida su escasez de tiempo.

[12] Famosas fueron sus constantes condenas sobre el lujo de la ciudad, afirmando que éste era el origen por el que vendrían ocasionados todos los vicios.

[13] De 10 volúmenes y por orden del papa NICOLAS V, tras haber estado circulando durante años en forma de manuscritos escritos a mano.

             En él se habla de:

-los edificios públicos de la ciudad,
-la belleza en arquitectura, basada en las leyes naturales y principios universales, y no dependiente del gusto individual,
-el objetivo de la arquitectura,
-la cocinnitas (lit. composición, armonía) de las partes, relacionadas proporcionalmente,
-la preferencia por los templos paganos de planta centralizada, antes que las iglesias medievales,
-la eliminación de la combinación columna-arco, pues el arco debería estar sustentado por el muro (y no por elementos separados),
-la decoración escultórica o llena de cuadros en el interior, pero nunca a base de frescos murales,
-el abovedamiento como forma de cubrición.

[14] Sacerdote y filósofo neoplatónico, que fundó la Academia platónica de Florencia, educando en ella a toda la prole de los MEDICIS y originando el Renacimiento filosófico en Italia.

[15] Filósofo y pensador italiano, y principal ayudante de FICINO en la Academia platónica de Florencia.

[16] Palabra inventada en el s. XIX para hacer referencia a la renovatio de que se hablaba la época.

             En concreto, por:

-BALZAC, al referirse a la cultura flamenca post-gótica,
-JACOB BURCKHARDT en su Cultura del Renacimiento en Italia-1860.

[17] Según JACOB BURCKHARDT.

[18] Desde un concepto antropocéntrico, y no teocéntrico.

[19] A forma de buscadores de tesoros, libros, ruinas…

[20] Pues antes todo era plano y de oro litúrgico.

[21] Como los Comentarii-1453 de GHIBERTI, importante autobiografía en la historia.

            Especial e importante será, posteriormente, la Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos-1550 de VASARI, célebre por sus biografías sobre intelectuales italianos, colección de métodos, rumores y leyendas recogidas.

[22] Como los aportados por DANTE en su Divina Comedia.

[23] Como los de BARTOLOMEO FACIO, FILIPPO VINARDI... De hecho, la imprenta facilitó que los libros empezasen a publicarle sin control, pudiendo cada escritor fijarse en lo que quería.

[24] Momento en que entra en todos los niveles el conocimiento científico, tras haberlo hecho antes en la arquitectura gótica.

[25] Lo que les impedía entrar en el mundo de los caballeros, pues habían trabajado con sus manos.

[26] Como ya había enseñado ANGELINO ANGELINI, que en su Tratado de Arte enseñaba a:

-copiar a los grandes maestros, pues algo se pegará (imitación),
-superar lo copiado (emulación).

[27] Pues veían las obras arqueológicas que iban apareciendo.

[28] Como es el caso de:

-los Diez tratados de Arquitectura de MARCO VITRUVIO,
-la Historia Natural de PLINIO EL VIEJO (editada en latín-1469 y toscano-1476),
-el Corpus Lucianeum de LUCIANO DE SAMOSATRA… muy releído en el Renacimiento.

            Es en lo que consistió la exfasis, o descripción de los cuadros a través de los textos.

[29] Fundada en 1459 por el sacerdote MARSILIO FICINO, costeada por los MEDICIS, y forjadora de los grandes talentos florentinos (BOTTICELLI…).

[30] Fundador del neoplatonismo en el s. III (que muy poco después sería cristianizado).

[31] Los Diálogos y Banquete de PLATON…

[32] Siendo BOTTICELLI el primero que empezó esta moda renacentista. Así, por ejemplo:

-Venus podía servir para iluminar la belleza terrenal, a imagen de la celestial,
-la simetría clásica podía significar la perfección del universo,
-los desnudos podían mostrar la creación original de Dios…

[33] Forma racional del espacio y de la vista.

[34] Pues en la Edad Clásica la perspectiva significaba humanismo, sabiduría, sistema único racional, y no conjunto relativo de sistemas. Se trataba de una imagen espacial percibida por la vista, pero concebida por la mente.

            De ahí que cuando POLICLETO compuso su canon, pidió opiniones a todos al respecto. Y al final mostró a todos:

-su canon,
-la imagen que entre todos habían ido pactando (para gran risa de todo el público).

            Y es que, decían los griegos, la mente piensa lo que percibe. Luego la reflexión se hace sobre el modo de ver a través del intelecto, y no a través de los ojos. En Roma, por ejemplo, el Jardín de Libia del Museo de las Termas ya incluía la perspectiva aérea, con elementos difuminados al fondo.

[35] Pues en la Edad Media la perspectiva significaba óptica, ciencia de la visión.

[36] Punto de fuga que el Barroco no pondrá en el centro, sino en la esquina superior derecha, dejando vacío del resto.

[37] Que llegó a definir como “la ventana a través de la cual el espectador mira para ver el mundo de su interior”.

[38] Donde el ojo del arqueólogo pasa a ser el único punto de vista, el único que fija las proporciones del horizonte y del primer plano. Así, la perspectiva pasaba a ser el verdadero espacio arqueológico, y el arqueólogo el prestidigitador de la imagen.

[39] Que defiende las calles con rectas porticadas, curvas suaves, barrios para nobles, zonas cultivables.

[40] Que ideó este modelo de ciudad para FRANCISCO SFORZA y su ciudad de Milán, con la plaza como centro neurálgico y albergadora de la catedral y palacio real.

[41] Como decía ALBERTI.

[42] Como decía CASTELLONE.

[43] Como se diría hoy en día.

[44] Lo que hizo a BRUNELLESCHI ser conocido como el Inventor.

[45] Pues el diámetro del crucero era enorme. De ahí que dijera ALBERTI, una vez finalizada la cúpula de Florencia, que ésta podía dar sombra a todo el pueblo toscano.

[46] Para intentar emular la cúpula del Panteón, y relacionar así a Florencia como la nueva Roma.

[47] Cúpula acabada a la muerte de BRUNELLESCHI, y que sería rematada con las pinturas de VASARI y ZUCCARO.

[48] Lo que significaba hacer 2 cúpulas (1 más ligera sobre otra interior), y no sólo 1, construidas sobre andamios circulares, y donde la pesada linterna sostenía el peso.

[49] Cuya familia ya poseía otro palacio, el Palacio Piti de Florencia, como su buque insignia. De ahí que no les preocupara vender posteriormente este palacio de MICHELOZZO a la familia RICCARDI.

[50] Al que COSME DE MEDICIS no se atrevió a contratar para no dar la imagen de tanta ostentación (pues acababa de volver de su destierro en Venecia).

[51] Pero combinando perfectamente lo clásico, como arquitectura puramente renacentista.

[52] Lo que hizo que ALBERTI, metidos en miles de proyectos simultáneos, encargase la ejecución de obras a su capataz LEONARDO ROSSELLINO.

[53] Gran anti-MEDICIS y pro-STROZZI.

[54] Inspirados en el Coliseum y Teatro Marcelo de Roma, en que se superponen el toscano, dórico, jónico y corintio.

[55] A forma de entablamentos-arquitrabes, imitadores pero alteradores de los órdenes clásicos.

             Aquí hay que distinguir:

-los pilares, cuadrados y sustentantes,
-las columnas, circulares y decorativas.

[56] Para no dar idea de lo que hay detrás.

[57] Trabajo de incrustación, en que piezas cortadas de distintos materiales se van encajando, hasta realizar el diseño.

[58] Como es el caso del mármol blanco y verde, o las incrustaciones bicolores.

[59] Sobre 6 tumbas.

[60] Siendo el ancho total = altura total, y el ancho del piso inferior el doble que el del piso superior.

[61] Aunque no con elementos simétricos perfectos.

[62] Articulada por medio de columnas y pilastras.

[63] Articulada por medio de 4 pilastras.

[64] A forma de aletón, para cubrir la diferencia y unificar los 2 niveles.

[65] No para usarse. Pues, de hecho, por dentro mide sólo 4,5 m.

[66] De ahí que el palacio oscile entre arquitectura y escultura.

[67] Emulando al Panteón de Roma, pues no había problemas de peso.

[68] La misma que la utilizada en la Roma antigua.

[69] A la llegada de los papas a Roma, tras su destierro de 5 papados en Avignon.

             Durando los trabajos de Nueva Basílica hasta el 18 noviembre 1626, en que se terminan todas las obras del Estado Vaticano, Palacio Vaticano, Museos vaticanos, Biblioteca vaticana, Archivos Vaticanos, estancias y prefecturas… y la Basílica papal, con las columnatas de BERNINI como colofón final.

            Pues nada más que en Museos, el Vaticano contaba con: Museo Vaticano,  Museo Egipcio, Museo Etrusco, Museo Griego, Museo Clásico, Museo de Medallas, Museo Numismático, Estancia de Constantino, Museo Medieval, Museo de los Mapas, Museo Pío-Clementino, Museo Chiaramonti, Museo Misionero-Arqueológico, Pinacoteca Vaticana, Colección de Arte, Capilla Nicolina , Capilla Paulina, Capilla Sixtina, Capilla Oriental, Aposentos Borgia, Estancia de la Signatura, Estancia de Heliodoro, Estancia del Borgo, Museo Filatélico, Museo de Tapices, Museo de Carruajes…

[70] Donde están enterrados los 265 papas de la historia.

[71] Que tenía a su cargo a SIGNORELLI, PERUGINO, BOTTICELLI, ROSSELLINI, GHIRLANDAIO, MIGUEL ANGEL, VAN DER BROECK...

[72] El Constantino y el Carlomagno de BERNINI.

[73] Donde, por ejemplo, el ancho del arco = al alto de las columnas. Así como el espacio interior está decorado con cubos perfectamente milimetrados.

[74] De hecho, introdujo una arquería tan equilibrada y perfecta, que ni siquiera llama la atención.

[75] Reproduciendo toda la austeridad y grandiosidad de Roma.

[76] Con la idea de unidad y centralidad en todo el proyecto.

[77] Haciéndola el doble de ancha que de larga.

[78] Aunque BRUNELLESCHI murió sin poder llegar a terminar el total de capillas. Ni tampoco después se terminaron, ni se construyeron las 4 puertas de entrada que había planificado BRUNELLESCHI.

[79] Para romper el espíritu e intensidad del gótico (que buscaba crear sorpresas en el espectador), e infundir los nuevos espíritus renacentistas a la obra.

[80] Familia florentina que pidió hacer una capilla particular dentro de la Basílica Santa Cruz de Florencia para su propio culto, a forma de ponerse ella como mecenas de las artes (y no sólo como donante). Sirvió para enterrar a sus muertos y realizar liturgias privadas.

[81] Sobre 4 pechinas, y edificada con pietra serena-piedra gris local (para hacer juego con el color blanco de las pechinas).

[82] Para simbolizar la esfera eterna divina.

[83] Imagen de lo humano y lo terreno.

[84] Para enterrar a su familia y ensalzar su figura terrenal. No obstante, hoy la obra está sin terminar, dado que MALATESTA murió en combate en 1461, y se paralizaron las obras.

[85] Como la gran cabecera, cúpula, arcos de medio punto, frontones griegos…

[86] A forma de paraguas, para paralizar y obstaculizar la entrada de la luz.

[87] La 2ª de las 3 formas de casas romanas (domus, villa, insula), en este caso en el campo.

[88] Material fácil de conseguir en Venecia.

[89] Galería de arcos en los patios renacentistas, en armonía con la naturaleza, y aún a pesar de poseer ventanales y cristaleras.

[90] Familia banquera de Florencia, muy anti-MEDICIS.

[91] Con formas de diamantes por toda la fachada.

[92] Similares a los balcones triangulares góticos.

[93] Y donde había escrito en un epígrafe superior: OPUS LAURENTII FLORENTINIS.

[94] Salvo las últimas 2 líneas de paneles, que debían representar:

-a los 4 padres latinos, San Agustín, San Gregorio, San Ambrosio, San Jerónimo;
-a los 4 evangelistas, Mateo, Marcos, Lucas, Juan.

[95] Divididos por cuarterones-líneas esculpidas.

[96] Hoy está en el Museo Bargello de Florencia.

[97] DAVID en Florencia simbolizaba al pequeño que podía con el gigante, la figura política que vencía a los enemigos que le rodeaban.

[98] Hoy conocida como Iglesia Or San Michele de Florencia.

[99] De ahí la existencia de 14 nichos con elementos y esculturas totalmente distintas (de las que participó también DONATELLO), las últimas 9 de las cuales (de 1423) exaltando escenas guerreras (ante la amenaza del rey de Nápoles sobre Florencia).

             Nichos en los que había participado, antes de la llegada de DONATELLO, el mismo NANNI DI BANCO (máxima promesa florentina, que murió joven y con un par de obras nada más), sobresaliendo sus 4 Mártires-escultores, que supuestamente se habían negado a esculpir la figura de Diocleciano.

            Se trata, el 4 Mártires-escultores, de una compleja composición, en la que los 4 van vestidos de romanos republicanos realistas, muestran la vieja virtus romana, y están hablando sobre su castigo por negarse a esculpir a DIOCLECIANO. Incluye:

-señales con el dedo,
-miradas trascendentes,
-pedestal en semicírculo, siguiendo la forma de los pies,
-parte posterior con un paño que se pliega hasta a la túnica de los mártires y las columnas exteriores.

[100] Patrón de los pañeros.

[101] 2 pies separados.

[102] Santo que murió mártir en Palestina, en un lugar donde lucha contra un dragón que se comía a las doncellas, y al que vence con sólo mentar a Jesucristo, por medio del cinturón de la doncella.

[103] Al considerarlas como las más dignas de estar a las puertas del Paraíso.

[104] Siendo ésta la 1ª vez que se utiliza esta categoría en el Renacimiento, con independencia del tema.

[105] Hoy en el Museo Opera del Duomo de Florencia. Pues lo que aparece hoy en la Puerta Este del baptisterio es una copia del original.

[106] Pero no sobre cuadrifolio, por deseo personal de GHIBERTI, para dar mayor espacio a las piezas narrativas.

[107] Dado el relieve lleno de texturas y perspectiva.

[108] Donde Rebeca está dando a luz en su cama, Esaú es enviado al campo con sus perros, y Jacob recibe la bendición de Isaac ante la mirada atenta de Rebeca.

[109] Como las metopas del Partenón de Atenas, que tenían los miembros casi quebrados. Se trata de la perspectiva escultórica, cuasi aérea, que dirige los ojos hacia donde el escultor quiere.

[110] Secretario del papa MARTIN V, gran erudito y experto en textos clásicos.

[111] Pues estaba empezando a ponerse de moda la recolección de anticuarios y detalles antiguos.

[112] Bernardo di Matteo Gamberelli (Florencia 1409-Florencia 1464), BERNARDO ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos aprendices en las canteras de su padre.

[113] Canciller de Florencia y gran abogado, al servicio del papa INOCENCIO VII en diversos trabajos para el Concilio de Constanza-1411.

[114] Salvo la Madonna con Niño y el León Marzocco (símbolo de Florencia) del tímpano.

[115] Emulador de los Arcos del triunfo de Roma.

[116] Elemento muy repetido en adelante, en los elementos sobre tumbas en la pared.

[117] Por las victorias conseguidas por el canciller.

[118] Sobre el dolor de las musas, por haber perdido a BRUNI.

[119] Desiderio de Bartolomeo di Francesco (Settignano 1430-Florencia 1464), DESIDERIO DA SETTIGNANO fue famoso por sus esculturas de niños (conocidos como puti).

[120] Canciller de Florencia, venido de la familia gobernadora de Génova, y de gran altura intelectual.

[121] Por sus roleos, hojas de acanto, patas de animal, la venera…

[122] Antonio di Matteo di Domenico Gamberelli (Setignano 1427-Florencia 1479), ANTONIO ROSSELLINO perteneció a una familia de 5 hermanos, todos ellos aprendices en las canteras de su padre.

[123] Para aludir al poder de Roma.

[124] Muerto con 27 años y príncipe de Portugal, que estuvo emparentado con todos los nobles europeos.

[125] Mediante la técnica del estofado, o dorado al que luego se le unen las pinturas, con punzón.

[126] Por la forma del sarcófago, y por la inspiración en las máscaras funerarias (para dar suavidad al mármol y variación en los tonos-sombras).

[127] Uno llevando la corona de la vida eterna, y otro llevando la palma de la victoria.

[128] Como motivo decorativo que se alargará hasta el Seicento.

[129] Hoy está en el Museo municipal de Siena.

[130] La madre de Rómulo y Remo (Rea Silvia) y la pastora que los crió (Lupa). Y es que, según la leyenda, un hijo de Remo fundó la ciudad de Siena.

[131] La Virgen con niño, las 8 virtudes, la Creación de Adán, la Expulsión del Paraíso.

[132] Hoy está en el Museo Opera del Duomo de Florencia (en la Plaza del Duomo de Florencia, que recoge tan sólo las piezas de la Catedral de Florencia).

[133] Donde se resaltaba la virtus romana en su máxima madurez (pues estaba ya muerta).

[134] Horror por los planes de Herodías y su hija Salomé (que todavía está bailando), horror de la cabeza del Bautista, y horror en Herodes y los invitados.

[135] Pues todos los personajes se echan para atrás.

[136] Introduciendo la parte negativa y pathos del hombre.

[137] Casi anti-renacentistamente.

[138] No nítidas pero sí expresivas, como precedente de la genialidad de MIGUEL ANGEL.

[139] Con rocas neutras decorativas.

[140] En la creación de Eva.

[141] En el caso de:

-Adán, que se pone de espaldas a Eva,
-Eva, que quiere rechazar la manzana con una mano, y con la otra la coge.

[142] Como es el caso de Dios Padre, dinámico a pesar de su enorme peso.

[143] En la expulsión del paraíso, o en el ángel expulsador.

[144] Como la Creación, el Pecado original…

[145] Hoy está en el Museo Bargello de Florencia. Pero en su día fue encargado por los MEDICIS para el patio de su Palacio, para representar la independencia de la pequeña Florencia, y para ponerse ellos como los que estaban abanderando la ciudad.

[146] Al tratarse de un tema de acción, basándose en su precedente pintura Trabajos de Hércules.

[147] Ya inventados por LISIPO en el s. IV a.C.

[148] Que habían puesto en la estaticidad su criterio de composición. Con POLLAIOLO, ahora será la acción el criterio de composición.

[149] Inventando el concepto de libertad escultórica, para provocar movimiento en cualquier dirección.

[150] Clásico héroe de la Antigüedad, que con la piel del león de Nemea, había tronchado a Anteo. Clásico héroe que había llegado a estar en el sello de la República florentina, y al que describe con la boca abierta, pies hacia los lados contrarios, rizos disparados.

[151] Hijo de Poseidón y Gea, que vivía en Libia con aspecto de gigante, y que retaba a todos los viajeros que pasaban por allí (hasta que llegó Hércules en uno de sus trabajos, y lo tronchó).

[152] Hoy, en el Museo Opera del Duomo de Florencia.

[153] Mucho más dramática y suelta en libertad compositiva, recogiendo las máscaras romanas, palmetas griegas, dinamismo que llega al caos de los gritos infantiles... Y que estaba justo enfrente de la de DELLA ROBBIA.

[154] Donde aparecen los niños cantando un salmo (el mismo que aparece escrito en los frontones), pero no gritando (como aparecía en la Cantoría de DONATELLO).

[155] Inspirado en el Augusto del Ara Pacis de Roma.

[156] En las togas sinuosas (de sinus, lit. curva), pliegues caídos, anatomía bajo los pliegues…

[157] Al que se le apodaba “el gato meloso”, justo lo contrario a lo que DONATELLO muestra aquí. No obstante, se trata de la 1ª estatua en honor a un guerrero desde los tiempos de la Roma clásica (cuya única estatua equestre todavía en pie sigue siendo la de MARCO AURELIO).

[158] Pues éste sostiene la bola del mundo bajo sus patas.

[159] Pues la escultura está fuera de cualquier tipo de soporte arquitectónico.

[160] Vestida con piel de camello y llorando en una cueva, según cuenta la Leyenda Dorada-1250 del dominico SANTIAGO DE LA VORAGINE, y según recoge en sus temáticas TIZIANO. Pues María Magdalena se había retirado a vivir a una gruta para vivir en penitencia.

[161] Hoy está en el Museo Opera del Duomo de Florencia.

[162] En bulto redondo.

[163] Como fuente decorativa.

[164] Hoy está en el Museo de Basílica Santa Cruz de Florencia.

[165] Poniendo el pie de Tomás fuera del marco, y a Jesús subido a una tarima.

[166] De ahí el poner a Tomás de lado (aún sin perder el equilibrio).

[167] Que rompe el vestido de Jesús, y se pone en la diagonal descrita para que pueda ser vista por Tomás y por el espectador.

[168] Por sus rizos del pelo.

[169] Sosteniendo el peso en la pierna izquierda, y girando su cabeza hacia la derecha.

[170] Nueva moda introducida en el Renacimiento por el gran VERROCCHIO, introduciendo el movimiento ilusorio en las estáticas fuentes clásicas de Roma.

[171] Encargada por el francés cardenal VILLIES, para su propia tumba.

[172] Creadas aquí ex-profeso, para dejar caer a plomo un cuerpo muerto en el regazo de una mujer, sin aparentes dificultades.

[173] Héroe desnudo.

[174] En la cara, entrecejas, labios, narices… y en las poderosas venas de la mano.

[175] El cuerpo.

[176] La mano derecha. Pues se trata de una mano potente y latente, que muestra que algo le está pasando al personaje. Muestra así no lo ideal, sino lo heroico y lo vulnerable.